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  • Alina Pash: brujería, política y resistencia cultural

    Alina Pash: brujería, política y resistencia cultural

    Conocí la música de Alina Pash hace algunas meses, como otra de esas recomendaciones random que te hace Instagram cuando andas doomscrolleando. Y wau: me voló la cabeza. Hace una mezcla muy mística de hip hop, electrónica y folk ucraniano, e integra en ella identidad cultural, simbolismos de su natal Ucrania y política, porque, aunque la gente tibia lo quiera negar (como la Rosalía) ABSOLÚTAMENTE TODO ES POLÍTICO.

    Así que (mi entras me como una rebanada de pastel de red velvet por un cumpleaños de la ofi) les contaré un poco de sus rimas durísimas, místicas… y que en su mayoría tengo que googlear porque no sé ucraniano.

    Alina Pash

    Raíces culturales y simbolismo espiritual

    Alina Pash creció en Transcarpatia, una región con una tradición muy marcada y que sigue viva, que no se ha dejado consumir ni desplazar por la voracidad de las potencias culturales de occidente… tal como ya paso en nuestro bizarro y surreal México.

    La primera canción suya que escuché fue “Oracle Flower”, la cual, por fortuna, está en su mayoría en inglés, pero la intro tiene unos coros muy místicos en ucraniano, acompañados de lo que hasta a la fecha no sé si es una zanfona o una gaita. Básicamente, habla acerca de rituales y enfrentar la sombra.

    La propia Alina ha explicado en entrevistas que su intención es “mezclar lo antiguo con lo nuevo para que no se pierda la esencia”, y que su proyecto busca mantener viva esa conexión con sus raíces dentro de un contexto moderno.

    Alina Pash

    Además, su bio de Spotify está durísima: “Estoy canalizando una curiosidad sin límites hacia la exploración de lo sobrenatural a través del arte, especialmente mediante la música. No tengo límites, no tengo cajas, y no conozco reglas en el proceso creativo porque, cuando me llama, respondo”.

    Canciones donde lo personal y lo colectivo se cruzan

    Uno de los puntos más interesantes de su música es cómo lo íntimo se conecta con lo colectivo. En “Bitanga”, mezcla lo urbano y lo tradicional, tanto en el ritmo como en la forma de interpretar.

    En su EP Amerikraine Dream, aborda temas como la migración, el deseo de salir, las expectativas económicas y la tensión entre lo local y lo global. Es como una mini bio de su experiencia existencial tras mudarse a Disparos Unidos.

    Con “Shadows of Forgotten Ancestors”, canción con la que ganó la selección nacional de Ucrania para el funado Eurovision, toma el nombre de una obra clave del cine ucraniano y se apoya en referencias culturales profundas para construir una pieza donde la identidad y la memoria son el eje.

    Alina Pash

    Todo es político x 2

    Sobre su trabajo, Alina Pash ha dicho que quiere “mostrar Ucrania tal como es, con su historia, su dolor y su belleza”, una idea que atraviesa varias de sus canciones y que explica por qué su música no se queda en lo superficial.

    La dimensión política en su arte no se reduce a decir: “que csm el político x”)”, sino que aparece en sus decisiones creativas, como cantar mayoritariamente en ucraniano, las referencias a su cultura que usa, hablar de sus prácticas espirituales y la manera en la que representa su territorio.

    Y, aunque no sepas ni pio de ucraniano, todo esto se siente a través de su música. Honestamente es una artista que, en mi nada humilde opinión, considero que nadie se debe perder. Ojalá algún día venga a México y saque las rimas brujiles.

  • “Hunting for Your Dream”: la canción que te hace vencer la depresión

    “Hunting for Your Dream”: la canción que te hace vencer la depresión

    “Ahora Kurápika está ahogándose en un vacío indescriptible”. Seguramente todos han visto un TikTok o meme de esta escena de Hunter X Hunter, en la que el personaje antes mencionado está super siendo consumido por la depresión, para hacer un corte al ending con la gloriosa “Hunting for Your Dream” de Galneryus (y si no, la verdad es que te falta cultura).

    Bueno, el coto es que la canción es super animada, up beat, positiva y su letra tiene un mensaje perseverancia, voluntad y crecimiento personal, es básicamente un “ánimo, delincuencia” en esteroides . Es como si “Hey Ya!” de Pocoloco fuera una rola (y si tampoco le sabes a esta referencia, te hace falta leer la Biblia 2, literalmente).

    大空も この大地も ♫♪

    “Hunting for Your Dream” salió en 2012 como parte del álbum Angel of Salvation, pero su verdadero alcance llegó cuando fue elegida como el segundo ending del anime Hunter × Hunter (2011), específicamente en la recta final del arco de las Hormigas Quimera, una trama durísima en la que Gon y compañía traen un fuerte desgaste físico, emocional y han tomado decisiones que no tienen vuelta atrás.

    Fuera del anime, la canción terminó volviéndose, además de un meme, uno de los himnos por excelencia de los amantes del metal japones, por lo pegadiza que es y además su potente mensaje de animo que te invita a no tirarte a la mierda y volverte el/la más bacanx en tu vida.

    La canción habla de perseguir un objetivo personal (o simplemente vivir) aunque el camino sea incierto y difícil. ¿Cómo? Pues no rindiéndose y fortaleciéndote con toda experiencia vivida. La letra insiste en avanzar, mantenerse firme y no perder de vista lo que uno quiere.

    “Hunting for Your Dream” también remarca algo: 100pre hay que estar en movimiento, (keep walking ,diría en Johnny Walker *patrocínameeeee*), porque, cómo diría Juan Gabriel: “el tiempo pasa y no perdona”.

    Además, ¿Qué hay mejor que disfrutar del proceso? La canción te sugiere justamente que toda experiencia vivida, situación, escenario, etc. etc., te enseñan algo y eso es lo que le da sabor al viaje.

    Así que ánimo, delincuencias, escuchen este joya de Galneryus cuando les gane la ansiedad y crean que su existencia es fútil. Y recuerden: el camino/proceso de cada persona es diferente, so gocen del suyo, porque quien disfruta de las pequeñas cosas y se divierte mientras construye ya ganó.

  • No Straight Roads: cuando el rock y el EDM se echaron un tiro

    No Straight Roads: cuando el rock y el EDM se echaron un tiro

    Hoy en una entrega nueva de “videojuegos que compré solo por su música” (al parecer me va a dar para una serie larga), hablaré de No Straight Roads, una joyita indie cuya trama literalmente se centra en la lucha entre el rock y el EDM (y sus derivados).

    Y no podía dejar de hablar de la mezcla interesante que tiene este juego con su apartado musical, porque honestamente tiene unos temazos que sería un crimen contra la humanidad si no los comparto.

    ¿No caminos derechos?

    No Straight Roads fue desarrollado por el estudio malasio Metronomik y publicado en 2020. Desde su concepción, el proyecto apostó por construir un juego donde la música fuera el centro de toda la experiencia. La historia sigue a Mayday y Zuke, los integrantes de la banda Bunk Bed Junction, la cual, tras de fracasar en una audición organizada por NSR, la disquera malvada/empresa que controla la energía de Vinyl City, que además domina la vida cultural de la ciudad a través del EDM.

    Nuestros panas no soportaron y por ello deciden enfrentarse al sistema y comenzar una revolución de dos pelados. Para ello, van a cantarle un tiro a cada uno de los artistas (esbirros de NSR), que controlan los distritos de la ciudad, para así devolverle espacio al rock y romper con la hegemonía de la electrónica, la cual, al parecer, aquí es de derecha alienada. Básicamente, el juego es una boss rush.

    Música hasta para aventar

    La banda sonora de No Straight Roads incluye una amalgama de talentos que nos dan un soundtrack variado, rico y versatil. Entre los artistas que participan están James Landino, Funk Fiction, Falk Au Yeong y Andy Tunstall, y cuenta con los aportes de Masahiro “Godspeed” Aoki, RoboRob, Tokyo Machine, Shota Nakama, Nikki Simmons, Ai Yamamoto, Az Samad, Clyde Rabatel Zapata y Tony Ann.

    Lo interesante es que cada tema principal de un jefe tiene tres versiones: la estándar, la rock y la EDM, y sí, son muy distintas entre sí. Además, la forma en la que te las van soltando es de acuerdo a que tanto haz avanzado en una pelea.

    Hay jefes que están completamente construidos desde un lenguaje musical específico. Por ejemplo, DJ Subatomic Supernova tiene con una base de electrónica progresiva que escala en intensidad conforme avanza el combate, con drops marcados y cambios de ritmo que acompañan cada fase.

    Mientras tanto, en el caso de Sayu, la pelea arranca como un tema muy drum ‘n bass kawaii; al pasar al la versión rock suena mucho como a opening de anime, pero lo GOD viene cuando entra la EDM: es fokin vaporwave 100/10.

    Otro caso es EVE, cuya batalla está montada sobre un pop electrónico más pulido, con estructura de canción comercial y una presencia muy marcada de sintetizadores, acorde a su personaje. Además, que cada una de sus versiones refleja la emotividad que el personaje tiene dentro de la trama.

    No Straight Roads es un juego corto, pero con mucha rejugabilidad. Además su música es uno de sus principales atractivos. Recomiendo 100% y lo mejor es que está en todas las plataformas.

  • Top 3 canciones para los Viernes de Mimosas en la oficina

    Top 3 canciones para los Viernes de Mimosas en la oficina

    Es viernes y faltan pocas horas para disfrutar del fin de semana… y tratar de no pensar que el lunes regresaremos a ser Sísifo, empujando la piedra en el cerro llamado capitalismo tardío, una y otra vez, de lunes a viernes (menos puentes y Navidad)…

    Bueno, no todo es nihilismo, aquí puro team #hopecore. So, para hacer más amena la jornada laboral, en la oficina conseguimos una membresía a una de esas tiendas de mayoreo que le encanta a la gente que vende pasteles a sobreprecio, y nos armamos un arsenal de botellas de mimosas ya preparadas.

    Para celebrar la camaradería, las bebidas espirituosas muy dulces y la vida, aquí les regalo las canciones que puse en las bocinas mientras disfrutábamos de los pequeños placeres.

    Vámonos pa’l monte – Eddie Palmieri

    Ésta es la forma más deliciosa en la que debe iniciar la degustación de una mimosa en tu escritorio. Esta tremenda rola del pianista y compositor boricua Eddie Palmieri es la fusión perfecta de la salsa y el latin jazz.

    Es perfecta para bailar junto al garrafón de agua mientras sostienes tu mimosa en una mano y con la otra le das vueltas a cualquier incautx que se acerque.

    Concerto pour une voix – Danielle Licari

    Eventualmente te vas a cansar de bailar solx y te vas a sentar a disfrutar de tu mismosa en completa calma. Y esta composición de Saint-Preux, y en específico la interpretación de la soprano francesa Danielle Licari, va a elevar tu experiencia sensorial.

    La primera vez que escuché “Concierto para sola una voz” fue la versión de Enrique Lynch y su conjunto, pura salsa peruana de la GOD. Pero la de Licari, además de ser hermosa, te transporta a un brunch angelical.

    I Can’t Stop Me – TWICE

    Una de las mejores canciones de las TWICE, en mi nada humilde opinión. Esa mezcla de synth-pop, energía constante y las voces de las chicas… ufffas, muy ad hoc para unas mimosas. Además, la parte casi al final de Nayeon hace que el sabor de la naranja se acentúe en el paladar. “Alcohol Free” también está chida, pero pues es libre de alcohol, no aplica tanto.

  • ¿Por qué la canción de Simple Plan para Scooby-Doo es GOAT?

    ¿Por qué la canción de Simple Plan para Scooby-Doo es GOAT?

    Porque son Scooby-fokin-Doo y Simple Plan. ¿Necesitas más razones? Lols. Pero bueno, cualquier pretexto es bueno para hablar hablar de esta canción (que está en gran parte de mis playlists), así que let’s gooooo.

    Breve historia del pop-punk de Scooby galletas

    Cuando What’s New, Scooby-Doo? salió en 2002, Warner Bros. Animation buscaba actualizar la franquicia sin romper la fórmula clásica del Scooby, el Shaggy, el Fred, la Daphne y la Velma viajando de ciudad en ciudad resolviendo misterios y desenmascarando a criminales randoms (muy posiblemente furros).

    A diferencia del Scooby-Doo clásico (el cual crecí viendo), el ritmo narrativo era mucho más ágil, los colores estaban mucho más saturados y el cast tenía personalidades más marcadas, joviales y alegres.

    scubidubidu

    So, la empresa contactó a Simple Plan, quienes por esos años eran famosos por clásicos como “Perfect”, “Welcome to my life” y “I’m just a kid”.

    La canción fue escrita por la banda junto con Arnold Hennings y Ron Wasserman, compositor de televisión conocido por su trabajo en Power Rangers, serie que quizás tiene uno de los intros más duros de toda la historia. El objetivo era crear un tema juvenil, energético, alegre y que diera las vibes de que el Scooby y el Shaggy podrían perseguir criminales enmascarados sobre patineta junto al Tony Hawk.

    “What’s new Scooby-Doo? We’re coming after you…”… tremendo inicio me hace sentir como el crítico de Ratatouille cuando come el (valga la redundancia) ratatouille.

    Y listo: una canción de poco más de un minuto se convirtió en una de las mejores canciones hechas para TV del mundo. Weeey, la rola es tan peak que Simple Plan la toca en sus conciertos con gente (seguro therians) disfrazada con mamelucos de Scooby-Doo corriendo sobre el escenario.

    Y ya. Eso es todo, mis chicos entrometidos. Ahora vuelvan a jalar o lo que sea que estaban haciendo. Y busquen el capítulo en el que justo Simple Plan sale con el Scooby, es verdadero cine 🚬.

  • “Bury the Light”: el impacto cultural de Vergil de Devil May Cry 5 en el shitpost

    “Bury the Light”: el impacto cultural de Vergil de Devil May Cry 5 en el shitpost

    A estas alturas es muy poco probable (pero no imposible) que no hayas escuchado “Bury the Light” , el tema de Vergil en Devil May Cry 5. Es una canción épica que, además de hablar de su lore, se ha convertido en un fenómeno y una fuente de memes que serán estudiados en años por como parte fundamental de la cultura pop.

    Compuesta por Casey Edwards e interpretada por Victor Borba, la canción apareció en 2020 con Devil May Cry 5: Special Edition, la versión del juego que finalmente permitía usar a Vergil como personaje jugable. Con casi diez minutos de duración, es una de los temas peak de la historia de los videojuegos. y el metal progresivo.

    Guitarras densas, coros épicos, cambios de ritmo constantes y una letra que parece escrita desde la mente del propio Vergil construyen una pieza que mezcla drama, poder y fatalismo: alguien que renuncia a su humanidad para abrazar su poder demoniaco. El coro tiene además una línea que lo cambió todo: : “I am the storm that is approaching.”

    La canción que encapsula a Vergil

    Dentro de la narrativa de Devil May Cry, Vergil siempre ha sido el contrapunto perfecto de Dante. Si Dante representa el caos y la irreverencia, Vergil encarna la obsesión por el poder y la disciplina absoluta. “Bury the Light” toma ese conflicto interno y lo convierte en música.

    La letra gira alrededor de la idea de enterrar la humanidad para abrazar el poder demoníaco, algo que define por completo la filosofía del personaje. La música sigue ese mismo arco emocional: comienza casi contemplativa, crece lentamente con capas de guitarras y sintetizadores, y termina estallando en una tormenta sonora que parece hecha para acompañar una batalla final.

    De soundtrack a fenómeno cultural

    Pero más allá de que esté bien épica “Bury the Light” se convirtió en un meme entre los fans de DMC5 comenzaron a apropiarse de ella. Comenzaron a sacar edits de Vergil caminando con calma antes de una pelea, montajes absurdos y videos de peleas épicas comenzaron a circular por YouTube, TikTok y Reddit acompañados por el mismo momento de la canción: la entrada de la frase “I am the storm that is approaching.”

    @mau_lisha117 sunflower in the storm 🌻⛈🌧🌪#devilmancry #imthestormthatisapproaching #fyppppppppppppppppppppppp #funny #fypシ #foryou #fyp #memestiktok ♬ Bury the Light – user

    Ese fragmento terminó convirtiéndose en una especie de señal universal de que algo absurdamente épico está a punto de ocurrir.

    Pero con el tiempo todo evoluciona y el meme también: la legendaria silla de plástico de Vergil. En muchos edits el personaje aparece sentado tranquilamente en una silla blanca de patio toda random justo antes de su pelea de jefe. Cabe destacar que la silla no está en el juego original, pero a algún moder se le ocurrió ponérsela por los LOLs. Absoluto cine 🚬.

    Hoy “Bury the Light” ocupa un lugar extraño y fascinante dentro de la música de videojuegos. Es al mismo tiempo soundtrack, canción de metal, meme y símbolo cultural no solo del fandom de Devil May Cry, sino de la cultura mundial del shitpost.

    Ahora sólo nos queda esperar a que cuando Capcom se digne a hacer Devil May Cry 6 nos de una rola igual de épica con un meme con el mismo nivel de epicidad.

  • Metal: Hellsinger, una travesía rítmica llena de plomo a través del infierno

    Metal: Hellsinger, una travesía rítmica llena de plomo a través del infierno

    Para nadie que tenga años jugando videojuegos es novedad que este medio está sumamente relacionado con la música, y que cada género suele estar relacionado (valga la redundancia) a géneros en específico. En concreto, los shooters van mucho de la mano con el metal. Y justamente Metal: Hellsinger es el pináculo de ello.

    El juego, desarrollado por The Outsiders y publicado por Funcom, parte de una idea sencilla pero GOD: fusionar los disparos con el ritmo y el fokin metal. ¿Y cómo se traduce eso al gameplay? Fácil: soltar tiros al beat de unas rolas pesadas bien duras.

    En Metal: Hellsinger controlamos a The Unknown, la barda infernal, una guerrera mitad humana mitad demonio (o ángel… ups spoliers) que atraviesa los círculos del infierno en busca de venganza contra la Jueza Roja, quien le arrebató su voz.

    Cada acción que el jugador ejecuta siguiendo el beat aumenta un multiplicador de daño y mantiene el flujo del combate. Además, si disparas sin ritmo, pues tus balas palen pa’ nada. Y la cereza del pastel está en la música: las canciones evolucionan conforme el jugador mantiene el ritmo: primero aparecen los instrumentos base, luego entran guitarras más pesadas, la batería se vuelve más intensa y, finalmente, las voces llegan a partir tímpanos.

    Un OST de los GOD

    La banda sonora es el verdadero protagonista de Metal: Hellsinger. Fue compuesta por el dúo Two Feathers, pero el juego eleva su propuesta gracias a la participación de algunos de los vocalistas más reconocidos de la escena metal internacional.

    Cada nivel del juego está acompañado por una canción diseñada específicamente para el combate rítmico. Estos temas están durísimos… pero es una lástima que sólo los puedes escuchar en el juego y ripeados en YouTube.

    Entre los artistas invitados se encuentran Alissa White-Gluz, conocida por su trabajo con Arch Enemy, cuya potencia vocal aporta una energía agresiva y técnica; y Tatiana Shmayluk, voz de Jinjer, cuya interpretación combina brutalidad y precisión vocal en uno de los niveles más memorables del juego.

    Pero la canción que literalmente santifica a tirso al infierno es la del jefe final: “No tomorrow” , la cual tiene al legendario Serj Tankian de System of a Down. Su interpretación eleva la batalla a una especie de catarsis climática que verdaderamente es absoluto cine 🚬.

    Metal y videojuegos: una alianza de años

    Parte de lo que hace tan especial a Metal: Hellsinger es que es un proyecto hecho por verdaderos fans del metal. El juego no utiliza el género como simple estética agresiva. Su diseño, su música y su ritmo responden a la lógica del género.

    Esto conecta con una relación histórica que existe desde hace décadas entre el metal y los videojuegos. Desde los años noventa, títulos como DOOM o Quake definieron la identidad sonora de los shooters con guitarras distorsionadas, baterías potentes y atmósferas oscuras. Aquellas bandas sonoras ayudaron a construir la conexión entre la intensidad del metal y la acción interactiva.

    Metal: Hellsinger es una joya que todx fan del metal debería de probar. El único punto “negativo” que yo le vería es que es muy corto (aunque sacaron unos DLCs con rolas nuevas). Bueno, cálenlo y arrasen el infiero a escopetazos alv viejón.

  • Ice Nine Kills: metalcore con muchos navajazos de slasher

    Ice Nine Kills: metalcore con muchos navajazos de slasher

    Hay bandas que escriben sobre emociones. Otras sobre política. Ice Nine Kills hace música sobre asesinatos ficticios, casas embrujadas y payasos homicidas… tu bro el Art o el payaso Eso.

    Su proyecto consiste en tomar películas de terror y convertirlas en canciones estructuralmente narrativas, casi como si tradujeran el lenguaje del cine al metalcore. Como mini resúmenes de YouTube, pero chidos y sin chistes todos tontos.

    El disco que los puso en el mapa masivo fue The Silver Scream, el cual es un catálogo slashers clásicos convertidos en metalcore. Cada canción toma una película específica y la desarma: personajes, escenas, diálogos, clímax.

    No es solo mencionan al Freddy o al Michael Myers, sino que traducen su historia en riffs y breakdowns. Spencer Charnas, el vocal, es un fan enfermo del horror y entiende cómo funciona el miedo como ritmo narrativo.

    En The Silver Scream 2: Welcome to Horrorwood la cosa se volvió todavía más maquiavélica. No solo siguieron adaptando películas; armaron un universo propio con videoclips conectados, asesinatos ficticios y una trama tipo slasher alrededor de la banda.

    El resultado no es un homenaje genérico sino convertir el cine en estructura musical. Si la película es psicológica, la canción respira y se tensa. Si es gore directo, los riffs van al cuello.

    Y en vivo no se guardan nada. Maquillaje, utilería, sangre falsa, puro teatro del divertido. Spencer Charnas ha dicho en entrevistas que el horror le permite no crecer nunca, quedarse en ese espacio donde lo grotesco y lo lúdico conviven. La banda opera bajo esa lógica: abrazan el exceso. Mientras otras bandas hablan de demonios abstractos o traumas genéricos, Ice Nine Kills te dice exactamente de qué película está hablando y hace que se te antoje ir a verla.

    Eso es lo que los separa del resto del metalcore. Básicamente, son fans que llevaron su afición por el terror a otro terreno artístico.

  • Carpenter Brut acelera con “Speed or Perish”: synthwave cyberpunk bien caótico

    Carpenter Brut acelera con “Speed or Perish”: synthwave cyberpunk bien caótico

    Carpenter Brut no hace canciones, construye escenas caóticas de acción e historias en formato sonoro. Y en “Speed or Perish”, el tercer sencillo de Leather Temple, lo deja claro: esto es nuevo cyberpunk que le mundo necesitaba: colores neón, explosiones, sintos durísimos y resistencia ante el sistema.

    Franck Hueso, el Carpenter Brut, lleva más de una década construyendo un universo donde el synthwave no es estética retro que solo suena bonito, sino que plasma la tensión, el metal, distopía en fusión con el terror, el slasher y la ciencia ficción, en especial el cyberpunk: ciudades arrasadas, máquinas dominando el espectáculo y humanos convertidos en combustible del entretenimiento.

    “Speed or Perish” no tiene letra porque no la necesita. Es instrumental y se te instala directo en el cerebro: sintetizadores propulsivos, golpes electrónicos, guitarras distorsionadas y un ritmo acelerado que no baja la velocidad… el sueño de todo tdahero.

    El videoclip es dirigido por Seth Ickerman y es una joya: muestra una masacre a alta velocidad: cuchillas, disparos, choques y el consumo de la vida humana como insumo del entretenimiento y el control de masas. La cámara vertiginosa no se detiene y la sangre no se estiliza. Es una distopía donde la adrenalina es la narrativa y el caos es la única constante.

    La canción forma parte de Leather Temple, disco que sale el 27 de febrero y cierra la trilogía conformada por Leather Teeth y Leather Terror.

    Musicalmente, Leather Temple promete un sonido más rítmico, más directo y más saturado, con una atmósfera noventera electro-industrial que conecta con el ADN cyberpunk clásico: beats afilados, capas distorsionadas y una sensación permanente de colapso inminente. Cada track funciona como una secuencia dentro de un mundo que ya está cayendo.

    Carpenter Brut no redefine el synthwave: él es el synthwave. Además, lo empuja hacia el metal industrial y lo instala en un paisaje cyberpunk donde la velocidad es la única droga que necesitamos.

    100/10 alch.