Categoría: General

  • Somnus, o el onírico y trágico roadtrip de Final Fantasy XV

    Somnus, o el onírico y trágico roadtrip de Final Fantasy XV

    Hoy en la sección “Videojuegos que compré por su música” tenemos a Final Fantasy XV, el cual decidí adquirir por su tremendo tema principal y leitmotiv “Somnus”, compuesto por la mismísima Yōko GOD Shimomura.

    La primera vez que escuché “Somnus” fue en uno de los primeros trailers del juego, creo que todavía se llamaba Final Fantasy Versus XIII. La canción no solo es dolorosa, trágica, sencilla y hermosa, sino que es el eje emocional de toda la historia: pérdida, aceptación y una, digamos, redención que deja una agridulce sensación que te conmueve cabrón.

    Un viaje que va a terminar sad

    La primera aparición de “Somnus” es el menú principal y diablos, te spoilea durísimo. Le puchas strat y corta a la secuencia inicial: Noctis, el prota, aparece sentado en un trono, en una escena cargada de fuego, destrucción y silencio.

    FFXV

    Después de ese arranque, el juego cambia de ritmo y presenta el viaje en carretera del príncipe junto a sus amigos de toda la vida: Ignis, Prompto y Gladiolus, quienes, aunque en un inicio se ven felices y todo eso, poco a poco vas descubriendo que son personas rotas con pasados trágicos, pero que aún así prefirieron crecer como personas y luchar por un bien mayor.

    Para no spoilear (y porque voy como a la mitad del juego), me limitaré a decir que las distintas versiones de “Somnus” marcan puntos de no retorno en la historia, la cual pasa de ser un viaje de hermandad a una carga individual marcada por el destino, el linaje y… pues… decisiones que quiebran.

    El sueño de los insomnes

    La composición de Yōko Shimomura está conformada por un piano sencillo, un violín nostálgico que evoluciona a una base de cuerdas que crece de manera progresiva y aumenta la cadencia emocional. Aunque es muy corta, la canción tiene un clímax que condensa todo lo que va a vivir el Noctis.

    FFXV

    Hay dos versiones principales: la instrumental y la con voz. Esta última es cantada por Aundréa L. Hopkinsen en latín y la letra, básicamente, cuenta la historia de cómo los hijos de un dios dormido hacen un cagadero.

    El leitmotiv de la tragedia

    “Somnus” funciona como leitmotiv en el sentido más clásico. Representa el destino de Noctis y la carga que implica su papel de heredero del trono de un reino roto dentro de la historia. Cada vez que aparece, lo hace con variaciones que reflejan el estado del personaje y del entorno.

    En los primeros momentos, la canción sugiere que el entusiasta de las armas filosas aún no se comprende enteramente la carga que está destinado a llevar. Más adelante, cuando las consecuencias de sus actos empiezan a verse, el tema regresa a darle un golpe de realidad. Y al final (y esto lo sé porque lo vi en YouTube)… durísimo, hermanes; esa versión se llama “Somnus Ultima” y es el cierre para el relato de un verdadero rey.

    FFXV

    Escribir esto ya me antojó volver a jugar Final Fantasy XV y ahora sí terminarlo, aunque para ello tengo que buscarme un espacio en mi muy apretada agenda (estoy casando, jefe, inventen el día de 30 horas).

    Para cerrar, otras canciones que les recomiendo del Soundtrack de FFXV son “NOX AETERNA”, “Veiled in Black” y la basadísima “APOCALYPSIS NOCTIS”.

  • Alina Pash: brujería, política y resistencia cultural

    Alina Pash: brujería, política y resistencia cultural

    Conocí la música de Alina Pash hace algunas meses, como otra de esas recomendaciones random que te hace Instagram cuando andas doomscrolleando. Y wau: me voló la cabeza. Hace una mezcla muy mística de hip hop, electrónica y folk ucraniano, e integra en ella identidad cultural, simbolismos de su natal Ucrania y política, porque, aunque la gente tibia lo quiera negar (como la Rosalía) ABSOLÚTAMENTE TODO ES POLÍTICO.

    Así que (mi entras me como una rebanada de pastel de red velvet por un cumpleaños de la ofi) les contaré un poco de sus rimas durísimas, místicas… y que en su mayoría tengo que googlear porque no sé ucraniano.

    Alina Pash

    Raíces culturales y simbolismo espiritual

    Alina Pash creció en Transcarpatia, una región con una tradición muy marcada y que sigue viva, que no se ha dejado consumir ni desplazar por la voracidad de las potencias culturales de occidente… tal como ya paso en nuestro bizarro y surreal México.

    La primera canción suya que escuché fue “Oracle Flower”, la cual, por fortuna, está en su mayoría en inglés, pero la intro tiene unos coros muy místicos en ucraniano, acompañados de lo que hasta a la fecha no sé si es una zanfona o una gaita. Básicamente, habla acerca de rituales y enfrentar la sombra.

    La propia Alina ha explicado en entrevistas que su intención es “mezclar lo antiguo con lo nuevo para que no se pierda la esencia”, y que su proyecto busca mantener viva esa conexión con sus raíces dentro de un contexto moderno.

    Alina Pash

    Además, su bio de Spotify está durísima: “Estoy canalizando una curiosidad sin límites hacia la exploración de lo sobrenatural a través del arte, especialmente mediante la música. No tengo límites, no tengo cajas, y no conozco reglas en el proceso creativo porque, cuando me llama, respondo”.

    Canciones donde lo personal y lo colectivo se cruzan

    Uno de los puntos más interesantes de su música es cómo lo íntimo se conecta con lo colectivo. En “Bitanga”, mezcla lo urbano y lo tradicional, tanto en el ritmo como en la forma de interpretar.

    En su EP Amerikraine Dream, aborda temas como la migración, el deseo de salir, las expectativas económicas y la tensión entre lo local y lo global. Es como una mini bio de su experiencia existencial tras mudarse a Disparos Unidos.

    Con “Shadows of Forgotten Ancestors”, canción con la que ganó la selección nacional de Ucrania para el funado Eurovision, toma el nombre de una obra clave del cine ucraniano y se apoya en referencias culturales profundas para construir una pieza donde la identidad y la memoria son el eje.

    Alina Pash

    Todo es político x 2

    Sobre su trabajo, Alina Pash ha dicho que quiere “mostrar Ucrania tal como es, con su historia, su dolor y su belleza”, una idea que atraviesa varias de sus canciones y que explica por qué su música no se queda en lo superficial.

    La dimensión política en su arte no se reduce a decir: “que csm el político x”)”, sino que aparece en sus decisiones creativas, como cantar mayoritariamente en ucraniano, las referencias a su cultura que usa, hablar de sus prácticas espirituales y la manera en la que representa su territorio.

    Y, aunque no sepas ni pio de ucraniano, todo esto se siente a través de su música. Honestamente es una artista que, en mi nada humilde opinión, considero que nadie se debe perder. Ojalá algún día venga a México y saque las rimas brujiles.

  • Gelli Haha se alucina en las nubes con “Klouds Will Carry Me to Sleep”

    Gelli Haha se alucina en las nubes con “Klouds Will Carry Me to Sleep”

    Gelli Haha es una de esas artistas que conocí gracias a que me spameó su publicidad en IG. Recuerdo que me salió la foto de portado de su disco, en el que hace una composición much chida con los tres colores primarios y unos pupilentes rojos que le daban una vibe muy esquiza.

    Le piqué en escuchar y, tras hacer las mil maniobras que requiere IG para abrir un enlace de Spotify, me eché su sencillo “Bounce House”, el cual me cautivó: estaba super random, pero con unas vibes de circo teatral, coloridas y psicodélicokawaiianas muy chiditas.

    Gelli Haha

    En términos menos autistas (anulo funa porque tengo AuDHD), la música de Gelli Haha es un pop juguetón, visualmente cargado, que se centra en el juego como ingrediente principal de su expresión artística. Y justo así nació su “Gelliverso”, el cual recomiendo 100/10.

    Bueno, me eché su disco debut completo, Switcheroo, y e suna joyita. Justamente de la última canción, “Klouds Will Carry Me to Sleep”, acaba de sacar el video y recomiendo.

    Gelli Haha y las Hahas

    Justo como su apellido lo spoilea, el video (dirigido por David Gutelesta) muy haha: salen Gelli y sus panas haciendo coreografías divertidas, se da el rol por las nubes y los colores y la psicodelia dominan el apartado visual. En cuanto a qué dice la canción… es puro cotorreo.

    Honestamente, el de Gelli Haha es uno de los proyectos que he conocido de las maneras más random que me han encantado. So, aquí les dejo “Klouds Will Carry Me to Sleep”; disfrútenlo con calma, con su veneno de confianza y relájense un poco, les ayudará a bajar el cortisol que les hace acumular sus chambas.

  • “Hunting for Your Dream”: la canción que te hace vencer la depresión

    “Hunting for Your Dream”: la canción que te hace vencer la depresión

    “Ahora Kurápika está ahogándose en un vacío indescriptible”. Seguramente todos han visto un TikTok o meme de esta escena de Hunter X Hunter, en la que el personaje antes mencionado está super siendo consumido por la depresión, para hacer un corte al ending con la gloriosa “Hunting for Your Dream” de Galneryus (y si no, la verdad es que te falta cultura).

    Bueno, el coto es que la canción es super animada, up beat, positiva y su letra tiene un mensaje perseverancia, voluntad y crecimiento personal, es básicamente un “ánimo, delincuencia” en esteroides . Es como si “Hey Ya!” de Pocoloco fuera una rola (y si tampoco le sabes a esta referencia, te hace falta leer la Biblia 2, literalmente).

    大空も この大地も ♫♪

    “Hunting for Your Dream” salió en 2012 como parte del álbum Angel of Salvation, pero su verdadero alcance llegó cuando fue elegida como el segundo ending del anime Hunter × Hunter (2011), específicamente en la recta final del arco de las Hormigas Quimera, una trama durísima en la que Gon y compañía traen un fuerte desgaste físico, emocional y han tomado decisiones que no tienen vuelta atrás.

    Fuera del anime, la canción terminó volviéndose, además de un meme, uno de los himnos por excelencia de los amantes del metal japones, por lo pegadiza que es y además su potente mensaje de animo que te invita a no tirarte a la mierda y volverte el/la más bacanx en tu vida.

    La canción habla de perseguir un objetivo personal (o simplemente vivir) aunque el camino sea incierto y difícil. ¿Cómo? Pues no rindiéndose y fortaleciéndote con toda experiencia vivida. La letra insiste en avanzar, mantenerse firme y no perder de vista lo que uno quiere.

    “Hunting for Your Dream” también remarca algo: 100pre hay que estar en movimiento, (keep walking ,diría en Johnny Walker *patrocínameeeee*), porque, cómo diría Juan Gabriel: “el tiempo pasa y no perdona”.

    Además, ¿Qué hay mejor que disfrutar del proceso? La canción te sugiere justamente que toda experiencia vivida, situación, escenario, etc. etc., te enseñan algo y eso es lo que le da sabor al viaje.

    Así que ánimo, delincuencias, escuchen este joya de Galneryus cuando les gane la ansiedad y crean que su existencia es fútil. Y recuerden: el camino/proceso de cada persona es diferente, so gocen del suyo, porque quien disfruta de las pequeñas cosas y se divierte mientras construye ya ganó.

  • No Straight Roads: cuando el rock y el EDM se echaron un tiro

    No Straight Roads: cuando el rock y el EDM se echaron un tiro

    Hoy en una entrega nueva de “videojuegos que compré solo por su música” (al parecer me va a dar para una serie larga), hablaré de No Straight Roads, una joyita indie cuya trama literalmente se centra en la lucha entre el rock y el EDM (y sus derivados).

    Y no podía dejar de hablar de la mezcla interesante que tiene este juego con su apartado musical, porque honestamente tiene unos temazos que sería un crimen contra la humanidad si no los comparto.

    ¿No caminos derechos?

    No Straight Roads fue desarrollado por el estudio malasio Metronomik y publicado en 2020. Desde su concepción, el proyecto apostó por construir un juego donde la música fuera el centro de toda la experiencia. La historia sigue a Mayday y Zuke, los integrantes de la banda Bunk Bed Junction, la cual, tras de fracasar en una audición organizada por NSR, la disquera malvada/empresa que controla la energía de Vinyl City, que además domina la vida cultural de la ciudad a través del EDM.

    Nuestros panas no soportaron y por ello deciden enfrentarse al sistema y comenzar una revolución de dos pelados. Para ello, van a cantarle un tiro a cada uno de los artistas (esbirros de NSR), que controlan los distritos de la ciudad, para así devolverle espacio al rock y romper con la hegemonía de la electrónica, la cual, al parecer, aquí es de derecha alienada. Básicamente, el juego es una boss rush.

    Música hasta para aventar

    La banda sonora de No Straight Roads incluye una amalgama de talentos que nos dan un soundtrack variado, rico y versatil. Entre los artistas que participan están James Landino, Funk Fiction, Falk Au Yeong y Andy Tunstall, y cuenta con los aportes de Masahiro “Godspeed” Aoki, RoboRob, Tokyo Machine, Shota Nakama, Nikki Simmons, Ai Yamamoto, Az Samad, Clyde Rabatel Zapata y Tony Ann.

    Lo interesante es que cada tema principal de un jefe tiene tres versiones: la estándar, la rock y la EDM, y sí, son muy distintas entre sí. Además, la forma en la que te las van soltando es de acuerdo a que tanto haz avanzado en una pelea.

    Hay jefes que están completamente construidos desde un lenguaje musical específico. Por ejemplo, DJ Subatomic Supernova tiene con una base de electrónica progresiva que escala en intensidad conforme avanza el combate, con drops marcados y cambios de ritmo que acompañan cada fase.

    Mientras tanto, en el caso de Sayu, la pelea arranca como un tema muy drum ‘n bass kawaii; al pasar al la versión rock suena mucho como a opening de anime, pero lo GOD viene cuando entra la EDM: es fokin vaporwave 100/10.

    Otro caso es EVE, cuya batalla está montada sobre un pop electrónico más pulido, con estructura de canción comercial y una presencia muy marcada de sintetizadores, acorde a su personaje. Además, que cada una de sus versiones refleja la emotividad que el personaje tiene dentro de la trama.

    No Straight Roads es un juego corto, pero con mucha rejugabilidad. Además su música es uno de sus principales atractivos. Recomiendo 100% y lo mejor es que está en todas las plataformas.

  • ¿Por qué la canción de Simple Plan para Scooby-Doo es GOAT?

    ¿Por qué la canción de Simple Plan para Scooby-Doo es GOAT?

    Porque son Scooby-fokin-Doo y Simple Plan. ¿Necesitas más razones? Lols. Pero bueno, cualquier pretexto es bueno para hablar hablar de esta canción (que está en gran parte de mis playlists), así que let’s gooooo.

    Breve historia del pop-punk de Scooby galletas

    Cuando What’s New, Scooby-Doo? salió en 2002, Warner Bros. Animation buscaba actualizar la franquicia sin romper la fórmula clásica del Scooby, el Shaggy, el Fred, la Daphne y la Velma viajando de ciudad en ciudad resolviendo misterios y desenmascarando a criminales randoms (muy posiblemente furros).

    A diferencia del Scooby-Doo clásico (el cual crecí viendo), el ritmo narrativo era mucho más ágil, los colores estaban mucho más saturados y el cast tenía personalidades más marcadas, joviales y alegres.

    scubidubidu

    So, la empresa contactó a Simple Plan, quienes por esos años eran famosos por clásicos como “Perfect”, “Welcome to my life” y “I’m just a kid”.

    La canción fue escrita por la banda junto con Arnold Hennings y Ron Wasserman, compositor de televisión conocido por su trabajo en Power Rangers, serie que quizás tiene uno de los intros más duros de toda la historia. El objetivo era crear un tema juvenil, energético, alegre y que diera las vibes de que el Scooby y el Shaggy podrían perseguir criminales enmascarados sobre patineta junto al Tony Hawk.

    “What’s new Scooby-Doo? We’re coming after you…”… tremendo inicio me hace sentir como el crítico de Ratatouille cuando come el (valga la redundancia) ratatouille.

    Y listo: una canción de poco más de un minuto se convirtió en una de las mejores canciones hechas para TV del mundo. Weeey, la rola es tan peak que Simple Plan la toca en sus conciertos con gente (seguro therians) disfrazada con mamelucos de Scooby-Doo corriendo sobre el escenario.

    Y ya. Eso es todo, mis chicos entrometidos. Ahora vuelvan a jalar o lo que sea que estaban haciendo. Y busquen el capítulo en el que justo Simple Plan sale con el Scooby, es verdadero cine 🚬.

  • Valensia y el viaje sinfónico de Air Twister

    Valensia y el viaje sinfónico de Air Twister

    Honestamente, muchos de los videojuegos que he comprado en mi vida ha sido por el soundtrack, y uno de ellos es Air Twister: un shooter super oscuro, pero bien bonito, para el cual Valensia hizo una banda sonora 10/10. Y justo ese es el tema que nos compete hoy.

    Una colaboración muy random, pero muy épica

    Hace unos pocos años, Yu Suzuki (el legendario diseñador japonés detrás de Space Harrier, Out Run y Shenmue) decidió regresar a los shooters arcade e ideo Air Twister, el cual tenía en mente como una experiencia surrealista, cinematográfica (kinda), colorida y muy cute.

    En el juego controlas a La princesa Arch, una guerrera que surca los cielos enfrentándose a hordas de criaturas fantásticas y enemigos mecánicos en escenarios muy random, junto a sus animales mágicos, entre ellos un cua cuá gigante 🦆🦆🦆. El gameplay es básicamente Space Harrier y es sencillo, hasta que no sabes por donde te llegan las cosas.

    Para el juego Suzuki quería algo muy ópera rock decidió contactar a Valensia, pues es fan el compositor neerlandés. Su estilo grandilocuente lleno de coros, guitarras dramáticas y estructuras casi operáticas siempre le pareció perfecto para un videojuego de fantasía.

    Una sinfonía de fantasía

    Al parecer Suzuki es un hombre que resuelve, pues, como tenía idea de cómo contactar a Valensia, lo buscó en redes y le escribió directamente: “Le envié un mensaje explicando que yo era el creador de videojuegos Yu Suzuki, con un enlace a mi página de Wikipedia adjunto”, contó al respecto.

    Cuando le contestó, le habló del proyecto y Valensia aceptó. Para el juego, el neerlandés (conocido porque su trabajo está extremadamente influenciado por Queen) hizo 19 grabaciones, algunas las escribió específicamente para el proyecto, mientras que otras son nuevas versiones de canciones famosas.

    En algunos casos incluso fue necesario modificar material existente para que encajara mejor con la narrativa del juego. Suzuki recuerda que ciertas letras no coincidían con el tono del proyecto.

    Air Twister es un shooter, pero había letras sobre romper con tu novia y eso no encajaba con el contenido, así que le pedí que reescribiera y cambiara las letras para el juego”, relató Suzuki.

    Las composiciones están llenas de cambios de tempo, guitarras deliciosas, capas de voces corales y estructuras largas que sí suenan un chingo a Queen.

    El soundtrack de Air Twister es una experiencia que se disfruta literalmente en cualquier situación. Les recomiendo en especial “Phantom of the opera 2022”, “Gaia 2022” y “Princess mystique”.

    Y, ¿deberían comprar Air Twister? La verdad es que es muy barato y por lo general anda seguido en oferta, así que sí, recomiendo. Eso sí, no esperan acá un GOTY, pero si está chido para cotorrear en ratillos.

  • “Bury the Light”: el impacto cultural de Vergil de Devil May Cry 5 en el shitpost

    “Bury the Light”: el impacto cultural de Vergil de Devil May Cry 5 en el shitpost

    A estas alturas es muy poco probable (pero no imposible) que no hayas escuchado “Bury the Light” , el tema de Vergil en Devil May Cry 5. Es una canción épica que, además de hablar de su lore, se ha convertido en un fenómeno y una fuente de memes que serán estudiados en años por como parte fundamental de la cultura pop.

    Compuesta por Casey Edwards e interpretada por Victor Borba, la canción apareció en 2020 con Devil May Cry 5: Special Edition, la versión del juego que finalmente permitía usar a Vergil como personaje jugable. Con casi diez minutos de duración, es una de los temas peak de la historia de los videojuegos. y el metal progresivo.

    Guitarras densas, coros épicos, cambios de ritmo constantes y una letra que parece escrita desde la mente del propio Vergil construyen una pieza que mezcla drama, poder y fatalismo: alguien que renuncia a su humanidad para abrazar su poder demoniaco. El coro tiene además una línea que lo cambió todo: : “I am the storm that is approaching.”

    La canción que encapsula a Vergil

    Dentro de la narrativa de Devil May Cry, Vergil siempre ha sido el contrapunto perfecto de Dante. Si Dante representa el caos y la irreverencia, Vergil encarna la obsesión por el poder y la disciplina absoluta. “Bury the Light” toma ese conflicto interno y lo convierte en música.

    La letra gira alrededor de la idea de enterrar la humanidad para abrazar el poder demoníaco, algo que define por completo la filosofía del personaje. La música sigue ese mismo arco emocional: comienza casi contemplativa, crece lentamente con capas de guitarras y sintetizadores, y termina estallando en una tormenta sonora que parece hecha para acompañar una batalla final.

    De soundtrack a fenómeno cultural

    Pero más allá de que esté bien épica “Bury the Light” se convirtió en un meme entre los fans de DMC5 comenzaron a apropiarse de ella. Comenzaron a sacar edits de Vergil caminando con calma antes de una pelea, montajes absurdos y videos de peleas épicas comenzaron a circular por YouTube, TikTok y Reddit acompañados por el mismo momento de la canción: la entrada de la frase “I am the storm that is approaching.”

    @mau_lisha117 sunflower in the storm 🌻⛈🌧🌪#devilmancry #imthestormthatisapproaching #fyppppppppppppppppppppppp #funny #fypシ #foryou #fyp #memestiktok ♬ Bury the Light – user

    Ese fragmento terminó convirtiéndose en una especie de señal universal de que algo absurdamente épico está a punto de ocurrir.

    Pero con el tiempo todo evoluciona y el meme también: la legendaria silla de plástico de Vergil. En muchos edits el personaje aparece sentado tranquilamente en una silla blanca de patio toda random justo antes de su pelea de jefe. Cabe destacar que la silla no está en el juego original, pero a algún moder se le ocurrió ponérsela por los LOLs. Absoluto cine 🚬.

    Hoy “Bury the Light” ocupa un lugar extraño y fascinante dentro de la música de videojuegos. Es al mismo tiempo soundtrack, canción de metal, meme y símbolo cultural no solo del fandom de Devil May Cry, sino de la cultura mundial del shitpost.

    Ahora sólo nos queda esperar a que cuando Capcom se digne a hacer Devil May Cry 6 nos de una rola igual de épica con un meme con el mismo nivel de epicidad.

  • Los Askis: cumbia andina, sabor y resistencia

    Los Askis: cumbia andina, sabor y resistencia

    Los Askis son GOD. Esa mezcla de música andina, cumbia y romanticismo no es solo la fórmula perfecta para sacar los prohibidos en las bodas, en la calle o donde sea que suenen esas zampoñas descendidas del cielo; también es una muestra ferviente de resistencia cultural que celebra nuestras raíces y herencia de la mejor manera: con música tremenda.

    Los orígenes de Los Askis se remontan a 1994. Ese año, además del Error de Diciembre, Miguel Hidalgo y compañía arrancaron un proyecto con el que querían alejarse del tropical estándar y mirar mucho más al sur del continente. Fusionaron quenas, charangos y zampoñas con la cumbia para dar origen a la cumbia andina mexa, un sonido que no existía formalmente en el panorama popular mexicano.

    Su statement fue musical y estético. ¿Qué mejor forma de darle más sabor a esa ricura que vistiendo ponchos y mezclando referencias visuales andinas con mexicas para gestar una identidad que celebra lo prehispánico, más en un contexto en el que lo masivo aspiraba a parecerse a lo gringo o europeo? Incluso “askis” significa “amigo” en otomí.

    Rolones como “Amor Regresa”, “Vienes y Te Vas” y “Amigos Nunca” siguen siendo parte del cancionero por excelencia de cualquier celebración. Sus letras, aunque cursis en una lectura superficial, exploran la psique, la condición humana y esas cosas internas que hacen que la gente se aferre al dolor… o a la idealización de lo que fue el amor. Migajerismo le dicen ahora.

    La cumbia andina como resistencia cultural

    En lo personal, mi amor por Los Askis nació gracias a mi padre. Tocaba en una rondalla y de repente cambiaban la trova por canciones andinas como “El pájaro chogüí” y “El cóndor pasa”. En su momento tenía que soportarlas, pero con los años aprendí a apreciar su construcción y su importancia cultural. Bueno, y si les metes cumbia… uffas. Nunca pude tocar la zampoña, btw.

    Es obvio que mucha gente siente algo parecido. No por nada Los Askis reunieron a más de 60 mil personas cuando se presentaron en diciembre pasado en el Zócalo.

    La cumbia andina mexicana de Los Askis es un espejo de identidad, tanto nacional como latinoamericana. Al incorporar quena, zampoña y charango dentro de una estructura bailable masiva, el grupo no solo creó un subgénero; activó una memoria cultural dentro del circuito popular.

    La música no es neutra: moldea y refleja identidades, articula narrativas históricas y reafirma pertenencias. Por eso la propuesta de Los Askis funciona como una afirmación simbólica de nuestra raíz latinoamericana e indígena. Además, fueron de los primeros grupos del género en grabar con disqueras importantes y en exportar su sonido.

    Los Askis, en cada uno de sus shows, realizan un acto de preservación activa y resistencia colectiva. Mantienen vivos, de cierta manera, los rituales y sonidos de nuestros antepasados y los legitiman en un mundo que constantemente intenta borrar o minimizar las identidades culturales no blancas.

    Así que, arriba Los Askiiiiiiiiiiiiiiis ¡Ajajaajajaaayyyyy!

  • The Amazing Devil: folclor, misticismo y teatro emocional

    The Amazing Devil: folclor, misticismo y teatro emocional

    Cuando artistas multidisciplinarios se unen para crear, por lo general salen cositas muy interesantes, y justo eso es The Amazing Devil: un dúo musical alternativo británico formado por Joey Batey y Madeleine Hyland en Londres, que suena místico y teatral por todo el background cultural y creativo que suman sus componentes.

    Su propuesta trasciende lo convencional del folk y lo convierte en un paisaje sonoro teatral y profundamente narrativo. Esto porque Joey y Madeleine se conocieron trabajando como actores en la Royal Shakespeare Company. Y bueno, se nota un chingo en sus composiciones repletas de emociones intensas, historias personales y atmósferas con tintes esotéricos.

    Musicalmente, The Amazing Devil ha sido descrito como una banda de folk alternativo dramático y lírico, cuyo sonido mezcla guitarras acústicas y eléctricas, piano, cello, flauta y percusiones que emergen desde lo orgánico y lo teatral. Aunque etiquetados como alt-folk, ese mote les queda chico: sus canciones pueden comenzar con melodías suaves y acústicas para después transformarse en arcos sonoros épicos o hipnóticos, como si cada tema fuera un cuento o mito musical en sí mismo.

    Sus letras y composiciones evocan paisajes, oníricos, emocionales y simbólicos, que se sienten tanto personales como universales: historias sobre relaciones, pérdidas, sueños y dolor que se acercan a lo simbólico y a lo arquetípico (bien jungiano el bisne). Lit con sus canciones recorres territorios narrativos intensos y oníricos, con un lirismo que recuerda a fábulas.

    Desde su álbum debut Love Run (2016) hasta The Horror and the Wild (2020) y Ruin (2021), el grupo ha ido consolidando una estética sonora que mezcla relatos teatrales con sensibilidad folk, llevada a un nivel donde cada canción funciona casi como un relato independiente, con inicio, nudo y desenlace emocional. Las letras están impregnadas de juego de palabras, metáforas oscuras y una narrativa que a menudo mezcla lo cotidiano con lo poético o lo inquietante.

    Su música también tiene una base performativa. El hecho de que ambos miembros provengan del teatro hace que esa estructura narrativa se note en sus temas. Es delicioso sentir cómo la vocalidad y la instrumentación confluyen en una especie de discurso dramático y místico en su intensidad expresiva.

    The Amazing Devil se ha convertido en una banda de culto. Y, lastimosamente, tal parece ser que sus fans van a tener que esperar un milagro o llamado mágico, pues desde 2023 lo único que se sabe de ellos es que anunciaron que estaban trabajando en su siguiente disco.

    Shout out a la Xime por enseñarme esta banda, la define como “música de brujitas”.