A menos de que seas un nepo baby, la economía nació muerta. Y justamente en una salida a los mariscos del equipo nos pusimos a ver qué formas efectivas hay de obtener un buen dinero sin necesidad de caer en el crimen organizado o ser onlyfancerx.
La segunda opción es, al parecer, la más factible para todos en la oficina, pero caímos en cuenta de que no es necesario encuerarte por completo, sino que basta con exhibir tus pies y tobillos* para poder empezar a generar ingresos alternos.
Por ello, hoy les traigo las canciones que, de acuerdo con en conceso popular del equipo Genio.soy, son perfectas para entrar en un trance de éxtasis mientras le tomas fotos a tus patas para tratar de facturar con ellas.
*Mmmmm, patas.
“Is There Someone Else?” – The Weeknd
No hay nada más delicioso que las patas despechadas. En esta canción, el Fin de Semana habla acerca de la posibilidad de que su alguien especial tenga a otra persona. ¿Para qué mortificarse por esa clase de gentuza infiel cuando puedes tener a otras personas idolatrando tus pies como si fueran deidades de la fertilidad?
“Yummy – Righteous Remix” – Ayesha Erotica
Está canción está durísima y su premisa es sencilla: celebrar una vida de hedonismo carnal mientras tienes la barriga llena de gomitas mágicas.
“This Boots Are Made for Walking” – Nancy Sinatra
Si mal no recuerdo, esta canción era usada hace algunos años para unos comerciales de zapatos por una tienda departamental. Honestamente les faltó visión. en vez de solo vender calzado pudieron haber incentivado a su clientela a que les mandaran fotos de sus patas y hacer un catálogo con ellas.
“Aphrodite” – RINI
Esta canción es una oda a aquella mujer especial que te trae (como dirían los bumers) cacheteando la banqueta. Está perfecta para aquellos momentos especiales y quedaría muy bien con un video de patas juguetonas con poca luz, movimientos lentos y caricias suaves.
“So far So Fake” – Pierce The Veil
No podíamos cerrar esta lista sin una canción emo darks para todas aquellas personas góticas. De acuerdo con nuestra especialista en el tema, el puente de esta rola es ideal para fotografiarte las patas con las uñas pintas de negro y envueltas en medias de red rotas.
Uno de mis géneros musicales más favoritos de todo el mundo es el synthwave, por su sonido y estética que fusiona la esencia retro con electrónica contemporánea… y porque me turbo encantan los sintetizadores (y todo tipo de tecladito, en general).
Pero, en especial, la que es santa de mi devoción es la sub variante darksynth, porque además le mete elementos del metal y cosas más duras. Y, para inaugurar esta sección que nadie pidió sobre lo que me encanta, empezaremos con Dance with the Dead.
¿Quién es, qué estudio?
Dance with the Dead es un dúo californiano formado por Justin Pointer y Tony Kim, que se caracteriza por unir la electrónica dance, el metal y la imaginería del terror. Su propuesta tiene sintetizadores densos, guitarras eléctricas distorsionadas y una construcción sonora centrada en la energía, la velocidad y ofrecer narrativas sonoras en cada canción.
Estos panas arrancaron formalmente entre 2012 y 2013, cuando Pointer y Kim (ambos provenientes del metal) empezaron a escribir música juntos con una visión compartida del sonido que querían construir. Kim contó en una entrevista que el nombre del proyecto surgió a partir del título de una de sus primeras canciones.
Su debut, Out of Body (2013) sentó las bases que los diferenciaron de la emergente escena del synthwave, la cual se establecía más en el sonido retrofuturista estándar del género.
Dance With the Dead trabaja con referencias directas al terror y la ciencia ficción de los setenta y ochenta; tienen un feeling a slasher neón, persecuciones nocturnas (su mascota es lit una turbo calaca chida en un carro), monstruos, sintetizadores ominosos y el legado de John Carpenter. Esto se refleja en el nombre de varias de su canciones, como las clásicas “Screams and Whispers” y “The Man Who Made a Monster”.
Muchos de los grandes exponentes del género saltaron al mainstream (kinda) gracias a su participación en la banda sonora de videojuegos indie (en Redout 2 aparecen temas como “Riot” y “Sledge”). No obstante, DWTD logró insertarse en una esfera más comercial, pues su rola “Eyes of Madness” sale en Sackboy: A Big Adventure.
¿Qué escuchar de Dance with the Dead?
Los discos que recomiendo de Dance With the Dead para que se escuchen de corrido son Driven to Madness (2022), B-Sides Vol 1 (2017) y The Shape (2016).
Y, a continuación, les comparto mi Top 5 canciones:
Todxs (o al menos eso quiero pensar) tenemos una tía conservadora, malvibrosa, criticona, mosca muerta, metiche, con el síndrome de Doña Florinda y, por algún motivo, con el pelo teñido de un tono rubio “vainilla latte” del Starbucks. Si tú eres ella, mi más sentido pésame. Si es tu mamá, te mando un fuerte abrazo.
Bueno, la cuestión es que, en la oficina, Ref (nuestra experta en lidiar con esas entidades) y yo nos sentamos a hacer justamente una selección de las canciones que este tipo de personas suele usar en sus peculiares posts de redes sociales.
So, aquí les compartimos nuestro top 5 de canciones con el mismo sabor de una pechuga hervida sin sal, perfectas para que le sugieras a tu tía de derecha cuando te pida ayuda para subir una historia a su Instagram presumiendo el brunch con sus amigas, su paseo en alguna marcha provida o simplemente tirándole hate a los izquierda.
Eso sí, vamos a procurar que sea una selección “arriesgada”, para que tu tía quede encantada contigo por mostrarle rolas bien “lochoconas”.
“Summer” – Calvin Harris
Perfecta para musicalizar un paseo y/o recorrido de tu tía por San Ángel, un domingo caluroso saliendo de Cluny con rumbo al bazar de arte.
“Middle” – DJ Snake
La canción arriesgada para una noche de fiesta “loca” en Las Lomas. Mientras con una mano sujeta un cosmo, con la otra señala a los “chavitos” al otro lado del antruki , al mismo tiempo que ignora los insistentes mensajes de WhatsApp de su su marido (tu tío del que siempre se queja).
“Animals” – Maroon 5
Con esta la vas a trollear sin que sepa. Puedes hacerle creer que es la canción ideal para una foto o video junto a su corgi o pomerania… pero tu, yo y todxs sabemos que este himno furro despertará en ella sus más bajos instintos.
“Clocks” – Coldplay
Un clásico indiscutible de la blanquitud del mundo mundial. Ideal para cualquier momento. Si dudas respecto a qué canción sugerirle, este es el comodín.
“I Can Do It With A Broken Heart” – Taylor Swift
Perfecta para que saque su girl power post divorcio (recuérdale que eso es pecado y que diosito ~o Yaldabaoth, el demiurgo…?~ la va a castigar).
Úsala para cuando te pida ayuda para postear ese reel curioso en el que ella y susi amigas, además de quejarse de sus ex maridos, se ponen a criticar los cuerpos de otras mujeres que ni las topan.
Uno de mis juegos favoritos de todos los tiempos es Dark Souls 3, una de las obras maestras de Miyazaki Hidetaka (en realidad, todo lo que ha hecho este hdpm es GOD). Pero, en especial, el cierre de esta trilogía tiene un lugar muy especial en mi kokoro por todos los temas que aborda: romper (o no) ciclos que ya están muertos, el libre albedrío vs el destino, la memoria y la locura, entre otras cositas.
Síntesis cutre del lore
Para entender por qué la música de Dark Souls 3 está tan cabrona, primero una síntesis del lore: la Primera Llama, aquella energía que permitió a los gigantes y humanos derrotar a los dragones de piedra, se está apagando por millonésima vez.
Por ello, diversos señores de la ceniza son revividos para volver a encenderla. Pero, para sorpresa de nadie, les valió 30 hectáreas de espada y cada uno se fue a atrincherar a su respectivo dominio. Por ello, el Ser de Ceniza (tú) tiene que ir a cosechar las almas de estos carnales para así forzarlos de nuevo a sus tronos y volver a avivar la llama… o no.
Una de las características de los juegos de Miyazaki es que gran parte de la música sólo aparece en las peleas de los jefes. En esta tercera entrega fue compuesta por Yuka Kitamura, con aportes de Motoi Sakuraba y Tsukasa Saitoh. Voy a hacer una selección de los temas que son los más duros a mi parecer y dar una breve explicación.
Aldrich, Devourer of Gods
No hay nada más duro que llamarte “el devorador de los dioses” y literalmente eso es Aldrich: inició comiendo gente y después pasó a consumir a las deidades, en específico a Gwyndolin, de quien usa su cuerpo para pelear contra ti. Al escuchar su tema, dominado por una voz en un eterno lamento, llega a ti su aura impía y que se burla de lo sacro.
Nameless King
El Rey sin Nombre es el jefe más duro del juego base. Es el hijo de Gwyn, el señor de la ceniza original, que fue desterrado por cometer la máxima blasfemia: hacerse amigo de los dragones. En la primera fase, su tema remite a tormentas y surcar los cielos sobre el lomo de un reptil alado (porque justo eso hace). La segunda parte no me encanta tanto (quizás porque me mataba a cada rato ahí).
Yhorm the Giant
Esta canción tiene una entrada digna de un rey de como unos 10 metros de altura. Se trata de una pelea en la que te mides con un monarca de altura (literalmente), en la que te ayuda (si haces las cosas correctas) quien fue su mejor amigo, quien busca ponerlo a descansar (para simpe). La canción te transmite ese peso de la diferencia de proporciones y su imponencia.
Soul of Cinder
El Alma de Ceniza es la amalgamación de todos aquellos que encendieron la llama en el pasado y eso, en términos de gameplay, se traduce a que este wey se comporta como cualquier otro jugador y va cambiando de estilo de pelea; “y ¡hasta hace el mítico backflip hacia atrás! .si la canción es épica en su primera fase… cuando llega la transición a la segunda… plin plin plon: te da una nueva versión mucho más triste y emocional del tema de Gywn, el señor de las ceniza original. Absoluta música 🚬
Slave Knight Gael
Esta es la mejor canción, la más dura del juego y la banda sonora del cierre verdadero de la trilogía. Además de que en su cinemática te dice “dame el alma oscura”, cine verdadero ), la canción, al igual que el jefe, tiene tres fases. En la primera se siente el desgaste que ha dejado una causa perdida; en la segunda empieza el descenso a la locura y en la tercera llega el absoluto clímax de una de las sagas más importantes en la historia de las producciones audiovisuales. Solo escúchenla, Yuka Kitamura nos da con ella una cátedra de música narrativa.
Tengo amistades que son musicxs expertos que tocan con maestría instrumentos como la guitarra, el piano, la flauta e incluso cosas muy exóticas como el arpa de pedales (la cual ni me dejan agarrar porque son carísimas). Pero son contadas las personas que optan por aprender a ejecutar cosas que van más allá de lo que “encaja en sociedad”, como plantas y hongos.
Y no me refiero a veganxs que echan sus bombastic side eyes cuando les dices de unos tacos o gente que se mete sustancias, sino a personas que verdaderamente han decidido explorar las posibilidades creativas que estos organismos vivos permiten (con o sin su consentimiento… no sé, no hablo vegetaliano)
¿Qué es la biosonificación?
Varios artistas y colectivos al rededor del mundo han comenzado a trabajar con sus impulsos bioeléctricos de plantas y hongos como materia prima sonora. Lo que hacen es capturan esas microvariaciones provocadas cambios en la luz, humedad, contacto, etc., y las traducen en señales digitales que después se convierten en sonido.
Ese proceso se llama biosonificación y básicamente consiste en tomar datos eléctricos de organismos vivos y transformarlos en notas, ritmos o texturas. A continuación, voy a hablar de algunos de esas interesantes, pero extrañas (Pati Chapoy referencia) creaciones artísticas poco convencionales.
Data Garden y PlantWave
Quién quizá podría tomarse como pionero en esto es el colectivo Data Garden. Estos panas sacaron un dispositivo llamado PlantWave. Es un sistema se conecta a hojas, tejidos vegetales y/o hongos mediante sensores que registran cambios en la conductividad eléctrica del organismo.
Los datos obtenidos se convierten en señales MIDI y luego en sonido. Par ano entrar en detalles muy técnicos, con sus algoritmos y demás cosos de artistas formaron Data Garden Quartet, un performance musical en el que hacen composiciones musicales tomando de base la información obtenida de plantas tropicales.
Mileece
Otra experta en el tema es la artista británica Mileece, quien se fue a algo más inmersivo. Su trabajo usa señales de plantas para generar paisajes sonoros que evolucionan según la actividad biológica y las condiciones del espacio.
Su take en la la biosonificación se enfoca más en la textura, la duración, la densidad y la forma en la que un organismo altera una atmósfera sonora.
Scenocosme
Por otro lado, el colectivo francés Scenocosme empuja esta práctica hacia la interacción directa, o sea, manosean a las plantas para ver cómo esto afecta el sonido generado. Su sistema registra la variación eléctrica provocada por el contacto y la convierte en respuesta sonora en tiempo real.
Estos individuos, más que hacer música, hacen como instalaciones artísticas y los sonidos que hacen sus plantas remiten a llamados de animalitos. Muy interesante la netflix.
Modern Biology
El proyecto Modern Biology, de Tarun Nayar, tiene unas rolas bien chiditas. Su propuesta ofrece piezas de ambient y electrónica que fácilmente podrían ser la banda sonora de cualquier videojuego. Me imagino que, en hongos, sus canciones te pueden hacer tener un trip peculiar, por así decirlo.
Yuma Project
Buscando quién en México hacía algo por el estilo me encontré con los duranguenses Yuma Project. este colectivo trabaja directamente con plantas y hongos para generar música en vivo. Lo hacen conectando sensores a organismos para captar sus impulsos eléctricos y traducirlos en sonido.
Además, le suman a esto bajo, batería, saxofón y voz. Lit es una banda en la que parte de la orquesta podrían ser las suculentas y los cactus que dejaste morir en tu casa por exceso de cuidado.
Conocí la música de Alina Pash hace algunas meses, como otra de esas recomendaciones random que te hace Instagram cuando andas doomscrolleando. Y wau: me voló la cabeza. Hace una mezcla muy mística de hip hop, electrónica y folk ucraniano, e integra en ella identidad cultural, simbolismos de su natal Ucrania y política, porque, aunque la gente tibia lo quiera negar (como la Rosalía) ABSOLÚTAMENTE TODO ES POLÍTICO.
Así que (mi entras me como una rebanada de pastel de red velvet por un cumpleaños de la ofi) les contaré un poco de sus rimas durísimas, místicas… y que en su mayoría tengo que googlear porque no sé ucraniano.
Raíces culturales y simbolismo espiritual
Alina Pash creció en Transcarpatia, una región con una tradición muy marcada y que sigue viva, que no se ha dejado consumir ni desplazar por la voracidad de las potencias culturales de occidente… tal como ya paso en nuestro bizarro y surreal México.
La primera canción suya que escuché fue “Oracle Flower”, la cual, por fortuna, está en su mayoría en inglés, pero la intro tiene unos coros muy místicos en ucraniano, acompañados de lo que hasta a la fecha no sé si es una zanfona o una gaita. Básicamente, habla acerca de rituales y enfrentar la sombra.
La propia Alina ha explicado en entrevistas que su intención es “mezclar lo antiguo con lo nuevo para que no se pierda la esencia”, y que su proyecto busca mantener viva esa conexión con sus raíces dentro de un contexto moderno.
Además, su bio de Spotify está durísima: “Estoy canalizando una curiosidad sin límites hacia la exploración de lo sobrenatural a través del arte, especialmente mediante la música. No tengo límites, no tengo cajas, y no conozco reglas en el proceso creativo porque, cuando me llama, respondo”.
Canciones donde lo personal y lo colectivo se cruzan
Uno de los puntos más interesantes de su música es cómo lo íntimo se conecta con lo colectivo. En “Bitanga”, mezcla lo urbano y lo tradicional, tanto en el ritmo como en la forma de interpretar.
En su EP Amerikraine Dream, aborda temas como la migración, el deseo de salir, las expectativas económicas y la tensión entre lo local y lo global. Es como una mini bio de su experiencia existencial tras mudarse a Disparos Unidos.
Con “Shadows of Forgotten Ancestors”, canción con la que ganó la selección nacional de Ucrania para el funado Eurovision, toma el nombre de una obra clave del cine ucraniano y se apoya en referencias culturales profundas para construir una pieza donde la identidad y la memoria son el eje.
Todo es político x 2
Sobre su trabajo, Alina Pash ha dicho que quiere “mostrar Ucrania tal como es, con su historia, su dolor y su belleza”, una idea que atraviesa varias de sus canciones y que explica por qué su música no se queda en lo superficial.
La dimensión política en su arte no se reduce a decir: “que csm el político x”)”, sino que aparece en sus decisiones creativas, como cantar mayoritariamente en ucraniano, las referencias a su cultura que usa, hablar de sus prácticas espirituales y la manera en la que representa su territorio.
Y, aunque no sepas ni pio de ucraniano, todo esto se siente a través de su música. Honestamente es una artista que, en mi nada humilde opinión, considero que nadie se debe perder. Ojalá algún día venga a México y saque las rimas brujiles.
Gelli Haha es una de esas artistas que conocí gracias a que me spameó su publicidad en IG. Recuerdo que me salió la foto de portado de su disco, en el que hace una composición much chida con los tres colores primarios y unos pupilentes rojos que le daban una vibe muy esquiza.
Le piqué en escuchar y, tras hacer las mil maniobras que requiere IG para abrir un enlace de Spotify, me eché su sencillo “Bounce House”, el cual me cautivó: estaba super random, pero con unas vibes de circo teatral, coloridas y psicodélicokawaiianas muy chiditas.
En términos menos autistas (anulo funa porque tengo AuDHD), la música de Gelli Haha es un pop juguetón, visualmente cargado, que se centra en el juego como ingrediente principal de su expresión artística. Y justo así nació su “Gelliverso”, el cual recomiendo 100/10.
Bueno, me eché su disco debut completo, Switcheroo, y e suna joyita. Justamente de la última canción, “Klouds Will Carry Me to Sleep”, acaba de sacar el video y recomiendo.
Justo como su apellido lo spoilea, el video (dirigido por David Gutelesta) muy haha: salen Gelli y sus panas haciendo coreografías divertidas, se da el rol por las nubes y los colores y la psicodelia dominan el apartado visual. En cuanto a qué dice la canción… es puro cotorreo.
Honestamente, el de Gelli Haha es uno de los proyectos que he conocido de las maneras más random que me han encantado. So, aquí les dejo “Klouds Will Carry Me to Sleep”; disfrútenlo con calma, con su veneno de confianza y relájense un poco, les ayudará a bajar el cortisol que les hace acumular sus chambas.
“Ahora Kurápika está ahogándose en un vacío indescriptible”. Seguramente todos han visto un TikTok o meme de esta escena de Hunter X Hunter, en la que el personaje antes mencionado está super siendo consumido por la depresión, para hacer un corte al ending con la gloriosa “Hunting for Your Dream” de Galneryus (y si no, la verdad es que te falta cultura).
Bueno, el coto es que la canción es super animada, up beat, positiva y su letra tiene un mensaje perseverancia, voluntad y crecimiento personal, es básicamente un “ánimo, delincuencia” en esteroides . Es como si “Hey Ya!” de Pocoloco fuera una rola (y si tampoco le sabes a esta referencia, te hace falta leer la Biblia 2, literalmente).
大空も この大地も ♫♪
“Hunting for Your Dream” salió en 2012 como parte del álbum Angel of Salvation, pero su verdadero alcance llegó cuando fue elegida como el segundo ending del anime Hunter × Hunter (2011), específicamente en la recta final del arco de las Hormigas Quimera, una trama durísima en la que Gon y compañía traen un fuerte desgaste físico, emocional y han tomado decisiones que no tienen vuelta atrás.
Fuera del anime, la canción terminó volviéndose, además de un meme, uno de los himnos por excelencia de los amantes del metal japones, por lo pegadiza que es y además su potente mensaje de animo que te invita a no tirarte a la mierda y volverte el/la más bacanx en tu vida.
La canción habla de perseguir un objetivo personal (o simplemente vivir) aunque el camino sea incierto y difícil. ¿Cómo? Pues no rindiéndose y fortaleciéndote con toda experiencia vivida. La letra insiste en avanzar, mantenerse firme y no perder de vista lo que uno quiere.
“Hunting for Your Dream” también remarca algo: 100pre hay que estar en movimiento, (keep walking ,diría en Johnny Walker *patrocínameeeee*), porque, cómo diría Juan Gabriel: “el tiempo pasa y no perdona”.
Además, ¿Qué hay mejor que disfrutar del proceso? La canción te sugiere justamente que toda experiencia vivida, situación, escenario, etc. etc., te enseñan algo y eso es lo que le da sabor al viaje.
Así que ánimo, delincuencias, escuchen este joya de Galneryus cuando les gane la ansiedad y crean que su existencia es fútil. Y recuerden: el camino/proceso de cada persona es diferente, so gocen del suyo, porque quien disfruta de las pequeñas cosas y se divierte mientras construye ya ganó.
Hoy en una entrega nueva de “videojuegos que compré solo por su música” (al parecer me va a dar para una serie larga), hablaré de No Straight Roads, una joyita indie cuya trama literalmente se centra en la lucha entre el rock y el EDM (y sus derivados).
Y no podía dejar de hablar de la mezcla interesante que tiene este juego con su apartado musical, porque honestamente tiene unos temazos que sería un crimen contra la humanidad si no los comparto.
¿No caminos derechos?
No Straight Roads fue desarrollado por el estudio malasio Metronomik y publicado en 2020. Desde su concepción, el proyecto apostó por construir un juego donde la música fuera el centro de toda la experiencia. La historia sigue a Mayday y Zuke, los integrantes de la banda Bunk Bed Junction, la cual, tras de fracasar en una audición organizada por NSR, la disquera malvada/empresa que controla la energía de Vinyl City, que además domina la vida cultural de la ciudad a través del EDM.
Nuestros panas no soportaron y por ello deciden enfrentarse al sistema y comenzar una revolución de dos pelados. Para ello, van a cantarle un tiro a cada uno de los artistas (esbirros de NSR), que controlan los distritos de la ciudad, para así devolverle espacio al rock y romper con la hegemonía de la electrónica, la cual, al parecer, aquí es de derecha alienada. Básicamente, el juego es una boss rush.
Música hasta para aventar
La banda sonora de No Straight Roads incluye una amalgama de talentos que nos dan un soundtrack variado, rico y versatil. Entre los artistas que participan están James Landino, Funk Fiction, Falk Au Yeong y Andy Tunstall, y cuenta con los aportes de Masahiro “Godspeed” Aoki, RoboRob, Tokyo Machine, Shota Nakama, Nikki Simmons, Ai Yamamoto, Az Samad, Clyde Rabatel Zapata y Tony Ann.
Lo interesante es que cada tema principal de un jefe tiene tres versiones: la estándar, la rock y la EDM, y sí, son muy distintas entre sí. Además, la forma en la que te las van soltando es de acuerdo a que tanto haz avanzado en una pelea.
Hay jefes que están completamente construidos desde un lenguaje musical específico. Por ejemplo, DJ Subatomic Supernova tiene con una base de electrónica progresiva que escala en intensidad conforme avanza el combate, con drops marcados y cambios de ritmo que acompañan cada fase.
Mientras tanto, en el caso de Sayu, la pelea arranca como un tema muy drum ‘n bass kawaii; al pasar al la versión rock suena mucho como a opening de anime, pero lo GOD viene cuando entra la EDM: es fokin vaporwave 100/10.
Otro caso es EVE, cuya batalla está montada sobre un pop electrónico más pulido, con estructura de canción comercial y una presencia muy marcada de sintetizadores, acorde a su personaje. Además, que cada una de sus versiones refleja la emotividad que el personaje tiene dentro de la trama.
No Straight Roads es un juego corto, pero con mucha rejugabilidad. Además su música es uno de sus principales atractivos. Recomiendo 100% y lo mejor es que está en todas las plataformas.
Seamos honestos: solo a la gente básica le gustan los productos culturales hechos con IA. Sí, hay algunas cosillas que si están chidillas (anulo funa), como el Flow GPT (en paz descanse), pero mi statement va más allá de las posibilidades creativas de las herramientas o de la tecnología en sí; tiene más que ver con cómo muchas personas menosprecian el trabajo artístico/creativo y creen que por escribir un prompt y generar un video de furros peleando con el Chavo animado ya son animadores, guionistas, fotógrafos, etcétera, etcétera.
Además, muchas empresas que no quieren pagar el trabajo de artistas reales están recurriendo a la IA para producir los videos publicitarios más (deja tú rancios) aburridos y genéricos posibles, que, lejos de que vendan, hacen que la gente sienta repelús.
Y justo hace unas horas estaba con la Xime en la oficina viendo reels desde la cuenta de una señora y no mms, nos salían puros clips de “podcasts” de morras claramente generadas con IA, con más de medio millón de seguidores… ¿bots u orgánicos? honestamente no importa. El punto es que existen y que la gente, o no sabe distinguirlos de una persona real, o ya consumen cualquier cosa por pura inercia. Y justo en medio de eso nos apareció un video musical de Tilly Norwood, la “actriz” de la que vamos a hablar hoy.
¿Tilly Norwood who?
Durante el ya lejano 2025, varias empresas comenzaron a explorar la posibilidad de construir “talento” digital con un solo propósito: ahorrarse salarios, chamba y ser dueñx sobre todo lo creado al rededor. Una de las entidades que nacieron por ello fue Tilly Norwood, creada Xicoia, la división de IA de Particle6 Group, empresa fundada por la actriz y productora neerlandesa Eline Van der Velden.
El proyecto fue planteado como una “actriz” generada 100% IA sí fake, diseñada para integrarse en cualquier tipo de producción audiovisuales. Para darle promo le sacaron redes (actualmente tiene 157k en ig) y diablos, no se esforzaron en no hacer un rostro tan de IA genérica. Para venderla, la productora aseguró que con “talento” como el de ella podría reducir los costos de producción hasta en un 90%.
El primer proyecto de Tilly Norwood el sketch “AI Commissioner”, estrenado en julio de 2025. Alch no ahórrense el disgusto de buscarlo, no da risa, está aburridísimo y está equis, no pierdan 2 minutos de su vida como yo (aunque los comentarios están cagados lols). En septiembre de ese año, el “corto” fue presentado en el Festival de Cine de Zúrich, y hasta buscaban que las agencias de talento consideraran representar a la bot (¿?).
Funa no anulada
Medios como The Guardian, PC Gamer y The A.V. Club destacaron que era muy uncanny valley. The Verge, por su parte, cuestionó el intento de normalizar “actores” de IA, tratando de dejar afuera la humanidad del cine.
Actores y actrices como Melissa Barrera, Natasha Lyonne, Mara Wilson, Emily Blunt, Sophie Turner, Toni Collette, Ralph Ineson y Ariel Winter funaron la iniciativa y cuestionaron las implicaciones éticas, artísticas y económicas que Tilly Norwood hacía muy visibles.
A la gente se le estaba olvidando, pero Particle6, al parecer no entendió. Hace unos días lanzaron como cantante a la Tilly y estrenaron el video musical de la canción “Take the lead”… y bueno…:
Para empezar, decidieron hacer una base musical como de cuando estás en Envato buscando una canción random para un video y ya andas por la página 8, en donde ya todo suena igual y se ve que no le pusieron nada de voluntad a los audios. Muy rolita de Disney región 4 en desnutrición.
En cuanto al videoclip… para ser un video de IA, lo más arriesgado que hicieron fue poner flamencos en las nubes. Ya de menos se hubieran inventado un corto de fantasía o algo como los de los chinos de TikTok.
Y bueno, la canción es una defensa del uso de la IA. Señala que la tecnología no representa una amenaza, sino que es la “evolución”. Pero, wey, pudiendo hacer acá algo al menos visualmente impresionante, deciden lanzar algo peor que genérico. Y lo bueno es que al inicio del clip te presumen que 18 humanos participaron en esa blasfemia.
La funa fue mundial y hasta en La Jornada salió (jajaja). En fin, la reflexión de todo esto es que la burbuja de la IA explotará, al parecer, en un futuro no muy lejano y las grandes corporaciones tecnológicas (o pymes) no van a soportar. Creen que con cosas como Tilly Norwood están devorando, pero el público consumidor ya se está cansando de que le quieran dar porquerías… o quizás saben que, poco a poco, la gente está dejando de lograr diferenciar lo real de la IA… ¿y si nos pasa como la mosca que ya vive en una simulación? (se pone su sombrero de aluminio).
