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  • No Straight Roads: cuando el rock y el EDM se echaron un tiro

    No Straight Roads: cuando el rock y el EDM se echaron un tiro

    Hoy en una entrega nueva de “videojuegos que compré solo por su música” (al parecer me va a dar para una serie larga), hablaré de No Straight Roads, una joyita indie cuya trama literalmente se centra en la lucha entre el rock y el EDM (y sus derivados).

    Y no podía dejar de hablar de la mezcla interesante que tiene este juego con su apartado musical, porque honestamente tiene unos temazos que sería un crimen contra la humanidad si no los comparto.

    ¿No caminos derechos?

    No Straight Roads fue desarrollado por el estudio malasio Metronomik y publicado en 2020. Desde su concepción, el proyecto apostó por construir un juego donde la música fuera el centro de toda la experiencia. La historia sigue a Mayday y Zuke, los integrantes de la banda Bunk Bed Junction, la cual, tras de fracasar en una audición organizada por NSR, la disquera malvada/empresa que controla la energía de Vinyl City, que además domina la vida cultural de la ciudad a través del EDM.

    Nuestros panas no soportaron y por ello deciden enfrentarse al sistema y comenzar una revolución de dos pelados. Para ello, van a cantarle un tiro a cada uno de los artistas (esbirros de NSR), que controlan los distritos de la ciudad, para así devolverle espacio al rock y romper con la hegemonía de la electrónica, la cual, al parecer, aquí es de derecha alienada. Básicamente, el juego es una boss rush.

    Música hasta para aventar

    La banda sonora de No Straight Roads incluye una amalgama de talentos que nos dan un soundtrack variado, rico y versatil. Entre los artistas que participan están James Landino, Funk Fiction, Falk Au Yeong y Andy Tunstall, y cuenta con los aportes de Masahiro “Godspeed” Aoki, RoboRob, Tokyo Machine, Shota Nakama, Nikki Simmons, Ai Yamamoto, Az Samad, Clyde Rabatel Zapata y Tony Ann.

    Lo interesante es que cada tema principal de un jefe tiene tres versiones: la estándar, la rock y la EDM, y sí, son muy distintas entre sí. Además, la forma en la que te las van soltando es de acuerdo a que tanto haz avanzado en una pelea.

    Hay jefes que están completamente construidos desde un lenguaje musical específico. Por ejemplo, DJ Subatomic Supernova tiene con una base de electrónica progresiva que escala en intensidad conforme avanza el combate, con drops marcados y cambios de ritmo que acompañan cada fase.

    Mientras tanto, en el caso de Sayu, la pelea arranca como un tema muy drum ‘n bass kawaii; al pasar al la versión rock suena mucho como a opening de anime, pero lo GOD viene cuando entra la EDM: es fokin vaporwave 100/10.

    Otro caso es EVE, cuya batalla está montada sobre un pop electrónico más pulido, con estructura de canción comercial y una presencia muy marcada de sintetizadores, acorde a su personaje. Además, que cada una de sus versiones refleja la emotividad que el personaje tiene dentro de la trama.

    No Straight Roads es un juego corto, pero con mucha rejugabilidad. Además su música es uno de sus principales atractivos. Recomiendo 100% y lo mejor es que está en todas las plataformas.

  • A esto suenan los libros que pronto serán cine o serie

    A esto suenan los libros que pronto serán cine o serie

    Para nadie es nuevo que a Hollywood le da hueva pensar y que gran parte de las series y películas que vemos son adaptaciones de libros, videojuegos etc., a veces bien logradas… y a veces nacen muertas.

    Y este 2026 se van a estrenar varias cositas adaptadas de libros, que veremos si les quedan buenas… o no. Quise hacer una playlist de a qué canciones sonaría cada libro/serie/peli, pero solo he leído uno. So, le pedí a un compa muy bibliófilo, Juanelo San Román (o Pana Libros), que me ayudara y ésta fue la playlist que se armó.

    Cinder (Las crónicas lunares – Marissa Meyer)

    La saga de Marissa Meyer ya está en proceso de adaptación como película animada de la mano de Warner Bros y Locksmith Animation, con dirección de Noëlle Raffaele y estreno previsto para 2028. La historia sigue a Cinder, una cíborg que intenta encontrar su lugar en una sociedad marcada por la desigualdad y una plaga mortal, mientras se ve envuelta en conflictos políticos con la colonia lunar.

    Pana Libros dice que esa mezcla entre ciencia ficción, cuento clásico y tensión emocional suena a “Season of the Witch” de Lana Del Rey.

    Atrapada en las vacaciones (Christina Lauren)

    Netflix ya tiene en marcha la adaptación de esta comedia romántica, con rodaje previsto para febrero de 2026 y un elenco que incluye a Maddie Ziegler y Rob Lowe, lo que coloca la historia en un terreno de romance ligero pero bien construido.

    Según Pana Libros, la novela funciona desde la química entre personajes, los encuentros inesperados y ese tipo de amor que aparece en momentos random. Suena a “Last Christmas” de Wham!, supongo que porque es random escucharla fuera de la Navidarks.

    No estás en la lista (Alison Espach)

    TriStar Pictures adquirió los derechos de la novela tras una fuerte puja entre estudios, y la adaptación estará dirigida por Will Speck y Josh Gordon, con guion de Nicole Holofcener. La historia gira en torno a una protagonista que se enfrenta a momentos incómodos, decisiones personales y una búsqueda de sentido que mezcla humor con momentos más duros. Pana Libros dice que suena a “Everybody’s Changing” de Keane.

    Cumbres Borrascosas (Emily Brontë)

    Esta ya salió y muecha gente me ha dicho que, o la amas, o te da asco. Esta adaptación es dirigida por Emerald Fennell y encabezada por Margot Robbie, Jacob Elordi y Alison Oliver.

    Pana Libros no se esforzó y dijo que suena a “Chains of Love” de Charli XCX... el tema principal de la peli.

    La Odisea (Homero)

    Este si lo leí lols. Christopher Nolan lleva este clásico a la pantalla con una producción bien bastarda: están usando cámaras IMAX y el elenco tiene a puro famoso como Matt Damon, Tom Holland, Anne Hathaway, Zendaya y Lupita Nyong’o. La historia (por si no lo leíste en la secundaria) sigue el viaje de Odiseo en su regreso a Ítaca. Y redundantemente, Pana Libros dice que suena a “Ithaka” de Vangelis.

    Heartstopper Forever (Alice Oseman)

    Este webcomic escaló en una serie que concluirá con un largometraje de Netflix este 2026, el cual adapta el volumen 6, con Joe Locke y Kit Connor retomando sus papeles de Nick y Charlie y participando también como productores ejecutivos. Pana Libros dice que suena a “Out of My League” de Fitz and the Tantrums.

  • ¿Por qué la canción de Simple Plan para Scooby-Doo es GOAT?

    ¿Por qué la canción de Simple Plan para Scooby-Doo es GOAT?

    Porque son Scooby-fokin-Doo y Simple Plan. ¿Necesitas más razones? Lols. Pero bueno, cualquier pretexto es bueno para hablar hablar de esta canción (que está en gran parte de mis playlists), así que let’s gooooo.

    Breve historia del pop-punk de Scooby galletas

    Cuando What’s New, Scooby-Doo? salió en 2002, Warner Bros. Animation buscaba actualizar la franquicia sin romper la fórmula clásica del Scooby, el Shaggy, el Fred, la Daphne y la Velma viajando de ciudad en ciudad resolviendo misterios y desenmascarando a criminales randoms (muy posiblemente furros).

    A diferencia del Scooby-Doo clásico (el cual crecí viendo), el ritmo narrativo era mucho más ágil, los colores estaban mucho más saturados y el cast tenía personalidades más marcadas, joviales y alegres.

    scubidubidu

    So, la empresa contactó a Simple Plan, quienes por esos años eran famosos por clásicos como “Perfect”, “Welcome to my life” y “I’m just a kid”.

    La canción fue escrita por la banda junto con Arnold Hennings y Ron Wasserman, compositor de televisión conocido por su trabajo en Power Rangers, serie que quizás tiene uno de los intros más duros de toda la historia. El objetivo era crear un tema juvenil, energético, alegre y que diera las vibes de que el Scooby y el Shaggy podrían perseguir criminales enmascarados sobre patineta junto al Tony Hawk.

    “What’s new Scooby-Doo? We’re coming after you…”… tremendo inicio me hace sentir como el crítico de Ratatouille cuando come el (valga la redundancia) ratatouille.

    Y listo: una canción de poco más de un minuto se convirtió en una de las mejores canciones hechas para TV del mundo. Weeey, la rola es tan peak que Simple Plan la toca en sus conciertos con gente (seguro therians) disfrazada con mamelucos de Scooby-Doo corriendo sobre el escenario.

    Y ya. Eso es todo, mis chicos entrometidos. Ahora vuelvan a jalar o lo que sea que estaban haciendo. Y busquen el capítulo en el que justo Simple Plan sale con el Scooby, es verdadero cine 🚬.

  • Valensia y el viaje sinfónico de Air Twister

    Valensia y el viaje sinfónico de Air Twister

    Honestamente, muchos de los videojuegos que he comprado en mi vida ha sido por el soundtrack, y uno de ellos es Air Twister: un shooter super oscuro, pero bien bonito, para el cual Valensia hizo una banda sonora 10/10. Y justo ese es el tema que nos compete hoy.

    Una colaboración muy random, pero muy épica

    Hace unos pocos años, Yu Suzuki (el legendario diseñador japonés detrás de Space Harrier, Out Run y Shenmue) decidió regresar a los shooters arcade e ideo Air Twister, el cual tenía en mente como una experiencia surrealista, cinematográfica (kinda), colorida y muy cute.

    En el juego controlas a La princesa Arch, una guerrera que surca los cielos enfrentándose a hordas de criaturas fantásticas y enemigos mecánicos en escenarios muy random, junto a sus animales mágicos, entre ellos un cua cuá gigante 🦆🦆🦆. El gameplay es básicamente Space Harrier y es sencillo, hasta que no sabes por donde te llegan las cosas.

    Para el juego Suzuki quería algo muy ópera rock decidió contactar a Valensia, pues es fan el compositor neerlandés. Su estilo grandilocuente lleno de coros, guitarras dramáticas y estructuras casi operáticas siempre le pareció perfecto para un videojuego de fantasía.

    Una sinfonía de fantasía

    Al parecer Suzuki es un hombre que resuelve, pues, como tenía idea de cómo contactar a Valensia, lo buscó en redes y le escribió directamente: “Le envié un mensaje explicando que yo era el creador de videojuegos Yu Suzuki, con un enlace a mi página de Wikipedia adjunto”, contó al respecto.

    Cuando le contestó, le habló del proyecto y Valensia aceptó. Para el juego, el neerlandés (conocido porque su trabajo está extremadamente influenciado por Queen) hizo 19 grabaciones, algunas las escribió específicamente para el proyecto, mientras que otras son nuevas versiones de canciones famosas.

    En algunos casos incluso fue necesario modificar material existente para que encajara mejor con la narrativa del juego. Suzuki recuerda que ciertas letras no coincidían con el tono del proyecto.

    Air Twister es un shooter, pero había letras sobre romper con tu novia y eso no encajaba con el contenido, así que le pedí que reescribiera y cambiara las letras para el juego”, relató Suzuki.

    Las composiciones están llenas de cambios de tempo, guitarras deliciosas, capas de voces corales y estructuras largas que sí suenan un chingo a Queen.

    El soundtrack de Air Twister es una experiencia que se disfruta literalmente en cualquier situación. Les recomiendo en especial “Phantom of the opera 2022”, “Gaia 2022” y “Princess mystique”.

    Y, ¿deberían comprar Air Twister? La verdad es que es muy barato y por lo general anda seguido en oferta, así que sí, recomiendo. Eso sí, no esperan acá un GOTY, pero si está chido para cotorrear en ratillos.

  • “Bury the Light”: el impacto cultural de Vergil de Devil May Cry 5 en el shitpost

    “Bury the Light”: el impacto cultural de Vergil de Devil May Cry 5 en el shitpost

    A estas alturas es muy poco probable (pero no imposible) que no hayas escuchado “Bury the Light” , el tema de Vergil en Devil May Cry 5. Es una canción épica que, además de hablar de su lore, se ha convertido en un fenómeno y una fuente de memes que serán estudiados en años por como parte fundamental de la cultura pop.

    Compuesta por Casey Edwards e interpretada por Victor Borba, la canción apareció en 2020 con Devil May Cry 5: Special Edition, la versión del juego que finalmente permitía usar a Vergil como personaje jugable. Con casi diez minutos de duración, es una de los temas peak de la historia de los videojuegos. y el metal progresivo.

    Guitarras densas, coros épicos, cambios de ritmo constantes y una letra que parece escrita desde la mente del propio Vergil construyen una pieza que mezcla drama, poder y fatalismo: alguien que renuncia a su humanidad para abrazar su poder demoniaco. El coro tiene además una línea que lo cambió todo: : “I am the storm that is approaching.”

    La canción que encapsula a Vergil

    Dentro de la narrativa de Devil May Cry, Vergil siempre ha sido el contrapunto perfecto de Dante. Si Dante representa el caos y la irreverencia, Vergil encarna la obsesión por el poder y la disciplina absoluta. “Bury the Light” toma ese conflicto interno y lo convierte en música.

    La letra gira alrededor de la idea de enterrar la humanidad para abrazar el poder demoníaco, algo que define por completo la filosofía del personaje. La música sigue ese mismo arco emocional: comienza casi contemplativa, crece lentamente con capas de guitarras y sintetizadores, y termina estallando en una tormenta sonora que parece hecha para acompañar una batalla final.

    De soundtrack a fenómeno cultural

    Pero más allá de que esté bien épica “Bury the Light” se convirtió en un meme entre los fans de DMC5 comenzaron a apropiarse de ella. Comenzaron a sacar edits de Vergil caminando con calma antes de una pelea, montajes absurdos y videos de peleas épicas comenzaron a circular por YouTube, TikTok y Reddit acompañados por el mismo momento de la canción: la entrada de la frase “I am the storm that is approaching.”

    @mau_lisha117 sunflower in the storm 🌻⛈🌧🌪#devilmancry #imthestormthatisapproaching #fyppppppppppppppppppppppp #funny #fypシ #foryou #fyp #memestiktok ♬ Bury the Light – user

    Ese fragmento terminó convirtiéndose en una especie de señal universal de que algo absurdamente épico está a punto de ocurrir.

    Pero con el tiempo todo evoluciona y el meme también: la legendaria silla de plástico de Vergil. En muchos edits el personaje aparece sentado tranquilamente en una silla blanca de patio toda random justo antes de su pelea de jefe. Cabe destacar que la silla no está en el juego original, pero a algún moder se le ocurrió ponérsela por los LOLs. Absoluto cine 🚬.

    Hoy “Bury the Light” ocupa un lugar extraño y fascinante dentro de la música de videojuegos. Es al mismo tiempo soundtrack, canción de metal, meme y símbolo cultural no solo del fandom de Devil May Cry, sino de la cultura mundial del shitpost.

    Ahora sólo nos queda esperar a que cuando Capcom se digne a hacer Devil May Cry 6 nos de una rola igual de épica con un meme con el mismo nivel de epicidad.

  • Shadows of the Damned: cuando el punk de The Damned sonó en el infierno

    Shadows of the Damned: cuando el punk de The Damned sonó en el infierno

    No hay nada más peak que una banda que comparte la mitad del nombre de tu juego termine cantando su tema principal. Y eso fue exactamente lo que ocurrió con Shadows of the Damned, shooter infernal de Suda 51, y la mítica banda de punk The Damned.

    A más de una década de su lanzamiento original(y su reciente remasterización en 2024) “Theme of Shadows of The Damned” se mantiene como una de mis canciones favoritas y hoy toca hablar de ella, y del juego y proyecto en general.

    El azote mexicano del infierno

    Cuando el título apareció originalmente en 2011 ya era una colaboración que apuntaba a que iba a ser de las GOD: en ella trabajaron juntos Shinji Mikami, el creador de Resident Evil; Goichi Suda (Suda51), el loco detrás de No More Heroes; y Akira Yamaoka, el legendario compositor Silent Hill.

    El resultado fue un juego grotesco, violento y cargado de humor negro que sigue a Garcia Hotspur, un cazador de demonios mexicano que, junto a su pistola parlante Johnson, desciende al infierno para rescatar a su novia Paula. Algo así como una Divina Comedia, pero sin ser un fanfic isekai de época (¿o no mi Dante?).

    Akira Yamaoka y un infierno con guitarras

    El soundtrack compuesto por Akira Yamaoka abandona en gran medida el tono melancólico, industrial y estresante que lo hizo famoso en Silent Hill para explorar algo mucho más visceral: en este predominan guitarras distorsionadas, ritmos pesados y una atmósfera que mezcla horror con rock oscuro y punk.

    La música acompaña el descenso de Garcia por distintos niveles infernales con un enfoque mucho más físico y agresivo. Algunas piezas funcionan como ambient inquietante que refuerza la sensación de estar en un mundo corrompido, mientras que otras explotan en riffs eléctricos que impulsan la acción durante los momentos de acción.

    El álbum oficial, “Shadows of the Damned Original Music From Akira Yamaoka”, incluye más de veinte pistas que combinan instrumentales tensos con temas cantados que aportan una dimensión distinta al juego. Entre las voces que aparecen en el soundtrack destaca Mary Elizabeth McGlynn, colaboradora frecuente de Yamaoka desde los días de Silent Hill, cuya presencia conecta ambos universos musicales.

    The Damned da voz a los malditos

    Pero la que quizá es la mejor canción del OST es el tema principal, el cual cuenta con la participación de David Vanian, vocalista de The Damned. Durante la fase de producción del soundtrack Yamaoka estaba buscando una voz que encajara con el tono oscuro y teatral del juego, y recurrió a Vanian por su inconfundible voz. Lo invitó a participar, aceptó y el resto es el tremendo rolón.

    “Theme of Shadows of The Damned” es una pieza que mezcla guitarras pesadas con una interpretación vocal grave y dramática que encaja perfectamente con el imaginario infernal del juego. La canción es cierre brutal para la experiencia (spoilers: no termina bien).

    En retrospectiva, la colaboración está cabrona y merece tener muchas más atención que la que recibió originalmente, pues fue (y sigue siendo) un juego muy de nicho. Además, como suele suceder, la OST solo está disponible en YouTube. So, aquí se las dejo para su disfrute personal.

  • Metal: Hellsinger, una travesía rítmica llena de plomo a través del infierno

    Metal: Hellsinger, una travesía rítmica llena de plomo a través del infierno

    Para nadie que tenga años jugando videojuegos es novedad que este medio está sumamente relacionado con la música, y que cada género suele estar relacionado (valga la redundancia) a géneros en específico. En concreto, los shooters van mucho de la mano con el metal. Y justamente Metal: Hellsinger es el pináculo de ello.

    El juego, desarrollado por The Outsiders y publicado por Funcom, parte de una idea sencilla pero GOD: fusionar los disparos con el ritmo y el fokin metal. ¿Y cómo se traduce eso al gameplay? Fácil: soltar tiros al beat de unas rolas pesadas bien duras.

    En Metal: Hellsinger controlamos a The Unknown, la barda infernal, una guerrera mitad humana mitad demonio (o ángel… ups spoliers) que atraviesa los círculos del infierno en busca de venganza contra la Jueza Roja, quien le arrebató su voz.

    Cada acción que el jugador ejecuta siguiendo el beat aumenta un multiplicador de daño y mantiene el flujo del combate. Además, si disparas sin ritmo, pues tus balas palen pa’ nada. Y la cereza del pastel está en la música: las canciones evolucionan conforme el jugador mantiene el ritmo: primero aparecen los instrumentos base, luego entran guitarras más pesadas, la batería se vuelve más intensa y, finalmente, las voces llegan a partir tímpanos.

    Un OST de los GOD

    La banda sonora es el verdadero protagonista de Metal: Hellsinger. Fue compuesta por el dúo Two Feathers, pero el juego eleva su propuesta gracias a la participación de algunos de los vocalistas más reconocidos de la escena metal internacional.

    Cada nivel del juego está acompañado por una canción diseñada específicamente para el combate rítmico. Estos temas están durísimos… pero es una lástima que sólo los puedes escuchar en el juego y ripeados en YouTube.

    Entre los artistas invitados se encuentran Alissa White-Gluz, conocida por su trabajo con Arch Enemy, cuya potencia vocal aporta una energía agresiva y técnica; y Tatiana Shmayluk, voz de Jinjer, cuya interpretación combina brutalidad y precisión vocal en uno de los niveles más memorables del juego.

    Pero la canción que literalmente santifica a tirso al infierno es la del jefe final: “No tomorrow” , la cual tiene al legendario Serj Tankian de System of a Down. Su interpretación eleva la batalla a una especie de catarsis climática que verdaderamente es absoluto cine 🚬.

    Metal y videojuegos: una alianza de años

    Parte de lo que hace tan especial a Metal: Hellsinger es que es un proyecto hecho por verdaderos fans del metal. El juego no utiliza el género como simple estética agresiva. Su diseño, su música y su ritmo responden a la lógica del género.

    Esto conecta con una relación histórica que existe desde hace décadas entre el metal y los videojuegos. Desde los años noventa, títulos como DOOM o Quake definieron la identidad sonora de los shooters con guitarras distorsionadas, baterías potentes y atmósferas oscuras. Aquellas bandas sonoras ayudaron a construir la conexión entre la intensidad del metal y la acción interactiva.

    Metal: Hellsinger es una joya que todx fan del metal debería de probar. El único punto “negativo” que yo le vería es que es muy corto (aunque sacaron unos DLCs con rolas nuevas). Bueno, cálenlo y arrasen el infiero a escopetazos alv viejón.

  • No Te Va Gustar redefine su energía en “Florece en el Caos”

    No Te Va Gustar redefine su energía en “Florece en el Caos”

    Con Florece en el Caos, No Te Va Gustar abre una nueva etapa creativa en su trayectoria. El álbum, lanzado a sus 30 años de carrera, marca un giro en la energía de la banda: ahora más directa, áspera y concentrada, pero sin desprenderse de la raíz melódica y emocional que les da identidad.

    En este nuevo trabajo, el grupo uruguayo condensa su sonido en un formato más cohesionado. Las guitarras suenan mas filosas, la sección de vientos dialoga con más enfoque y la base rítmica sostiene un pulso firme que atraviesa todo el disco. Hay menos dispersión estilística y más intención conceptual.

    Madurez lírica y cohesión sonora

    Las letras de Florece en el Caos profundizan en preocupaciones universales desde un lugar más contemplativo. La banda aborda la incertidumbre, el desgaste, la resiliencia y la esperanza sin grandilocuencia, con una mirada que refleja madurez artística. El caos al que alude el título no funciona como derrota, sino como terreno fértil para reconstruir.

    Musicalmente, el disco conserva la esencia híbrida de NTVG, pero con una producción más enfocada y una unidad estética clara. Cada canción parece responder a un mismo clima emocional.

    Un nuevo ciclo en movimiento

    Florece en el Caos no se presenta como el punto de partida de un ciclo que continuará en una extensa gira internacional durante 2026. El recorrido incluirá fechas por Latinoamérica y Europa.

    En México, la banda visitará Guadalajara, Querétaro, Puebla, Monterrey, León y Ciudad de México en agosto. Así que si son fans del grupo compuesto por Emiliano Brancciari, Martín Gil, Denis Ramos, Mauricio Ortiz, Diego Bartaburu, Pablo Coniberti, Guzmán Silveira y Francisco Nasser, estén atentos para cuando se acerque su visita a México.

  • Vive el viaje espiritual de Gorillaz en The Mountain

    Vive el viaje espiritual de Gorillaz en The Mountain

    Para celebrar el lanzamiento de su noveno álbum de estudio, The Mountain, Gorillaz presenta un cortometraje animado de ocho minutos titulado “The Mountain, The Moon Cave & The Sad God”. La pieza, disponible a través del sello propio de la banda, KONG, es una extensión visual del universo narrativo del disco.

    Dirigido por Jamie Hewlett, cocreador del proyecto, junto al estudio londinense THE LINE, el cortometraje sigue a Noodle, Murdoc, 2D y Russel en un viaje por la India. La historia explora los temas centrales del álbum: el tránsito por la vida, la búsqueda espiritual y la intensidad de existir… ¿lograrán escapar del Samsara?

    Un regreso a la animación 2D artesanal

    La película es un regreso a la animación hecha a mano. Hewlett, acompañado por Max Taylor y Tim McCourt de THE LINE, desarrolló el proyecto durante 18 meses. El resultado es una obra que rinde homenaje a la época dorada de la animación 2D, con una estética inspirada en el cine animado de los años sesenta. De hecho, si te acuerdas de “El libro de la selva”, varias escenas te van a sonar.

    El proceso combinó técnicas analógicas y digitales, priorizando fondos pintados a mano, materiales físicos y efectos prácticos en lugar de soluciones contemporáneas automatizadas. La intención fue reinterpretar el mundo de Gorillaz desde una lente cinematográfica clásica, apostando por textura, detalle y profundidad visual.

    En la narrativa del cortometraje, Murdoc Niccals, Russel Hobbs, 2D y Noodle llegan a Mumbai con pasaportes falsos gestionados por un contacto de Murdoc en Nueva York. Lejos del estrellato pop internacional, la banda se sumerge en un proceso creativo marcado por lo místico y lo introspectivo, recorriendo paisajes montañosos que funcionan como metáfora del viaje vital.

    Un álbum global y colaborativo

    The Mountain es descrito como un paisaje sonoro expansivo que integra instrumentos tradicionales, texturas contemporáneas y una amplia red de colaboradores. El disco incluye 15 canciones y cuenta con participaciones de artistas como Ajay Prasanna, Anoushka Shankar, Asha Bhosle, Bizarrap, Black Thought, Johnny Marr, Sparks, Trueno y Yasiin Bey, entre muchos otros. También incorpora voces de colaboradores históricos ya fallecidos, como Bobby Womack, Tony Allen y Dennis Hopper.

    El álbum fue producido por Gorillaz junto a James Ford, Samuel Egglenton y Remi Kabaka Jr., además de Bizarrap en una de las pistas. Se grabó en Studio 13 en Londres y Devon, así como en diversas locaciones de India, Medio Oriente y Estados Unidos. Las canciones incluyen interpretaciones en árabe, inglés, hindi, español y yoruba.

    The Mountain Tour 2026

    La banda acompañará el lanzamiento con The Mountain Tour, que recorrerá estadios del Reino Unido e Irlanda en la primavera de 2026. La gira comenzará el 20 de marzo en Mánchester y pasará por ciudades como Birmingham, Glasgow, Leeds, Cardiff, Nottingham, Liverpool, Belfast y Dublín. El 20 de junio de 2026 ofrecerán un concierto especial en el Tottenham Hotspur Stadium de Londres, con Sparks y Trueno como invitados en fechas seleccionadas.

  • Lyria 3 de Google y la erosión del oficio musical

    Lyria 3 de Google y la erosión del oficio musical

    Google presentó Lyria 3, el nuevo modelo de música generativa desarrollado por Google DeepMind, capaz de crear canciones completas (con letra, voz e instrumental) a partir de un prompt o incluso de una imagen subida por el usuario. La herramienta está integrada en Gemini y marca un paso más en la carrera por automatizar la creatividad (turbio).

    Según ha explicado Google, Lyria 3 no solo “mejora” la calidad del audio respecto a versiones anteriores, sino que introduce capacidades multimodales: puede “interpretar” imágenes y convertirlas en piezas musicales coherentes con la atmósfera visual. El salto no es técnico únicamente. Es conceptual.

    O sea, muy chido y todo, pero la IA está haciendo aquello que, en teoría, íbamos a hacer nosotros tras poner a chambear a los robots: el trabajo creativo. Y eso no nos gusta a muchos por las implicaciones éticas y artísticas que y tendrá.

    En 2023 y 2024, más de 200 artistas, como Billie Eilish y Stevie Wonder, firmaron una carta pública impulsada por la Artist Rights Alliance exigiendo regulaciones claras sobre el uso de IA en la música y denunciando el entrenamiento de modelos con obras protegidas sin consentimiento explícito.

    La preocupación no es hipotética: varias investigaciones de medios como Rolling Stone y The Guardian han documentado cómo modelos generativos han sido entrenados con grandes volúmenes de música existente, lo que ha desatado litigios en Estados Unidos y Europa.

    Además, el caso de canciones generadas por IA que imitaban voces de artistas, como FlowGPT que hizo llorar a Bad Bunny (aunque sí tenía unos temazos, la verdad) evidenció que la tecnología ya te puede reemplazar, sorta. Bueno, y si lo sumas con los deep fakes, las posibilidades son muuuuy turbias.

    Lyria 3 sí va a ser una herramienta divertida que te permita crear una balada sobre tu perro cojo o un perreito bien marrano basado en una de tus fotos familiares. Incluso le va a brindar posibilidades de creación a quienes no tienen conocimientos ni educación musical. Pero a qué costo.

    ¿Desaparecerán los músicos? claro que no, pero lo que sí sucederá es una erosión gradual del valor del oficio. La música hecha por humanos (al igual que cualquier expresión artística) implica tiempo, aprendizaje, error, vida y contexto. La música generada por IA implica velocidad, eficiencia y predicción estadística basada en patrones previos.

    Cuando cualquiera puede generar una “canción profesional” en segundos sin saber armonía, sin tocar un instrumento y sin escribir una línea, la experiencia artística se transforma en producción de contenido. El proceso deja de importar. Solo importa el resultado inmediato. Pero, seamos honestos, disfrutar del proceso es lo que le da sabor a la vida misma.

    No obstante, da curiosidad ver qué será el nuevo Tralalero Tralalá en versión auditiva. ¿Nos acercamos cada día más a una distopía tecnológica? Ya estamos ahí, viejx. Pero, al menos queda un consuelo: la IA jamás superará lo random de la mente mexicana, alv viejones.