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  • Madame Récamier celebra íntimamente a Santa Sabina con su versión de “Ojalá fuera tu voz”

    Madame Récamier celebra íntimamente a Santa Sabina con su versión de “Ojalá fuera tu voz”

    Entre las canciones más delicadas del repertorio de Santa Sabina, “Ojalá fuera tu voz” ocupa un lugar especial. Incluida en Mar adentro en la sangre (2000), la pieza condensa esa mezcla de melancolía, poesía y dramatismo que definía la voz de Rita Guerrero. Ahora, Madame Récamier lo reinterpreta desde una sensibilidad distinta: una versión más íntima que transforma la canción en un paisaje cercano al trip-hop, donde las texturas suaves y la contención vocal reemplazan la intensidad teatral del original.

    Lejos de intentar replicar la interpretación de Guerrero, Récamier opta por una lectura más etérea que deja respirar la melodía. Los arreglos construyen una atmósfera delicada y nocturna que resalta el carácter introspectivo de la composición, permitiendo escuchar la canción desde otra perspectiva sin perder su esencia emocional.

    La propia cantante ha contado que la semilla de esta reinterpretación surgió inesperadamente: mientras daba clases de canto, una alumna comenzó a grabar con ella algunos coros de forma espontánea, lo que terminó generando un primer demo de la canción.

    Madame Récamier

    Durante el proceso creativo, Récamier explica que pensó constantemente en Rita Guerrero, intentando imaginar si los sonidos y la atmósfera de esta nueva lectura dialogarían con su espíritu y su poesía. El resultado es un homenaje construido desde la admiración y la gratitud.

    Un gesto de memoria hacia Santa Sabina

    La canción forma parte del proyecto Devotos: Tributo a Santa Sabina, una iniciativa que reúne distintas versiones del repertorio de la banda mexicana considerada como uno de los proyectos más influyentes del rock alternativo nacional.

    El proyecto tiene además un componente solidario: las ganancias generadas están destinadas a una institución dedicada a la lucha contra el cáncer de mama, convirtiendo el homenaje en una forma de mantener vivo el legado artístico y humano de la banda.

  • Ximbo transforma el amor en manifiesto de hip hop con “Amor Épico”

    Ximbo transforma el amor en manifiesto de hip hop con “Amor Épico”

    La MC mexicana Ximbo regresa con “Amor Épico”, un sencillo que convierte la experiencia del amor en una declaración política dentro del hip hop contemporáneo. En colaboración con el productor Ninja Uno, la canción propone una mirada distinta sobre las relaciones: lejos de la violencia, la posesión o la subordinación, el tema plantea una forma de amar construida desde la conciencia y la autonomía.

    El track abre de forma austera, con una voz directa que emerge sobre una instrumental drumless que construye tensión a partir de elementos de música clásica. El ambiente crece poco a poco hasta llegar a un coro dramático que prepara el terreno para la entrada de los drums. Cuando finalmente irrumpen, la canción se transforma en un boom bap sobrio y elegante donde cada verso adquiere peso.

    La producción de Ninja Uno apuesta por un enfoque minimalista que deja espacio a la palabra. El ritmo funciona como soporte para una interpretación frontal de Ximbo, cuya voz madura convierte la experiencia personal en un discurso colectivo. En ese punto, “Amor Épico” deja de ser únicamente una canción de amor para convertirse en un manifiesto que cuestiona los modelos afectivos dominantes.

    El tema fue seleccionado en el concurso Canción del Buen Amor, un reconocimiento que refuerza el enfoque social y cultural del lanzamiento. Al mismo tiempo, la canción marca el inicio de una nueva etapa creativa para la MC.

    “Amor Épico” funciona como el primer adelanto de “Bilora Bella”, próximo LP de Ximbo que forma parte de la saga Flow Pantera y que llegará en el marco de los 30 años de trayectoria de la artista dentro del hip hop.

    Tres décadas construyendo hip hop mexicano

    Hablar de Ximbo implica hablar de una figura clave en la historia del hip hop nacional. A lo largo de tres décadas ha participado en proyectos fundamentales para la escena, entre ellos Magisterio y Rimas Femeninas, iniciativas que ayudaron a consolidar espacios para el rap hecho por mujeres en México.

    Su trabajo ha trascendido el formato musical para convertirse también en una labor de promoción cultural y formación dentro del movimiento hip hop. Desde talleres hasta presentaciones internacionales, Ximbo ha construido una trayectoria que combina creación artística, activismo cultural y presencia constante en la escena.

  • Broke Carrey hace del deseo una tonada en “Monumento”

    Broke Carrey hace del deseo una tonada en “Monumento”

    El músico argentino Broke Carrey presenta “Monumento”, single que adelanta lo que será HIJO DEL PAÍS, su segundo álbum de estudio. El artista, que ha venido construyendo una propuesta que mezcla pop, hip hop y tradición popular argentina, utiliza esta canción para explorar un territorio poco habitual dentro de su obra: la tonada cuyana.

    La canción fue compuesta y grabada junto al mendocino Cocó Orozco, integrante de Usted Señalemelo y parte del equipo de composición del disco. Criado dentro de esa tradición musical, Orozco aporta una sensibilidad profundamente ligada al folclore cuyano, que Carrey toma como punto de partida para reinterpretarla desde su propio lenguaje.

    En “Monumento”, Broke Carrey convierte el recuerdo de una mujer en una especie de altar profano. La canción funciona como una oda al deseo, mezclando la picardía y la exageración características de la música popular argentina con una mirada contemporánea.

    Después de “ZUPAY”, este nuevo adelanto aparece como una grieta luminosa dentro del universo de HIJO DEL PAÍS. La canción introduce humor, sensualidad y un guiño a la tradición dentro de un disco que, en su conjunto, explora emociones más intensas.

    Una tonada que rompe la solemnidad del disco

    El propio Broke Carrey explicó que el tema surgió como una forma de romper con el tono solemne que atraviesa gran parte del álbum.

    “Soy una persona que está todo el tiempo queriendo hacer reír a los que tiene alrededor, y me gusta que la música también me haga reír. El último día del camp Cocó grabó una tonada, que es la música con la que creció, la de su familia, y antes de irse nos dijo medio en chiste: lo único que les pido es respeto. Y yo me quedé pensando en cuál sería la manera más respetuosa de faltarle el respeto”, contó el artista.

    A partir de esa idea surgió la letra: una respuesta provocadora al tono delicado de las guitarras que Orozco había grabado.

    El sencillo llega acompañado por un videoclip dirigido por Justo Benedetto, filmado en La Carrera, Mendoza. El video muestra a Carrey y Orozco regresando de tocar, subidos a la parte trasera de una camioneta con guitarras y vino, rodeados por la ruta y las montañas.

  • Samuraï inicia nueva etapa con “Los Paracaídas”

    Samuraï inicia nueva etapa con “Los Paracaídas”

    La artista madrileña Samuraï abre un nuevo capítulo en su carrera con el lanzamiento de “Los Paracaídas”, un sencillo que marca el inicio de una etapa distinta dentro de su universo creativo. La cantante apuesta por un sonido más abierto y emocional sin perder la honestidad que caracteriza sus letras.

    El tema se mueve en un terreno íntimo donde la vulnerabilidad es el punto de partida. “Los Paracaídas” explora los altibajos del corazón y ese impulso que empuja a regresar a aquello que nos hace sentir bien… incluso cuando sabemos que nos va a dar el desarrollo de personaje más duro hasta ahora.

    Y justo la frase “pero caer es mi forma de volar” funciona como eje de la canción, convirtiendo la caída en un gesto de resiliencia y crecimiento personal.

    Samuraï

    Este lanzamiento llega después de El silencio del ruido (2024), su álbum debut, un trabajo que confirmó la identidad artística de Samuraï dentro de la nueva generación del pop alternativo español.

    El disco combina guitarras cercanas al pop rock con una escritura confesional que aborda emociones cotidianas desde una perspectiva generacional.

    Samuraï, nombre artístico de Aroa Lorente, comenzó a ganar notoriedad en la escena madrileña a finales de la década pasada gracias a una propuesta que mezcla pop alternativo, rock melódico y una sensibilidad cercana al indie contemporáneo. Sus canciones suelen centrarse en experiencias personales, relaciones afectivas y procesos emocionales que conectan con una audiencia joven.

  • iza tkm debuta con “i Music Listen”, un álbum de introspección generacional

    iza tkm debuta con “i Music Listen”, un álbum de introspección generacional

    iza tkm presenta i Music Listen, su álbum debut, una obra que consolida un proyecto nacido desde la memoria emocional y la búsqueda personal.

    Grabado a lo largo de dos años, i Music Listen es un ejercicio de vulnerabilidad sonora. El álbum combina guitarras orgánicas registradas en notas de voz, guitarras eléctricas distorsionadas, sintetizadores , pianos, gritos y coros que construyen una atmósfera cruda y cercana.

    Entre las capas sonoras aparecen también audios de los mejores amigos de iza y varias canciones dedicadas a su mamá, reforzando el carácter profundamente personal del proyecto.

    Juventud y autodescubrimiento

    En su disco, iza tkm explora las vivencias de la juventud contemporánea: mudarse a nuevas ciudades, atravesar vínculos complejos y enfrentar el proceso constante de autodescubrimiento. El proyecto incluye colaboraciones con bandita emergente como AKRIILA, FaceBrooklyn, Méne y EMJAY,

    Musicalmente, iza tkm fusiona pop alternativo, drum n bass y electrónica con una sensibilidad dreampop que transita entre lo etéreo y lo visceral. El resultado es un sonido orgánico y honesto que canaliza la vulnerabilidad tanto de la artista como de quien la escucha.

    Una respuesta masiva desde el primer día

    Para celebrar el lanzamiento de i Music Listen, iza tkm realizó una listening party en la Glorieta de los Insurgentes que reunió a más de 1,500 personas. La convocatoria confirmó el alcance de un proyecto que ha crecido de manera orgánica desde redes y plataformas digitales.

    “Me siento muy tranquila y muy feliz de que por fin esté afuera el álbum, llevo mucho tiempo trabajando en esto y ver los frutos de mi trabajo me llena mucho,” expresó iza tras el evento. “No esperaba para nada la respuesta de la gente y estoy muy agradecida, es una experiencia irreal que siempre llevaré cerca de mi corazón.”

    @izatkmm aaaaaaagggggggghh una de mis canciones favoritas de la vida ya la van a poder escuchar full hd 4k el viernes ( o el miércoles en la glorieta ) 🎼🎼🎼🎼🎼🩵 #iML #imusiclisten ♬ sonido original – iza tkm
  • Emilia Borlone le canta al amor bonito en “Mil Veces”

    Emilia Borlone le canta al amor bonito en “Mil Veces”

    En “Mil Veces”, la cantautora chilena Emilia Borlone le canta al amor bonito: ese que permanece cuando todo se tambalea, que abraza en medio del caos y que convierte la rutina en refugio. El sencillo, cuarto adelanto de su próximo LP debut, revela el pulso íntimo y emocional que definirá este primer trabajo discográfico.

    “Mil Veces” es una balada indie pop íntima y luminosa que celebra el amor bonito, ese que no desaparece ante las crisis, sino que se fortalece en ellas. La canción habla de elegir a alguien incluso en los días difíciles, de encontrar refugio en la cotidianidad compartida y de agradecer la presencia que transforma el caos en calma.

    El sonido se mueve entre lo análogo y lo orgánico, con arreglos sobrios que permiten que la voz y la letra ocupen el centro. Hay sensibilidad, nostalgia y una calidez que sostiene el mensaje sin caer en dramatismos. La consigna es clara: el amor bonito sí existe y merece ser elegido mil veces.

    El concepto visual y narrativo que acompaña el sencillo gira en torno a la luz en medio del desorden, la naturaleza y la ternura cotidiana. Más que una declaración grandilocuente, la canción retrata pequeños gestos que sostienen vínculos reales.

    Una voz que apuesta por la honestidad emocional

    Emilia Borlone ha venido construyendo una propuesta marcada por la vulnerabilidad y la cercanía. En sus sencillos anteriores, como “Quisiera Borrar”, “Quédate Adentro” y “La Joya”, la compositora explora emociones íntimas desde una estética sencilla y directa.

    Recientemente se presentó en el Foro del Tejedor, en la CDMX, donde interpretó estos temas junto a “Mil Veces”, acompañada por tres músicos e invitados como Pehuenche y Madame Récamier. La atmósfera del concierto reforzó el tono que atraviesa su proyecto: honestidad, intimidad y conexión directa con el público.

    Con “Mil Veces”, Emilia Borlone reafirma esa línea creativa y anticipa un álbum debut que promete profundizar en las emociones que, lejos del espectáculo, sostienen la vida cotidiana.

  • AnDy Daling: pop soviético para los camaradas del mundo

    AnDy Daling: pop soviético para los camaradas del mundo

    Los memes soviéticos y sobre la madre Rusia siempre son divertidos, más cuando nos recuerdan lo absurda que puede ser la concepción que las personas externas a esas culturas tienen sobre ellas. AnDy Darling aprovecha que ella sí tiene ese barrio y nos propone una música muy movida, chidita y con punch, con toques de camarada comunista.

    Anastasia Dunaeva (AnDy Darling pa’ los camaradas) llegó a mi algoritmo por casualidad… realmente ni idea por qué se manifestó, pero se ha convertido en una de mis artistas favs.

    Nació en Rostov-on-Don, una ciudad del sur de Rusia que, ella misma afirma, “solo los hablantes de ruso probablemente la topan”. Ahora radica en Los Ángeles (para variar), pero lejos de homogeneizarse y ser una cantante pop EDM del montón gringo, explota al máximo su herencia soviética para hacer música y sketches llenos de cotorreo.

    AnDy Darling escribió su primera canción a los 11 años, la cual se viralizó. En ese momento decidió irse por el camino del arte. A los 17 se mudó sola a la República Checa, pasó por bandas de rock, participó en The Voice, vivió en Seúl para probar el K-pop, volvió a Moscú y firmó con Warner Music Russia.

    Aunque parecía que ya la tenía resuelta, “sentía que estaba rozando el techo”. Ese “techo” fue lo que la hizo dejarlo todo, literalmente, y se mudó a Estados Unidos: primero Nashville, luego L.A., ahora Nueva York. Empezó desde cero. Otra vez (como la gente de webos alch).

    Durante sus primeros años en la tierra de Epstein, AnDy se dedicó a escribir para otros artistas sin sello ni publishing. Luego volvió a su propio proyecto.

    “Cold War Star” y la madre patria

    Hablar de sus canciones requiere muuucho texto (recomiendo “Never Enough” y “Gods With Us”), pero me voy a centrar en “Cold War Star”, su más reciente sencillo. Y sí, suena a soviético, y ese es el chiste.

    Esta canción es una forma de convertir su historia en música acelerada y atrabancada. La letra básicamente habla acerca de los estereotipos que los gringos y el mundo tienen de las personas originarias de los países soviéticos: que son frías, calculadoras, malignas y que siempre traen tracksuits.

    Tremendo rolón… lástima que dura menos de dos minutos.

    Con su música y en esta etapa de su proyecto, AnDy Darling está haciendo de su vida una obra de arte con tintes del brutalismo ruso y ritmos perfectos para tirar flow: “Mi vida es básicamente un experimento para ver si una chica rusa puede realmente convertirse en una estrella pop global.”

    Así que ya se la saben, vayan a escucharla. Muy pocos artistas usan su origen como motor creativo sin caer en una caricatura no irónica. Ella lo logra, porque AnDy Darling es clave.

  • Caloncho nos da una cátedra de chill con “Mangos”

    Caloncho nos da una cátedra de chill con “Mangos”

    Caloncho regresa con “Mangos”, un sencillo que mantiene su energía luminosa, pero la ligeramente la tensiona. Sigue estando el groove cálido que lo caracteriza, pero ahora hay una intención más marcada de empujar el ritmo y meterle músculo sin perder la sonrisa.

    Musicalmente, “Mangos” avanza sobre una base rítmica viva, bajo protagonista y melodías que fluyen con naturalidad. Suena muy reggae. Los versos tienen una cadencia relajada que lo ha hecho reconocible dentro del indie mexicano, pero, cuando entra el coro aparece una guitarra con distorsión que lo cambia todo (insert meme here) que le un toque rockerón.

    Si sumas eso con la voz de Caloncho (ligera, amable y casi despreocupada) obtienes una rolita muy rica para ecahr el coto con los panas de la oficina los viernes de azulitos y tarot.

    El videoclip, dirigido por Bernardo de Anda, aunque en una primera lectura podría parecer muy random, ya que disfrutas de la música agarra sentido.

    Literal es Caloncho en un paisaje desértico junto al mar: cactus, arena, cielo abierto. O está comiendo mangos, o está de chill en una moto en el desierto, andando o pasando el rato.

    El tránsito visual de la inmovilidad al movimiento refleja el corazón del track. “Mangos” no es solo una canción veraniega temprana (o de Semana Santa) con vibra tropical. Habla de reactivarse, de sentir la adrenalina después de una pausa larga. Esa sensación de volver a encenderse conecta con el momento exacto en que el coro se abre y la guitarra empuja todo hacia adelante.

    Con “Mangos” , Caloncho nos entrega un pequeño himno (dura menos de tres minutos nomms) perfecto para pasarla bien y disfrutar de las pequeñas cosas de la vida, como una paseo, el arte de deambular y, obviamente, comerte un mango… gran plan dominguero.

  • Miranda Santizo y el pop que se atreve a ser frágil

    Miranda Santizo y el pop que se atreve a ser frágil

    Miranda Santizo abrirá los conciertos de Kali Uchis en México. Y, más que una telonera en un tour grande, es una compositora que ha construido un pop incómodo: melodías claras, confesiones directas y una narrativa que no romantiza el caos emocional, lo pone sobre la mesa… aunque le duela a la raza.

    Su música habita ese territorio donde el amor no explota en drama, sino que se descompone lentamente. En ARMADURA (2024) trabajó la idea de la defensa emocional como reflejo generacional: orgullo como escudo, distancia como estrategia, frialdad aprendida. No era un disco de victimismo, sino de contención.

    De la armadura al consuelo

    Con el EP consuelo (5 de marzo de 2026), el movimiento es claro. Los sencillos “otravezmepusemal”, “un g que no siente” y “te doy igual?” apuntan a una escritura más expuesta.

    La producción mantiene una base pop sólida, pero el centro es la vulnerabilidad. No hay discurso de superación instantánea; hay error, insistencia y reconocimiento del desgaste emocional.

    Esto es algo rico en la actualidad, pues el pop mexicano suele dividirse entre la fórmula urbana genérica y el indie que a veces está muy random. Miranda ocupa un punto intermedio poco común con sus canciones accesibles que no sacrifican conflicto interno.

    Abrir para Kali Uchis es una plataforma durísima para Miranda, muy ad hoc con el perreo íntimo y pegadito de la Kali.

  • The Amazing Devil: folclor, misticismo y teatro emocional

    The Amazing Devil: folclor, misticismo y teatro emocional

    Cuando artistas multidisciplinarios se unen para crear, por lo general salen cositas muy interesantes, y justo eso es The Amazing Devil: un dúo musical alternativo británico formado por Joey Batey y Madeleine Hyland en Londres, que suena místico y teatral por todo el background cultural y creativo que suman sus componentes.

    Su propuesta trasciende lo convencional del folk y lo convierte en un paisaje sonoro teatral y profundamente narrativo. Esto porque Joey y Madeleine se conocieron trabajando como actores en la Royal Shakespeare Company. Y bueno, se nota un chingo en sus composiciones repletas de emociones intensas, historias personales y atmósferas con tintes esotéricos.

    Musicalmente, The Amazing Devil ha sido descrito como una banda de folk alternativo dramático y lírico, cuyo sonido mezcla guitarras acústicas y eléctricas, piano, cello, flauta y percusiones que emergen desde lo orgánico y lo teatral. Aunque etiquetados como alt-folk, ese mote les queda chico: sus canciones pueden comenzar con melodías suaves y acústicas para después transformarse en arcos sonoros épicos o hipnóticos, como si cada tema fuera un cuento o mito musical en sí mismo.

    Sus letras y composiciones evocan paisajes, oníricos, emocionales y simbólicos, que se sienten tanto personales como universales: historias sobre relaciones, pérdidas, sueños y dolor que se acercan a lo simbólico y a lo arquetípico (bien jungiano el bisne). Lit con sus canciones recorres territorios narrativos intensos y oníricos, con un lirismo que recuerda a fábulas.

    Desde su álbum debut Love Run (2016) hasta The Horror and the Wild (2020) y Ruin (2021), el grupo ha ido consolidando una estética sonora que mezcla relatos teatrales con sensibilidad folk, llevada a un nivel donde cada canción funciona casi como un relato independiente, con inicio, nudo y desenlace emocional. Las letras están impregnadas de juego de palabras, metáforas oscuras y una narrativa que a menudo mezcla lo cotidiano con lo poético o lo inquietante.

    Su música también tiene una base performativa. El hecho de que ambos miembros provengan del teatro hace que esa estructura narrativa se note en sus temas. Es delicioso sentir cómo la vocalidad y la instrumentación confluyen en una especie de discurso dramático y místico en su intensidad expresiva.

    The Amazing Devil se ha convertido en una banda de culto. Y, lastimosamente, tal parece ser que sus fans van a tener que esperar un milagro o llamado mágico, pues desde 2023 lo único que se sabe de ellos es que anunciaron que estaban trabajando en su siguiente disco.

    Shout out a la Xime por enseñarme esta banda, la define como “música de brujitas”.