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  • “Hunting for Your Dream”: la canción que te hace vencer la depresión

    “Hunting for Your Dream”: la canción que te hace vencer la depresión

    “Ahora Kurápika está ahogándose en un vacío indescriptible”. Seguramente todos han visto un TikTok o meme de esta escena de Hunter X Hunter, en la que el personaje antes mencionado está super siendo consumido por la depresión, para hacer un corte al ending con la gloriosa “Hunting for Your Dream” de Galneryus (y si no, la verdad es que te falta cultura).

    Bueno, el coto es que la canción es super animada, up beat, positiva y su letra tiene un mensaje perseverancia, voluntad y crecimiento personal, es básicamente un “ánimo, delincuencia” en esteroides . Es como si “Hey Ya!” de Pocoloco fuera una rola (y si tampoco le sabes a esta referencia, te hace falta leer la Biblia 2, literalmente).

    大空も この大地も ♫♪

    “Hunting for Your Dream” salió en 2012 como parte del álbum Angel of Salvation, pero su verdadero alcance llegó cuando fue elegida como el segundo ending del anime Hunter × Hunter (2011), específicamente en la recta final del arco de las Hormigas Quimera, una trama durísima en la que Gon y compañía traen un fuerte desgaste físico, emocional y han tomado decisiones que no tienen vuelta atrás.

    Fuera del anime, la canción terminó volviéndose, además de un meme, uno de los himnos por excelencia de los amantes del metal japones, por lo pegadiza que es y además su potente mensaje de animo que te invita a no tirarte a la mierda y volverte el/la más bacanx en tu vida.

    La canción habla de perseguir un objetivo personal (o simplemente vivir) aunque el camino sea incierto y difícil. ¿Cómo? Pues no rindiéndose y fortaleciéndote con toda experiencia vivida. La letra insiste en avanzar, mantenerse firme y no perder de vista lo que uno quiere.

    “Hunting for Your Dream” también remarca algo: 100pre hay que estar en movimiento, (keep walking ,diría en Johnny Walker *patrocínameeeee*), porque, cómo diría Juan Gabriel: “el tiempo pasa y no perdona”.

    Además, ¿Qué hay mejor que disfrutar del proceso? La canción te sugiere justamente que toda experiencia vivida, situación, escenario, etc. etc., te enseñan algo y eso es lo que le da sabor al viaje.

    Así que ánimo, delincuencias, escuchen este joya de Galneryus cuando les gane la ansiedad y crean que su existencia es fútil. Y recuerden: el camino/proceso de cada persona es diferente, so gocen del suyo, porque quien disfruta de las pequeñas cosas y se divierte mientras construye ya ganó.

  • No Straight Roads: cuando el rock y el EDM se echaron un tiro

    No Straight Roads: cuando el rock y el EDM se echaron un tiro

    Hoy en una entrega nueva de “videojuegos que compré solo por su música” (al parecer me va a dar para una serie larga), hablaré de No Straight Roads, una joyita indie cuya trama literalmente se centra en la lucha entre el rock y el EDM (y sus derivados).

    Y no podía dejar de hablar de la mezcla interesante que tiene este juego con su apartado musical, porque honestamente tiene unos temazos que sería un crimen contra la humanidad si no los comparto.

    ¿No caminos derechos?

    No Straight Roads fue desarrollado por el estudio malasio Metronomik y publicado en 2020. Desde su concepción, el proyecto apostó por construir un juego donde la música fuera el centro de toda la experiencia. La historia sigue a Mayday y Zuke, los integrantes de la banda Bunk Bed Junction, la cual, tras de fracasar en una audición organizada por NSR, la disquera malvada/empresa que controla la energía de Vinyl City, que además domina la vida cultural de la ciudad a través del EDM.

    Nuestros panas no soportaron y por ello deciden enfrentarse al sistema y comenzar una revolución de dos pelados. Para ello, van a cantarle un tiro a cada uno de los artistas (esbirros de NSR), que controlan los distritos de la ciudad, para así devolverle espacio al rock y romper con la hegemonía de la electrónica, la cual, al parecer, aquí es de derecha alienada. Básicamente, el juego es una boss rush.

    Música hasta para aventar

    La banda sonora de No Straight Roads incluye una amalgama de talentos que nos dan un soundtrack variado, rico y versatil. Entre los artistas que participan están James Landino, Funk Fiction, Falk Au Yeong y Andy Tunstall, y cuenta con los aportes de Masahiro “Godspeed” Aoki, RoboRob, Tokyo Machine, Shota Nakama, Nikki Simmons, Ai Yamamoto, Az Samad, Clyde Rabatel Zapata y Tony Ann.

    Lo interesante es que cada tema principal de un jefe tiene tres versiones: la estándar, la rock y la EDM, y sí, son muy distintas entre sí. Además, la forma en la que te las van soltando es de acuerdo a que tanto haz avanzado en una pelea.

    Hay jefes que están completamente construidos desde un lenguaje musical específico. Por ejemplo, DJ Subatomic Supernova tiene con una base de electrónica progresiva que escala en intensidad conforme avanza el combate, con drops marcados y cambios de ritmo que acompañan cada fase.

    Mientras tanto, en el caso de Sayu, la pelea arranca como un tema muy drum ‘n bass kawaii; al pasar al la versión rock suena mucho como a opening de anime, pero lo GOD viene cuando entra la EDM: es fokin vaporwave 100/10.

    Otro caso es EVE, cuya batalla está montada sobre un pop electrónico más pulido, con estructura de canción comercial y una presencia muy marcada de sintetizadores, acorde a su personaje. Además, que cada una de sus versiones refleja la emotividad que el personaje tiene dentro de la trama.

    No Straight Roads es un juego corto, pero con mucha rejugabilidad. Además su música es uno de sus principales atractivos. Recomiendo 100% y lo mejor es que está en todas las plataformas.

  • Tilly Norwood o por qué la IA jamás superará al arte hecho por humanos

    Tilly Norwood o por qué la IA jamás superará al arte hecho por humanos

    Seamos honestos: solo a la gente básica le gustan los productos culturales hechos con IA. Sí, hay algunas cosillas que si están chidillas (anulo funa), como el Flow GPT (en paz descanse), pero mi statement va más allá de las posibilidades creativas de las herramientas o de la tecnología en sí; tiene más que ver con cómo muchas personas menosprecian el trabajo artístico/creativo y creen que por escribir un prompt y generar un video de furros peleando con el Chavo animado ya son animadores, guionistas, fotógrafos, etcétera, etcétera.

    Además, muchas empresas que no quieren pagar el trabajo de artistas reales están recurriendo a la IA para producir los videos publicitarios más (deja tú rancios) aburridos y genéricos posibles, que, lejos de que vendan, hacen que la gente sienta repelús.

    Y justo hace unas horas estaba con la Xime en la oficina viendo reels desde la cuenta de una señora y no mms, nos salían puros clips de “podcasts” de morras claramente generadas con IA, con más de medio millón de seguidores… ¿bots u orgánicos? honestamente no importa. El punto es que existen y que la gente, o no sabe distinguirlos de una persona real, o ya consumen cualquier cosa por pura inercia. Y justo en medio de eso nos apareció un video musical de Tilly Norwood, la “actriz” de la que vamos a hablar hoy.

    ¿Tilly Norwood who?

    Durante el ya lejano 2025, varias empresas comenzaron a explorar la posibilidad de construir “talento” digital con un solo propósito: ahorrarse salarios, chamba y ser dueñx sobre todo lo creado al rededor. Una de las entidades que nacieron por ello fue Tilly Norwood, creada Xicoia, la división de IA de Particle6 Group, empresa fundada por la actriz y productora neerlandesa Eline Van der Velden.

    El proyecto fue planteado como una “actriz” generada 100% IA sí fake, diseñada para integrarse en cualquier tipo de producción audiovisuales. Para darle promo le sacaron redes (actualmente tiene 157k en ig) y diablos, no se esforzaron en no hacer un rostro tan de IA genérica. Para venderla, la productora aseguró que con “talento” como el de ella podría reducir los costos de producción hasta en un 90%.

    El primer proyecto de Tilly Norwood el sketch “AI Commissioner”, estrenado en julio de 2025. Alch no ahórrense el disgusto de buscarlo, no da risa, está aburridísimo y está equis, no pierdan 2 minutos de su vida como yo (aunque los comentarios están cagados lols). En septiembre de ese año, el “corto” fue presentado en el Festival de Cine de Zúrich, y hasta buscaban que las agencias de talento consideraran representar a la bot (¿?).

    Funa no anulada

    Medios como The Guardian, PC Gamer y The A.V. Club destacaron que era muy uncanny valley. The Verge, por su parte, cuestionó el intento de normalizar “actores” de IA, tratando de dejar afuera la humanidad del cine.

    Actores y actrices como Melissa Barrera, Natasha Lyonne, Mara Wilson, Emily Blunt, Sophie Turner, Toni Collette, Ralph Ineson y Ariel Winter funaron la iniciativa y cuestionaron las implicaciones éticas, artísticas y económicas que Tilly Norwood hacía muy visibles.

    A la gente se le estaba olvidando, pero Particle6, al parecer no entendió. Hace unos días lanzaron como cantante a la Tilly y estrenaron el video musical de la canción “Take the lead”… y bueno…:

    Para empezar, decidieron hacer una base musical como de cuando estás en Envato buscando una canción random para un video y ya andas por la página 8, en donde ya todo suena igual y se ve que no le pusieron nada de voluntad a los audios. Muy rolita de Disney región 4 en desnutrición.

    En cuanto al videoclip… para ser un video de IA, lo más arriesgado que hicieron fue poner flamencos en las nubes. Ya de menos se hubieran inventado un corto de fantasía o algo como los de los chinos de TikTok.

    Y bueno, la canción es una defensa del uso de la IA. Señala que la tecnología no representa una amenaza, sino que es la “evolución”. Pero, wey, pudiendo hacer acá algo al menos visualmente impresionante, deciden lanzar algo peor que genérico. Y lo bueno es que al inicio del clip te presumen que 18 humanos participaron en esa blasfemia.

    La funa fue mundial y hasta en La Jornada salió (jajaja). En fin, la reflexión de todo esto es que la burbuja de la IA explotará, al parecer, en un futuro no muy lejano y las grandes corporaciones tecnológicas (o pymes) no van a soportar. Creen que con cosas como Tilly Norwood están devorando, pero el público consumidor ya se está cansando de que le quieran dar porquerías… o quizás saben que, poco a poco, la gente está dejando de lograr diferenciar lo real de la IA… ¿y si nos pasa como la mosca que ya vive en una simulación? (se pone su sombrero de aluminio).

  • A esto suenan los libros que pronto serán cine o serie

    A esto suenan los libros que pronto serán cine o serie

    Para nadie es nuevo que a Hollywood le da hueva pensar y que gran parte de las series y películas que vemos son adaptaciones de libros, videojuegos etc., a veces bien logradas… y a veces nacen muertas.

    Y este 2026 se van a estrenar varias cositas adaptadas de libros, que veremos si les quedan buenas… o no. Quise hacer una playlist de a qué canciones sonaría cada libro/serie/peli, pero solo he leído uno. So, le pedí a un compa muy bibliófilo, Juanelo San Román (o Pana Libros), que me ayudara y ésta fue la playlist que se armó.

    Cinder (Las crónicas lunares – Marissa Meyer)

    La saga de Marissa Meyer ya está en proceso de adaptación como película animada de la mano de Warner Bros y Locksmith Animation, con dirección de Noëlle Raffaele y estreno previsto para 2028. La historia sigue a Cinder, una cíborg que intenta encontrar su lugar en una sociedad marcada por la desigualdad y una plaga mortal, mientras se ve envuelta en conflictos políticos con la colonia lunar.

    Pana Libros dice que esa mezcla entre ciencia ficción, cuento clásico y tensión emocional suena a “Season of the Witch” de Lana Del Rey.

    Atrapada en las vacaciones (Christina Lauren)

    Netflix ya tiene en marcha la adaptación de esta comedia romántica, con rodaje previsto para febrero de 2026 y un elenco que incluye a Maddie Ziegler y Rob Lowe, lo que coloca la historia en un terreno de romance ligero pero bien construido.

    Según Pana Libros, la novela funciona desde la química entre personajes, los encuentros inesperados y ese tipo de amor que aparece en momentos random. Suena a “Last Christmas” de Wham!, supongo que porque es random escucharla fuera de la Navidarks.

    No estás en la lista (Alison Espach)

    TriStar Pictures adquirió los derechos de la novela tras una fuerte puja entre estudios, y la adaptación estará dirigida por Will Speck y Josh Gordon, con guion de Nicole Holofcener. La historia gira en torno a una protagonista que se enfrenta a momentos incómodos, decisiones personales y una búsqueda de sentido que mezcla humor con momentos más duros. Pana Libros dice que suena a “Everybody’s Changing” de Keane.

    Cumbres Borrascosas (Emily Brontë)

    Esta ya salió y muecha gente me ha dicho que, o la amas, o te da asco. Esta adaptación es dirigida por Emerald Fennell y encabezada por Margot Robbie, Jacob Elordi y Alison Oliver.

    Pana Libros no se esforzó y dijo que suena a “Chains of Love” de Charli XCX... el tema principal de la peli.

    La Odisea (Homero)

    Este si lo leí lols. Christopher Nolan lleva este clásico a la pantalla con una producción bien bastarda: están usando cámaras IMAX y el elenco tiene a puro famoso como Matt Damon, Tom Holland, Anne Hathaway, Zendaya y Lupita Nyong’o. La historia (por si no lo leíste en la secundaria) sigue el viaje de Odiseo en su regreso a Ítaca. Y redundantemente, Pana Libros dice que suena a “Ithaka” de Vangelis.

    Heartstopper Forever (Alice Oseman)

    Este webcomic escaló en una serie que concluirá con un largometraje de Netflix este 2026, el cual adapta el volumen 6, con Joe Locke y Kit Connor retomando sus papeles de Nick y Charlie y participando también como productores ejecutivos. Pana Libros dice que suena a “Out of My League” de Fitz and the Tantrums.

  • Vive el viaje espiritual de Gorillaz en The Mountain

    Vive el viaje espiritual de Gorillaz en The Mountain

    Para celebrar el lanzamiento de su noveno álbum de estudio, The Mountain, Gorillaz presenta un cortometraje animado de ocho minutos titulado “The Mountain, The Moon Cave & The Sad God”. La pieza, disponible a través del sello propio de la banda, KONG, es una extensión visual del universo narrativo del disco.

    Dirigido por Jamie Hewlett, cocreador del proyecto, junto al estudio londinense THE LINE, el cortometraje sigue a Noodle, Murdoc, 2D y Russel en un viaje por la India. La historia explora los temas centrales del álbum: el tránsito por la vida, la búsqueda espiritual y la intensidad de existir… ¿lograrán escapar del Samsara?

    Un regreso a la animación 2D artesanal

    La película es un regreso a la animación hecha a mano. Hewlett, acompañado por Max Taylor y Tim McCourt de THE LINE, desarrolló el proyecto durante 18 meses. El resultado es una obra que rinde homenaje a la época dorada de la animación 2D, con una estética inspirada en el cine animado de los años sesenta. De hecho, si te acuerdas de “El libro de la selva”, varias escenas te van a sonar.

    El proceso combinó técnicas analógicas y digitales, priorizando fondos pintados a mano, materiales físicos y efectos prácticos en lugar de soluciones contemporáneas automatizadas. La intención fue reinterpretar el mundo de Gorillaz desde una lente cinematográfica clásica, apostando por textura, detalle y profundidad visual.

    En la narrativa del cortometraje, Murdoc Niccals, Russel Hobbs, 2D y Noodle llegan a Mumbai con pasaportes falsos gestionados por un contacto de Murdoc en Nueva York. Lejos del estrellato pop internacional, la banda se sumerge en un proceso creativo marcado por lo místico y lo introspectivo, recorriendo paisajes montañosos que funcionan como metáfora del viaje vital.

    Un álbum global y colaborativo

    The Mountain es descrito como un paisaje sonoro expansivo que integra instrumentos tradicionales, texturas contemporáneas y una amplia red de colaboradores. El disco incluye 15 canciones y cuenta con participaciones de artistas como Ajay Prasanna, Anoushka Shankar, Asha Bhosle, Bizarrap, Black Thought, Johnny Marr, Sparks, Trueno y Yasiin Bey, entre muchos otros. También incorpora voces de colaboradores históricos ya fallecidos, como Bobby Womack, Tony Allen y Dennis Hopper.

    El álbum fue producido por Gorillaz junto a James Ford, Samuel Egglenton y Remi Kabaka Jr., además de Bizarrap en una de las pistas. Se grabó en Studio 13 en Londres y Devon, así como en diversas locaciones de India, Medio Oriente y Estados Unidos. Las canciones incluyen interpretaciones en árabe, inglés, hindi, español y yoruba.

    The Mountain Tour 2026

    La banda acompañará el lanzamiento con The Mountain Tour, que recorrerá estadios del Reino Unido e Irlanda en la primavera de 2026. La gira comenzará el 20 de marzo en Mánchester y pasará por ciudades como Birmingham, Glasgow, Leeds, Cardiff, Nottingham, Liverpool, Belfast y Dublín. El 20 de junio de 2026 ofrecerán un concierto especial en el Tottenham Hotspur Stadium de Londres, con Sparks y Trueno como invitados en fechas seleccionadas.

  • AnDy Daling: pop soviético para los camaradas del mundo

    AnDy Daling: pop soviético para los camaradas del mundo

    Los memes soviéticos y sobre la madre Rusia siempre son divertidos, más cuando nos recuerdan lo absurda que puede ser la concepción que las personas externas a esas culturas tienen sobre ellas. AnDy Darling aprovecha que ella sí tiene ese barrio y nos propone una música muy movida, chidita y con punch, con toques de camarada comunista.

    Anastasia Dunaeva (AnDy Darling pa’ los camaradas) llegó a mi algoritmo por casualidad… realmente ni idea por qué se manifestó, pero se ha convertido en una de mis artistas favs.

    Nació en Rostov-on-Don, una ciudad del sur de Rusia que, ella misma afirma, “solo los hablantes de ruso probablemente la topan”. Ahora radica en Los Ángeles (para variar), pero lejos de homogeneizarse y ser una cantante pop EDM del montón gringo, explota al máximo su herencia soviética para hacer música y sketches llenos de cotorreo.

    AnDy Darling escribió su primera canción a los 11 años, la cual se viralizó. En ese momento decidió irse por el camino del arte. A los 17 se mudó sola a la República Checa, pasó por bandas de rock, participó en The Voice, vivió en Seúl para probar el K-pop, volvió a Moscú y firmó con Warner Music Russia.

    Aunque parecía que ya la tenía resuelta, “sentía que estaba rozando el techo”. Ese “techo” fue lo que la hizo dejarlo todo, literalmente, y se mudó a Estados Unidos: primero Nashville, luego L.A., ahora Nueva York. Empezó desde cero. Otra vez (como la gente de webos alch).

    Durante sus primeros años en la tierra de Epstein, AnDy se dedicó a escribir para otros artistas sin sello ni publishing. Luego volvió a su propio proyecto.

    “Cold War Star” y la madre patria

    Hablar de sus canciones requiere muuucho texto (recomiendo “Never Enough” y “Gods With Us”), pero me voy a centrar en “Cold War Star”, su más reciente sencillo. Y sí, suena a soviético, y ese es el chiste.

    Esta canción es una forma de convertir su historia en música acelerada y atrabancada. La letra básicamente habla acerca de los estereotipos que los gringos y el mundo tienen de las personas originarias de los países soviéticos: que son frías, calculadoras, malignas y que siempre traen tracksuits.

    Tremendo rolón… lástima que dura menos de dos minutos.

    Con su música y en esta etapa de su proyecto, AnDy Darling está haciendo de su vida una obra de arte con tintes del brutalismo ruso y ritmos perfectos para tirar flow: “Mi vida es básicamente un experimento para ver si una chica rusa puede realmente convertirse en una estrella pop global.”

    Así que ya se la saben, vayan a escucharla. Muy pocos artistas usan su origen como motor creativo sin caer en una caricatura no irónica. Ella lo logra, porque AnDy Darling es clave.

  • Alysa Liu: la prodigio que cambió las Olimpiadas con alegría, pasión y Donna Summer

    Alysa Liu: la prodigio que cambió las Olimpiadas con alegría, pasión y Donna Summer

    Cuando Alysa Liu subió al podio olímpico en los Juegos de Invierno Milano-Cortina 2026, garcias a su épica una rutina al ritmo de la legendaria “MacArthur Park Suite” en la versión de Donna Summer, no solo rompió una sequía de 24 años sin oro estadounidense en patinaje artístico femenino; también redefinió cómo se puede alcanzar la excelencia (no sólo en el deporte) con una filosofía distinta: disfrutar del proceso en vez de vivir presionado por un resultado.

    Liu, de solo 20 años, se coronó como una heroína mundial, pues se ha convertido en un símbolo de cómo vivir bajo tus propios términos, teniendo dos mantras potentes: divertirse y hacer las cosas a tu manera.

    La expresión personal como estandarte

    Alysa Liu se ha ganado los corazones de todos no solo por su récord o la técnica impecable, sino por la forma en que aborda el patinaje como expresión personal y disfrute, lejos de la idea de perfección absoluta que domina el deporte. Al verla patinar uno (al menos yo) siente su energía de placer genuino, algo que rara vez se ve en el deporte… y en cualquier cosa creativa en general, pues se nos ha enseñado que hay que sufrir para merecer y lograr la “excelencia”.

    Alysa se retiró en 2022 por el desgaste mental y la presión competitiva, pero volvió con otra mentalidad: competir porque quería, por amor al arte (deporte). Esa ligereza se tradujo en mayor fluidez técnica, mejor manejo de la tensión y una conexión más orgánica con el público y el todo.

    “MacArthur Park”: el himno disco que convirtió el hielo en épica

    Verla patinar al ritmo de “MacArthur Park Suite” literal le cambió la vida a muchos y nos ha ayudado a reconectar con lo lúdico, lo hermoso y los procesos de la vida. La versión de la canción que uso es una pieza expansiva, dramática y cargada de crescendos… absoluto cine que plasmo con su sonrisa, energía y pasión.

    La vimos volver bajo sus propias reglas, con una mentalidad orientada al disfrute y al arte. Y, honestamente, alguien que se divierte nunca será vencido porque ya ganó. Como ella lo dijo, el oro fue algo casi secundario, porque ella fue a las olimpiadas a pasársela bien y compartir su arte con todos.

    Como dicen en los memes, literalmente Alysa Liu es el “Ubermensch” de Nietzche: ganó siguiendo sus propios valores, supero el resentimiento que llegó a desallar por el deporte, transformó la disciplina en disfrute y, lo más importante, vive con completa autenticidad.

    Grande Alysa.

  • Lyria 3 de Google y la erosión del oficio musical

    Lyria 3 de Google y la erosión del oficio musical

    Google presentó Lyria 3, el nuevo modelo de música generativa desarrollado por Google DeepMind, capaz de crear canciones completas (con letra, voz e instrumental) a partir de un prompt o incluso de una imagen subida por el usuario. La herramienta está integrada en Gemini y marca un paso más en la carrera por automatizar la creatividad (turbio).

    Según ha explicado Google, Lyria 3 no solo “mejora” la calidad del audio respecto a versiones anteriores, sino que introduce capacidades multimodales: puede “interpretar” imágenes y convertirlas en piezas musicales coherentes con la atmósfera visual. El salto no es técnico únicamente. Es conceptual.

    O sea, muy chido y todo, pero la IA está haciendo aquello que, en teoría, íbamos a hacer nosotros tras poner a chambear a los robots: el trabajo creativo. Y eso no nos gusta a muchos por las implicaciones éticas y artísticas que y tendrá.

    En 2023 y 2024, más de 200 artistas, como Billie Eilish y Stevie Wonder, firmaron una carta pública impulsada por la Artist Rights Alliance exigiendo regulaciones claras sobre el uso de IA en la música y denunciando el entrenamiento de modelos con obras protegidas sin consentimiento explícito.

    La preocupación no es hipotética: varias investigaciones de medios como Rolling Stone y The Guardian han documentado cómo modelos generativos han sido entrenados con grandes volúmenes de música existente, lo que ha desatado litigios en Estados Unidos y Europa.

    Además, el caso de canciones generadas por IA que imitaban voces de artistas, como FlowGPT que hizo llorar a Bad Bunny (aunque sí tenía unos temazos, la verdad) evidenció que la tecnología ya te puede reemplazar, sorta. Bueno, y si lo sumas con los deep fakes, las posibilidades son muuuuy turbias.

    Lyria 3 sí va a ser una herramienta divertida que te permita crear una balada sobre tu perro cojo o un perreito bien marrano basado en una de tus fotos familiares. Incluso le va a brindar posibilidades de creación a quienes no tienen conocimientos ni educación musical. Pero a qué costo.

    ¿Desaparecerán los músicos? claro que no, pero lo que sí sucederá es una erosión gradual del valor del oficio. La música hecha por humanos (al igual que cualquier expresión artística) implica tiempo, aprendizaje, error, vida y contexto. La música generada por IA implica velocidad, eficiencia y predicción estadística basada en patrones previos.

    Cuando cualquiera puede generar una “canción profesional” en segundos sin saber armonía, sin tocar un instrumento y sin escribir una línea, la experiencia artística se transforma en producción de contenido. El proceso deja de importar. Solo importa el resultado inmediato. Pero, seamos honestos, disfrutar del proceso es lo que le da sabor a la vida misma.

    No obstante, da curiosidad ver qué será el nuevo Tralalero Tralalá en versión auditiva. ¿Nos acercamos cada día más a una distopía tecnológica? Ya estamos ahí, viejx. Pero, al menos queda un consuelo: la IA jamás superará lo random de la mente mexicana, alv viejones.

  • Carpenter Brut acelera con “Speed or Perish”: synthwave cyberpunk bien caótico

    Carpenter Brut acelera con “Speed or Perish”: synthwave cyberpunk bien caótico

    Carpenter Brut no hace canciones, construye escenas caóticas de acción e historias en formato sonoro. Y en “Speed or Perish”, el tercer sencillo de Leather Temple, lo deja claro: esto es nuevo cyberpunk que le mundo necesitaba: colores neón, explosiones, sintos durísimos y resistencia ante el sistema.

    Franck Hueso, el Carpenter Brut, lleva más de una década construyendo un universo donde el synthwave no es estética retro que solo suena bonito, sino que plasma la tensión, el metal, distopía en fusión con el terror, el slasher y la ciencia ficción, en especial el cyberpunk: ciudades arrasadas, máquinas dominando el espectáculo y humanos convertidos en combustible del entretenimiento.

    “Speed or Perish” no tiene letra porque no la necesita. Es instrumental y se te instala directo en el cerebro: sintetizadores propulsivos, golpes electrónicos, guitarras distorsionadas y un ritmo acelerado que no baja la velocidad… el sueño de todo tdahero.

    El videoclip es dirigido por Seth Ickerman y es una joya: muestra una masacre a alta velocidad: cuchillas, disparos, choques y el consumo de la vida humana como insumo del entretenimiento y el control de masas. La cámara vertiginosa no se detiene y la sangre no se estiliza. Es una distopía donde la adrenalina es la narrativa y el caos es la única constante.

    La canción forma parte de Leather Temple, disco que sale el 27 de febrero y cierra la trilogía conformada por Leather Teeth y Leather Terror.

    Musicalmente, Leather Temple promete un sonido más rítmico, más directo y más saturado, con una atmósfera noventera electro-industrial que conecta con el ADN cyberpunk clásico: beats afilados, capas distorsionadas y una sensación permanente de colapso inminente. Cada track funciona como una secuencia dentro de un mundo que ya está cayendo.

    Carpenter Brut no redefine el synthwave: él es el synthwave. Además, lo empuja hacia el metal industrial y lo instala en un paisaje cyberpunk donde la velocidad es la única droga que necesitamos.

    100/10 alch.

  • Violet Grohl, ¿nepotismo bien hecho?

    Violet Grohl, ¿nepotismo bien hecho?

    Desde que irrumpió en los escenarios con apenas 12 años junto a su padre Dave Grohl, el líder de Foo Fighters (F.F. si le sabes a los Jojo’s) Violet Grohl ha tenido una vida ligada a la música. Pero ahora, a sus 19 años, la pregunta más repetida es: ¿es solo una nepo baby más o es una que sí tiene aquello para crear por sí misma?

    Este año, Violet ha publicado varios sencillos como “THUM” y “Applefish”, disponibles en plataformas tras firmar contrato con Republic Records bajo su propio sello, Auroura Records.

    Musicalmente, “THUM” suena crudo, energético y con un pulso directo al rock alternativo moderno, mientras que “Applefish” muestra una faceta más soñadora dentro del mismo espectro sonoro.

    “What’s Heaven Without You”, otro de sus lanzamientos recientes, es atmosférico y está inspirado en el cineasta David Lynch (absoluto cine 🚬☕🏔️🏔️). Lo compuso junto a Persia Numan (hija de Gary Numan) y el productor Justin Raisen, después de los incendios en Los Ángeles en 2025.

    Este coctel de nepotismo suena interesante, pues apela a una sensibilidad propia y un interés por explorar emociones y referencias culturales que trascienden su apellido.

    Gran parte de su trayectoria temprana (desde cantar covers con Adele junto a su padre hasta participar en homenajes y tributar canciones de Nirvana con los miembros sobrevivientes en 2025) podría verse como posicionamiento familiar. Pero el hecho de que haya firmado con un sello global, esté recibiendo producción profesional y haya lanzado múltiples singles propios indica que su carrera se está construyendo más allá de su linaje.

    Musicalmente, sus primeros pasos mezclan crudeza guitarrera con texturas modernas y atmósferas introspectivas, lo cual conecta tanto con fans del rock alternativo como con audiencias más jóvenes que consumen música experimental e híbrida.

    Claro, todavía está en los primeros pasos de su carrera y su apellido le va a abrir todas las puertas que quiera y ni siquiera va a tener que tocarlas. Pero Violet Grohl parece demostrar que puede transformar esas nepo oportunidades en algo chidito.

    Entonces, ¿es solo una nepo baby? En el sentido literal podría decirse que sí, pero de aquellas que si se saben la de jalar, pues su música ya suena reconocible, su firma creativa empieza a tomar forma y su proyecto no parece depender únicamente de la sombra de su padre.