Categoría: General

  • Top 5 canciones para las historias de IG de tu conservadora

    Top 5 canciones para las historias de IG de tu conservadora

    Todxs (o al menos eso quiero pensar) tenemos una tía conservadora, malvibrosa, criticona, mosca muerta, metiche, con el síndrome de Doña Florinda y, por algún motivo, con el pelo teñido de un tono rubio “vainilla latte” del Starbucks. Si tú eres ella, mi más sentido pésame. Si es tu mamá, te mando un fuerte abrazo.

    Bueno, la cuestión es que, en la oficina, Ref (nuestra experta en lidiar con esas entidades) y yo nos sentamos a hacer justamente una selección de las canciones que este tipo de personas suele usar en sus peculiares posts de redes sociales.

    So, aquí les compartimos nuestro top 5 de canciones con el mismo sabor de una pechuga hervida sin sal, perfectas para que le sugieras a tu tía de derecha cuando te pida ayuda para subir una historia a su Instagram presumiendo el brunch con sus amigas, su paseo en alguna marcha provida o simplemente tirándole hate a los izquierda.

    Eso sí, vamos a procurar que sea una selección “arriesgada”, para que tu tía quede encantada contigo por mostrarle rolas bien “lochoconas”.

    “Summer” – Calvin Harris

    Perfecta para musicalizar un paseo y/o recorrido de tu tía por San Ángel, un domingo caluroso saliendo de Cluny con rumbo al bazar de arte.

    “Middle” – DJ Snake

    La canción arriesgada para una noche de fiesta “loca” en Las Lomas. Mientras con una mano sujeta un cosmo, con la otra señala a los “chavitos” al otro lado del antruki , al mismo tiempo que ignora los insistentes mensajes de WhatsApp de su su marido (tu tío del que siempre se queja).

    “Animals” – Maroon 5

    Con esta la vas a trollear sin que sepa. Puedes hacerle creer que es la canción ideal para una foto o video junto a su corgi o pomerania… pero tu, yo y todxs sabemos que este himno furro despertará en ella sus más bajos instintos.

    “Clocks” – Coldplay

    Un clásico indiscutible de la blanquitud del mundo mundial. Ideal para cualquier momento. Si dudas respecto a qué canción sugerirle, este es el comodín.

    “I Can Do It With A Broken Heart” – Taylor Swift

    Perfecta para que saque su girl power post divorcio (recuérdale que eso es pecado y que diosito ~o Yaldabaoth, el demiurgo…?~ la va a castigar).

    Úsala para cuando te pida ayuda para postear ese reel curioso en el que ella y susi amigas, además de quejarse de sus ex maridos, se ponen a criticar los cuerpos de otras mujeres que ni las topan.

  • ¿Por qué la música de Dark Souls 3 es tan épica?

    ¿Por qué la música de Dark Souls 3 es tan épica?

    Uno de mis juegos favoritos de todos los tiempos es Dark Souls 3, una de las obras maestras de Miyazaki Hidetaka (en realidad, todo lo que ha hecho este hdpm es GOD). Pero, en especial, el cierre de esta trilogía tiene un lugar muy especial en mi kokoro por todos los temas que aborda: romper (o no) ciclos que ya están muertos, el libre albedrío vs el destino, la memoria y la locura, entre otras cositas.

    Síntesis cutre del lore

    Para entender por qué la música de Dark Souls 3 está tan cabrona, primero una síntesis del lore: la Primera Llama, aquella energía que permitió a los gigantes y humanos derrotar a los dragones de piedra, se está apagando por millonésima vez.

    Por ello, diversos señores de la ceniza son revividos para volver a encenderla. Pero, para sorpresa de nadie, les valió 30 hectáreas de espada y cada uno se fue a atrincherar a su respectivo dominio. Por ello, el Ser de Ceniza (tú) tiene que ir a cosechar las almas de estos carnales para así forzarlos de nuevo a sus tronos y volver a avivar la llama… o no.

    Una de las características de los juegos de Miyazaki es que gran parte de la música sólo aparece en las peleas de los jefes. En esta tercera entrega fue compuesta por Yuka Kitamura, con aportes de Motoi Sakuraba y Tsukasa Saitoh. Voy a hacer una selección de los temas que son los más duros a mi parecer y dar una breve explicación.

    Aldrich, Devourer of Gods

    No hay nada más duro que llamarte “el devorador de los dioses” y literalmente eso es Aldrich: inició comiendo gente y después pasó a consumir a las deidades, en específico a Gwyndolin, de quien usa su cuerpo para pelear contra ti. Al escuchar su tema, dominado por una voz en un eterno lamento, llega a ti su aura impía y que se burla de lo sacro.

    Nameless King

    El Rey sin Nombre es el jefe más duro del juego base. Es el hijo de Gwyn, el señor de la ceniza original, que fue desterrado por cometer la máxima blasfemia: hacerse amigo de los dragones. En la primera fase, su tema remite a tormentas y surcar los cielos sobre el lomo de un reptil alado (porque justo eso hace). La segunda parte no me encanta tanto (quizás porque me mataba a cada rato ahí).

    Yhorm the Giant

    Esta canción tiene una entrada digna de un rey de como unos 10 metros de altura. Se trata de una pelea en la que te mides con un monarca de altura (literalmente), en la que te ayuda (si haces las cosas correctas) quien fue su mejor amigo, quien busca ponerlo a descansar (para simpe). La canción te transmite ese peso de la diferencia de proporciones y su imponencia.

    Soul of Cinder

    El Alma de Ceniza es la amalgamación de todos aquellos que encendieron la llama en el pasado y eso, en términos de gameplay, se traduce a que este wey se comporta como cualquier otro jugador y va cambiando de estilo de pelea; “y ¡hasta hace el mítico backflip hacia atrás! .si la canción es épica en su primera fase… cuando llega la transición a la segunda… plin plin plon: te da una nueva versión mucho más triste y emocional del tema de Gywn, el señor de las ceniza original. Absoluta música 🚬

    Slave Knight Gael

    Esta es la mejor canción, la más dura del juego y la banda sonora del cierre verdadero de la trilogía. Además de que en su cinemática te dice “dame el alma oscura”, cine verdadero ), la canción, al igual que el jefe, tiene tres fases. En la primera se siente el desgaste que ha dejado una causa perdida; en la segunda empieza el descenso a la locura y en la tercera llega el absoluto clímax de una de las sagas más importantes en la historia de las producciones audiovisuales. Solo escúchenla, Yuka Kitamura nos da con ella una cátedra de música narrativa.

  • TOP 5 canciones para ir a grafitear colonias fresas con tus panas

    TOP 5 canciones para ir a grafitear colonias fresas con tus panas

    Una de mis mejores y más queridas amigas tiene un hobby muy particular: dibujar cosas en paredes de colonias fresas con spray y/o pintura acrílica a altas horas de la noche, cuidándose de que alguna entidad porcina y/u otra autoridad se acerque a importunar el proceso creativo y solicite una cooperación no voluntaria.

    He ido con ella en varias ocasiones porque why not? y porque una de las maneras más efectivas de reforzar lazos afectivos y sociales es acompañar a la amistad en sus intereses especiales y sumarte a ellos. Y uno de los rituales más importantes previo a rayar paredes es dar el rol en la unidad automotriz buscando el spot perfecto para dejar una bomba (con acento yuca).

    Por ello, hoy les comparto una pequeña selección de las rolitas que solemos escuchar en su carro antes de hacer arte y llenarnos las manos de aerosol negro. Dato curisos: nunca nos han agarrado los puercos, pero sí nos han subido a la patrulla hahah, pero por una anécdota muy curiosa que involucra mi auto, una grúa e ir a hacerla de pedo al MP.

    Fallen Angel (El Poco Maro Drum’n’Bass Remix) – Mitsunorio Ikeda

    No hay mejor forma que iniciar una noche de arte que ir a eso de las 11:00 de la noche en Periférico con este rolón a todo volumen, mientras te chingas tu café de dudosa higiene del Jarocho y vas agitando las latas al ritmo de los beats acelerados y atrabancados de este remix de “Fallen Angel”. ¿Alguna vez vieron Panty & Stocking with Garterbelt? Recomiendo.

    八方来财·因果 – SKAI ISYOURGOD

    Este valedor chino se hizo viral en occidente hace un año porque alguien comenzó a usar sus canciones en TikTok. Ah, pero que joya resultó ser: rimas sobre el budismo y taoísmo. Además, sus canciones tienen un bajo que suena bien tremendo en el estéreo de mi pana.

    Trapstorno – Redimi2

    Pasamos de las rimas filosóficas a las cristianas hahah. Más allá de las connotaciones religiosas que puedan tener estos bros temerosos del dios judeocristiano (o acaso es en realidad Yaldabaoth, el Demiurgo…?), sí están duras sus rolas. Aunque eso sí (y les toca soportar, triponas), tienen en ocasiones severos delirios de persecución.

    Candy – Plan B

    Es un clásico del bellakeo, el perreo y toda actividad no apta para señoras panistas. “Candy” es un himno transgeneracional perfecto para cada ocasión. No hay nada más que decir, excepto: “luny-luny-tuuunes”.

    Supreme – Gost

    No hay mejor manera para cerrar la noche y huir a toda velocidad de la zona donde se dejó el lienzo fresco que con esta canción del recién fallecido Gost. Potente, con un beat acelerado y una voz suave que se funde a la perfección, “Supreme” es una de las mejores canciones que nos lega James Lollar.

  • Saramalacara lleva el trap su barrio “Mataderos” al flow mundial

    Saramalacara lleva el trap su barrio “Mataderos” al flow mundial

    La trapera argentina Saramalacara presentó Mataderos, su segundo álbum, un disco donde el barrio en el que creció se convierte en punto de partida para una etapa más amplia en lo sonoro y en lo artístico.

    El proyecto reúne 17 canciones que son un cruce entre origen y expansión entre la escena under de donde viene y el circuito global en el que ahora se mueve.

    El álbum cuenta con una red de productores y colaboradores de peso dentro del cloud rap, el rage y la electrónica experimental. Entre ellos aparecen Evilgiane y Eera, de Surf Gang, además de nombres vinculados al entorno de Opium como F1lthy, Lucian, Lukrative y Ojivolta. También participan Dylan Brady, Casey MQ y Aaron Shadrow. Aun con ese marco internacional, el disco mantiene una conexión muy marcada con la historia personal de Sara Azul Froján y con el territorio que le da nombre.

    Un disco atravesado por el barrio y la nostalgia

    Mataderos toma su nombre del barrio porteño donde creció Saramalacara y desde ahí construye buena parte de su identidad. La propia artista explicó por qué ese punto era importante dentro del proyecto: “Me parecía importante irme tan lejos de casa, hacer un disco con una major y aun así ponerle el nombre de mi barrio”.

    “Se llama Mataderos porque las letras están muy atravesadas por la nostalgia, por el barrio en el que crecí toda mi vida. Es un lugar que está como en el medio, entre capital y provincia, y siento que mi música también habita ese intermedio, entre lo under y lo mainstream”, añadió.

    Esa idea atraviesa todo el disco. En lo sonoro, mantiene parte de las atmósferas etéreas y las melodías suaves que ya venían apareciendo en su música, pero ahora les suma una energía más filosa, más cercana al rage. El resultado no se mueve hacia un solo lado, sino que sostiene esa dualidad entre lo íntimo y lo expansivo.

    En esta etapa sigue conectando con lo digital, pero de forma más directa: volvió a usar Facebook como canal principal y mantiene activo el vlog @saraonline333. Su proyecto crece, pero también se vuelve más claro en cómo se presenta y se organiza.

  • Metal Gear Solid V: tremendas canciones con sabor a conflicto

    Metal Gear Solid V: tremendas canciones con sabor a conflicto

    Hace años hubo una temporada en la que me obsesioné durísimo con la saga de Metal Gear del Hideo KojimaGOD, la cual, lastimosamente se murió en el incompleto Metal Gear Solid V: The Phantom Pain.

    Para no tratar de explicar el lore iré directo al grano: el juego tiene una selección de canciones que están durísimas, que además tienen una construcción muy ligadas a los temas centrales de la historia y la saga. So, métanse a una caja, échense un puro frente a algún reloj y escuchen con presencia.

    “Sins of the Father”

    “Sins of the Father” es el tema principal y está tremendísimo. La primera vez que lo escuché en el tráiler de cuando lo anunciaron… absoluta música 🚬.

    Los temas que aborda técnicamente explican el lore de la saga: legado transgeneracional, culpa que se hereda, identidad y la forma en la que alguien se corrompe con tal de cumplir sus objetivos. Y luego

    Durísima, de veras.

    “Quiet’s Theme”

    Quiet es un personaje construido alrededor del silencio, de la distancia y de una presencia que primero desconcierta, pero luego se vuelve clave. Y su canción es una forma de verbalizar todo aquello que no puede pronunciar (no habla, pues).

    Tiene la voz Stefanie Joosten, la actriz que la interpreta, y, narrativamente, acompaña la transformación del vínculo entre Quiet y Venom Snake. Verdaderamente una muy bella canción.

    “A Phantom Pain”

    Tremendo temón. “A Phantom Pain” a diferencia del resto del OST, esta canción te da la impresión de que la escuchaste con anterioridad en algún punto de tu vida; suena a rock chido ochentero, muy Duran Duran.

    La canción juega con el concepto del dolor fantasma (el fenómeno de sentir dolor en una parte del cuerpo que ya no existe {el Snake es manco}) y el de una identidad rota, construida y resquebrajada.

    Bonus: “Invisible” de Duran Duran

    Quien le sabe a TikTok y es de la comunidad fan de Kojima ya conoce los motivos de que la ponga aquí: memes.

    Por algún motivo, alguien empezó a hacer en 2023 edits de Venom Snake con esta canción y mucha gente fue gaslighteada a creer que forma parte del soundtrack. Imposible, porque el juego es de 2015 y la rola de 2021.

    Lo curioso es que la canción queda muy bien con el este producto cultural digital, no solo porque su estructura musical es muy parecida a “The Phantom Pain”, sino porque los temas que aborda son los mismos: manipulación, despersonalización, control, presencia fantasma, imposibilidad de afirmarse por completo como un yo estable. Como anillo al dedo.

  • Somnus, o el onírico y trágico roadtrip de Final Fantasy XV

    Somnus, o el onírico y trágico roadtrip de Final Fantasy XV

    Hoy en la sección “Videojuegos que compré por su música” tenemos a Final Fantasy XV, el cual decidí adquirir por su tremendo tema principal y leitmotiv “Somnus”, compuesto por la mismísima Yōko GOD Shimomura.

    La primera vez que escuché “Somnus” fue en uno de los primeros trailers del juego, creo que todavía se llamaba Final Fantasy Versus XIII. La canción no solo es dolorosa, trágica, sencilla y hermosa, sino que es el eje emocional de toda la historia: pérdida, aceptación y una, digamos, redención que deja una agridulce sensación que te conmueve cabrón.

    Un viaje que va a terminar sad

    La primera aparición de “Somnus” es el menú principal y diablos, te spoilea durísimo. Le puchas strat y corta a la secuencia inicial: Noctis, el prota, aparece sentado en un trono, en una escena cargada de fuego, destrucción y silencio.

    FFXV

    Después de ese arranque, el juego cambia de ritmo y presenta el viaje en carretera del príncipe junto a sus amigos de toda la vida: Ignis, Prompto y Gladiolus, quienes, aunque en un inicio se ven felices y todo eso, poco a poco vas descubriendo que son personas rotas con pasados trágicos, pero que aún así prefirieron crecer como personas y luchar por un bien mayor.

    Para no spoilear (y porque voy como a la mitad del juego), me limitaré a decir que las distintas versiones de “Somnus” marcan puntos de no retorno en la historia, la cual pasa de ser un viaje de hermandad a una carga individual marcada por el destino, el linaje y… pues… decisiones que quiebran.

    El sueño de los insomnes

    La composición de Yōko Shimomura está conformada por un piano sencillo, un violín nostálgico que evoluciona a una base de cuerdas que crece de manera progresiva y aumenta la cadencia emocional. Aunque es muy corta, la canción tiene un clímax que condensa todo lo que va a vivir el Noctis.

    FFXV

    Hay dos versiones principales: la instrumental y la con voz. Esta última es cantada por Aundréa L. Hopkinsen en latín y la letra, básicamente, cuenta la historia de cómo los hijos de un dios dormido hacen un cagadero.

    El leitmotiv de la tragedia

    “Somnus” funciona como leitmotiv en el sentido más clásico. Representa el destino de Noctis y la carga que implica su papel de heredero del trono de un reino roto dentro de la historia. Cada vez que aparece, lo hace con variaciones que reflejan el estado del personaje y del entorno.

    En los primeros momentos, la canción sugiere que el entusiasta de las armas filosas aún no se comprende enteramente la carga que está destinado a llevar. Más adelante, cuando las consecuencias de sus actos empiezan a verse, el tema regresa a darle un golpe de realidad. Y al final (y esto lo sé porque lo vi en YouTube)… durísimo, hermanes; esa versión se llama “Somnus Ultima” y es el cierre para el relato de un verdadero rey.

    FFXV

    Escribir esto ya me antojó volver a jugar Final Fantasy XV y ahora sí terminarlo, aunque para ello tengo que buscarme un espacio en mi muy apretada agenda (estoy casando, jefe, inventen el día de 30 horas).

    Para cerrar, otras canciones que les recomiendo del Soundtrack de FFXV son “NOX AETERNA”, “Veiled in Black” y la basadísima “APOCALYPSIS NOCTIS”.

  • Alina Pash: brujería, política y resistencia cultural

    Alina Pash: brujería, política y resistencia cultural

    Conocí la música de Alina Pash hace algunas meses, como otra de esas recomendaciones random que te hace Instagram cuando andas doomscrolleando. Y wau: me voló la cabeza. Hace una mezcla muy mística de hip hop, electrónica y folk ucraniano, e integra en ella identidad cultural, simbolismos de su natal Ucrania y política, porque, aunque la gente tibia lo quiera negar (como la Rosalía) ABSOLÚTAMENTE TODO ES POLÍTICO.

    Así que (mi entras me como una rebanada de pastel de red velvet por un cumpleaños de la ofi) les contaré un poco de sus rimas durísimas, místicas… y que en su mayoría tengo que googlear porque no sé ucraniano.

    Alina Pash

    Raíces culturales y simbolismo espiritual

    Alina Pash creció en Transcarpatia, una región con una tradición muy marcada y que sigue viva, que no se ha dejado consumir ni desplazar por la voracidad de las potencias culturales de occidente… tal como ya paso en nuestro bizarro y surreal México.

    La primera canción suya que escuché fue “Oracle Flower”, la cual, por fortuna, está en su mayoría en inglés, pero la intro tiene unos coros muy místicos en ucraniano, acompañados de lo que hasta a la fecha no sé si es una zanfona o una gaita. Básicamente, habla acerca de rituales y enfrentar la sombra.

    La propia Alina ha explicado en entrevistas que su intención es “mezclar lo antiguo con lo nuevo para que no se pierda la esencia”, y que su proyecto busca mantener viva esa conexión con sus raíces dentro de un contexto moderno.

    Alina Pash

    Además, su bio de Spotify está durísima: “Estoy canalizando una curiosidad sin límites hacia la exploración de lo sobrenatural a través del arte, especialmente mediante la música. No tengo límites, no tengo cajas, y no conozco reglas en el proceso creativo porque, cuando me llama, respondo”.

    Canciones donde lo personal y lo colectivo se cruzan

    Uno de los puntos más interesantes de su música es cómo lo íntimo se conecta con lo colectivo. En “Bitanga”, mezcla lo urbano y lo tradicional, tanto en el ritmo como en la forma de interpretar.

    En su EP Amerikraine Dream, aborda temas como la migración, el deseo de salir, las expectativas económicas y la tensión entre lo local y lo global. Es como una mini bio de su experiencia existencial tras mudarse a Disparos Unidos.

    Con “Shadows of Forgotten Ancestors”, canción con la que ganó la selección nacional de Ucrania para el funado Eurovision, toma el nombre de una obra clave del cine ucraniano y se apoya en referencias culturales profundas para construir una pieza donde la identidad y la memoria son el eje.

    Alina Pash

    Todo es político x 2

    Sobre su trabajo, Alina Pash ha dicho que quiere “mostrar Ucrania tal como es, con su historia, su dolor y su belleza”, una idea que atraviesa varias de sus canciones y que explica por qué su música no se queda en lo superficial.

    La dimensión política en su arte no se reduce a decir: “que csm el político x”)”, sino que aparece en sus decisiones creativas, como cantar mayoritariamente en ucraniano, las referencias a su cultura que usa, hablar de sus prácticas espirituales y la manera en la que representa su territorio.

    Y, aunque no sepas ni pio de ucraniano, todo esto se siente a través de su música. Honestamente es una artista que, en mi nada humilde opinión, considero que nadie se debe perder. Ojalá algún día venga a México y saque las rimas brujiles.

  • Gelli Haha se alucina en las nubes con “Klouds Will Carry Me to Sleep”

    Gelli Haha se alucina en las nubes con “Klouds Will Carry Me to Sleep”

    Gelli Haha es una de esas artistas que conocí gracias a que me spameó su publicidad en IG. Recuerdo que me salió la foto de portado de su disco, en el que hace una composición much chida con los tres colores primarios y unos pupilentes rojos que le daban una vibe muy esquiza.

    Le piqué en escuchar y, tras hacer las mil maniobras que requiere IG para abrir un enlace de Spotify, me eché su sencillo “Bounce House”, el cual me cautivó: estaba super random, pero con unas vibes de circo teatral, coloridas y psicodélicokawaiianas muy chiditas.

    Gelli Haha

    En términos menos autistas (anulo funa porque tengo AuDHD), la música de Gelli Haha es un pop juguetón, visualmente cargado, que se centra en el juego como ingrediente principal de su expresión artística. Y justo así nació su “Gelliverso”, el cual recomiendo 100/10.

    Bueno, me eché su disco debut completo, Switcheroo, y e suna joyita. Justamente de la última canción, “Klouds Will Carry Me to Sleep”, acaba de sacar el video y recomiendo.

    Gelli Haha y las Hahas

    Justo como su apellido lo spoilea, el video (dirigido por David Gutelesta) muy haha: salen Gelli y sus panas haciendo coreografías divertidas, se da el rol por las nubes y los colores y la psicodelia dominan el apartado visual. En cuanto a qué dice la canción… es puro cotorreo.

    Honestamente, el de Gelli Haha es uno de los proyectos que he conocido de las maneras más random que me han encantado. So, aquí les dejo “Klouds Will Carry Me to Sleep”; disfrútenlo con calma, con su veneno de confianza y relájense un poco, les ayudará a bajar el cortisol que les hace acumular sus chambas.

  • “Hunting for Your Dream”: la canción que te hace vencer la depresión

    “Hunting for Your Dream”: la canción que te hace vencer la depresión

    “Ahora Kurápika está ahogándose en un vacío indescriptible”. Seguramente todos han visto un TikTok o meme de esta escena de Hunter X Hunter, en la que el personaje antes mencionado está super siendo consumido por la depresión, para hacer un corte al ending con la gloriosa “Hunting for Your Dream” de Galneryus (y si no, la verdad es que te falta cultura).

    Bueno, el coto es que la canción es super animada, up beat, positiva y su letra tiene un mensaje perseverancia, voluntad y crecimiento personal, es básicamente un “ánimo, delincuencia” en esteroides . Es como si “Hey Ya!” de Pocoloco fuera una rola (y si tampoco le sabes a esta referencia, te hace falta leer la Biblia 2, literalmente).

    大空も この大地も ♫♪

    “Hunting for Your Dream” salió en 2012 como parte del álbum Angel of Salvation, pero su verdadero alcance llegó cuando fue elegida como el segundo ending del anime Hunter × Hunter (2011), específicamente en la recta final del arco de las Hormigas Quimera, una trama durísima en la que Gon y compañía traen un fuerte desgaste físico, emocional y han tomado decisiones que no tienen vuelta atrás.

    Fuera del anime, la canción terminó volviéndose, además de un meme, uno de los himnos por excelencia de los amantes del metal japones, por lo pegadiza que es y además su potente mensaje de animo que te invita a no tirarte a la mierda y volverte el/la más bacanx en tu vida.

    La canción habla de perseguir un objetivo personal (o simplemente vivir) aunque el camino sea incierto y difícil. ¿Cómo? Pues no rindiéndose y fortaleciéndote con toda experiencia vivida. La letra insiste en avanzar, mantenerse firme y no perder de vista lo que uno quiere.

    “Hunting for Your Dream” también remarca algo: 100pre hay que estar en movimiento, (keep walking ,diría en Johnny Walker *patrocínameeeee*), porque, cómo diría Juan Gabriel: “el tiempo pasa y no perdona”.

    Además, ¿Qué hay mejor que disfrutar del proceso? La canción te sugiere justamente que toda experiencia vivida, situación, escenario, etc. etc., te enseñan algo y eso es lo que le da sabor al viaje.

    Así que ánimo, delincuencias, escuchen este joya de Galneryus cuando les gane la ansiedad y crean que su existencia es fútil. Y recuerden: el camino/proceso de cada persona es diferente, so gocen del suyo, porque quien disfruta de las pequeñas cosas y se divierte mientras construye ya ganó.

  • No Straight Roads: cuando el rock y el EDM se echaron un tiro

    No Straight Roads: cuando el rock y el EDM se echaron un tiro

    Hoy en una entrega nueva de “videojuegos que compré solo por su música” (al parecer me va a dar para una serie larga), hablaré de No Straight Roads, una joyita indie cuya trama literalmente se centra en la lucha entre el rock y el EDM (y sus derivados).

    Y no podía dejar de hablar de la mezcla interesante que tiene este juego con su apartado musical, porque honestamente tiene unos temazos que sería un crimen contra la humanidad si no los comparto.

    ¿No caminos derechos?

    No Straight Roads fue desarrollado por el estudio malasio Metronomik y publicado en 2020. Desde su concepción, el proyecto apostó por construir un juego donde la música fuera el centro de toda la experiencia. La historia sigue a Mayday y Zuke, los integrantes de la banda Bunk Bed Junction, la cual, tras de fracasar en una audición organizada por NSR, la disquera malvada/empresa que controla la energía de Vinyl City, que además domina la vida cultural de la ciudad a través del EDM.

    Nuestros panas no soportaron y por ello deciden enfrentarse al sistema y comenzar una revolución de dos pelados. Para ello, van a cantarle un tiro a cada uno de los artistas (esbirros de NSR), que controlan los distritos de la ciudad, para así devolverle espacio al rock y romper con la hegemonía de la electrónica, la cual, al parecer, aquí es de derecha alienada. Básicamente, el juego es una boss rush.

    Música hasta para aventar

    La banda sonora de No Straight Roads incluye una amalgama de talentos que nos dan un soundtrack variado, rico y versatil. Entre los artistas que participan están James Landino, Funk Fiction, Falk Au Yeong y Andy Tunstall, y cuenta con los aportes de Masahiro “Godspeed” Aoki, RoboRob, Tokyo Machine, Shota Nakama, Nikki Simmons, Ai Yamamoto, Az Samad, Clyde Rabatel Zapata y Tony Ann.

    Lo interesante es que cada tema principal de un jefe tiene tres versiones: la estándar, la rock y la EDM, y sí, son muy distintas entre sí. Además, la forma en la que te las van soltando es de acuerdo a que tanto haz avanzado en una pelea.

    Hay jefes que están completamente construidos desde un lenguaje musical específico. Por ejemplo, DJ Subatomic Supernova tiene con una base de electrónica progresiva que escala en intensidad conforme avanza el combate, con drops marcados y cambios de ritmo que acompañan cada fase.

    Mientras tanto, en el caso de Sayu, la pelea arranca como un tema muy drum ‘n bass kawaii; al pasar al la versión rock suena mucho como a opening de anime, pero lo GOD viene cuando entra la EDM: es fokin vaporwave 100/10.

    Otro caso es EVE, cuya batalla está montada sobre un pop electrónico más pulido, con estructura de canción comercial y una presencia muy marcada de sintetizadores, acorde a su personaje. Además, que cada una de sus versiones refleja la emotividad que el personaje tiene dentro de la trama.

    No Straight Roads es un juego corto, pero con mucha rejugabilidad. Además su música es uno de sus principales atractivos. Recomiendo 100% y lo mejor es que está en todas las plataformas.