Entre las canciones más delicadas del repertorio de Santa Sabina, “Ojalá fuera tu voz” ocupa un lugar especial. Incluida en Mar adentro en la sangre (2000), la pieza condensa esa mezcla de melancolía, poesía y dramatismo que definía la voz de Rita Guerrero. Ahora, Madame Récamier lo reinterpreta desde una sensibilidad distinta: una versión más íntima que transforma la canción en un paisaje cercano al trip-hop, donde las texturas suaves y la contención vocal reemplazan la intensidad teatral del original.
Lejos de intentar replicar la interpretación de Guerrero, Récamier opta por una lectura más etérea que deja respirar la melodía. Los arreglos construyen una atmósfera delicada y nocturna que resalta el carácter introspectivo de la composición, permitiendo escuchar la canción desde otra perspectiva sin perder su esencia emocional.
La propia cantante ha contado que la semilla de esta reinterpretación surgió inesperadamente: mientras daba clases de canto, una alumna comenzó a grabar con ella algunos coros de forma espontánea, lo que terminó generando un primer demo de la canción.
Durante el proceso creativo, Récamier explica que pensó constantemente en Rita Guerrero, intentando imaginar si los sonidos y la atmósfera de esta nueva lectura dialogarían con su espíritu y su poesía. El resultado es un homenaje construido desde la admiración y la gratitud.
Un gesto de memoria hacia Santa Sabina
La canción forma parte del proyecto Devotos: Tributo a Santa Sabina, una iniciativa que reúne distintas versiones del repertorio de la banda mexicana considerada como uno de los proyectos más influyentes del rock alternativo nacional.
El proyecto tiene además un componente solidario: las ganancias generadas están destinadas a una institución dedicada a la lucha contra el cáncer de mama, convirtiendo el homenaje en una forma de mantener vivo el legado artístico y humano de la banda.
No hay nada más peak que una banda que comparte la mitad del nombre de tu juego termine cantando su tema principal. Y eso fue exactamente lo que ocurrió con Shadows of the Damned, shooter infernal de Suda 51, y la mítica banda de punk The Damned.
A más de una década de su lanzamiento original(y su reciente remasterización en 2024) “Theme of Shadows of The Damned” se mantiene como una de mis canciones favoritas y hoy toca hablar de ella, y del juego y proyecto en general.
El azote mexicano del infierno
Cuando el título apareció originalmente en 2011 ya era una colaboración que apuntaba a que iba a ser de las GOD: en ella trabajaron juntos Shinji Mikami, el creador de Resident Evil; Goichi Suda (Suda51), el loco detrás de No More Heroes; y Akira Yamaoka, el legendario compositor Silent Hill.
El resultado fue un juego grotesco, violento y cargado de humor negro que sigue a Garcia Hotspur, un cazador de demonios mexicano que, junto a su pistola parlante Johnson, desciende al infierno para rescatar a su novia Paula. Algo así como una Divina Comedia, pero sin ser un fanfic isekai de época (¿o no mi Dante?).
Akira Yamaoka y un infierno con guitarras
El soundtrack compuesto por Akira Yamaoka abandona en gran medida el tono melancólico, industrial y estresante que lo hizo famoso en Silent Hill para explorar algo mucho más visceral: en este predominan guitarras distorsionadas, ritmos pesados y una atmósfera que mezcla horror con rock oscuro y punk.
La música acompaña el descenso de Garcia por distintos niveles infernales con un enfoque mucho más físico y agresivo. Algunas piezas funcionan como ambient inquietante que refuerza la sensación de estar en un mundo corrompido, mientras que otras explotan en riffs eléctricos que impulsan la acción durante los momentos de acción.
El álbum oficial, “Shadows of the Damned Original Music From Akira Yamaoka”, incluye más de veinte pistas que combinan instrumentales tensos con temas cantados que aportan una dimensión distinta al juego. Entre las voces que aparecen en el soundtrack destaca Mary Elizabeth McGlynn, colaboradora frecuente de Yamaoka desde los días de Silent Hill, cuya presencia conecta ambos universos musicales.
The Damned da voz a los malditos
Pero la que quizá es la mejor canción del OST es el tema principal, el cual cuenta con la participación de David Vanian, vocalista de The Damned. Durante la fase de producción del soundtrack Yamaoka estaba buscando una voz que encajara con el tono oscuro y teatral del juego, y recurrió a Vanian por su inconfundible voz. Lo invitó a participar, aceptó y el resto es el tremendo rolón.
“Theme of Shadows of The Damned” es una pieza que mezcla guitarras pesadas con una interpretación vocal grave y dramática que encaja perfectamente con el imaginario infernal del juego. La canción es cierre brutal para la experiencia (spoilers: no termina bien).
En retrospectiva, la colaboración está cabrona y merece tener muchas más atención que la que recibió originalmente, pues fue (y sigue siendo) un juego muy de nicho. Además, como suele suceder, la OST solo está disponible en YouTube. So, aquí se las dejo para su disfrute personal.
La MC mexicana Ximbo regresa con “Amor Épico”, un sencillo que convierte la experiencia del amor en una declaración política dentro del hip hop contemporáneo. En colaboración con el productor Ninja Uno, la canción propone una mirada distinta sobre las relaciones: lejos de la violencia, la posesión o la subordinación, el tema plantea una forma de amar construida desde la conciencia y la autonomía.
El track abre de forma austera, con una voz directa que emerge sobre una instrumental drumless que construye tensión a partir de elementos de música clásica. El ambiente crece poco a poco hasta llegar a un coro dramático que prepara el terreno para la entrada de los drums. Cuando finalmente irrumpen, la canción se transforma en un boom bap sobrio y elegante donde cada verso adquiere peso.
La producción de Ninja Uno apuesta por un enfoque minimalista que deja espacio a la palabra. El ritmo funciona como soporte para una interpretación frontal de Ximbo, cuya voz madura convierte la experiencia personal en un discurso colectivo. En ese punto, “Amor Épico” deja de ser únicamente una canción de amor para convertirse en un manifiesto que cuestiona los modelos afectivos dominantes.
El tema fue seleccionado en el concurso Canción del Buen Amor, un reconocimiento que refuerza el enfoque social y cultural del lanzamiento. Al mismo tiempo, la canción marca el inicio de una nueva etapa creativa para la MC.
“Amor Épico” funciona como el primer adelanto de “Bilora Bella”, próximo LP de Ximbo que forma parte de la saga Flow Pantera y que llegará en el marco de los 30 años de trayectoria de la artista dentro del hip hop.
Tres décadas construyendo hip hop mexicano
Hablar de Ximbo implica hablar de una figura clave en la historia del hip hop nacional. A lo largo de tres décadas ha participado en proyectos fundamentales para la escena, entre ellos Magisterio y Rimas Femeninas, iniciativas que ayudaron a consolidar espacios para el rap hecho por mujeres en México.
Su trabajo ha trascendido el formato musical para convertirse también en una labor de promoción cultural y formación dentro del movimiento hip hop. Desde talleres hasta presentaciones internacionales, Ximbo ha construido una trayectoria que combina creación artística, activismo cultural y presencia constante en la escena.
Años antes de que existiera la icónica y memeica (invento palabras y la 🧀) “Tokyo Drift” de los Teriyaki Boyz, y muchas décadas previas a que Toretto y su familia viajaran al espacio en sus autos tuneados en la saga de Rápido y Furioso, existía lo que es hasta la fecha es LA OBRA acerca de carreas y drifting: Initial D, manga y anime que, posiblemente no han visto, pero es muy probable que hayan escuchado alguno de los rolones que conforman su OST: lo mejor del durísimo eurobeat.
Pero, ¿Qué diantres es el eurobeat? Si haz ido al Patrick Miller posiblemente ya lo bailaste, pero sino acá te cuento por qué es tan GOD y cómo fue que salió del olvido y del nicho gracias, justamente, a una caricatura de monas chinas de carreras.
¿Qué es el eurobeat?
El eurobeat nació en Europa en los ochenta como una derivación acelerada, atrabancada y a todo gas del italo disco: sintetizadores brillantes, baterías frenéticas y voces dramáticas que cantaban sobre velocidad, amor cursi, deseo y/o noches interminables. Lastimosamente, con el paso del tiempo, la electrónica lo fue relegando en las discos y poco a poco fue quedando en el olvido dentro del mainstream.
Pero, mientras Europa lo dejaba atrás, por algún motivo, en Japón les ultra mega encantó. El sello Avex impulsó durante años la serie de compilaciones Super Eurobeat, una colección interminable de discos que mantuvo vivo el género dentro de los clubes nipones.
Pese a ello, el eurobeat seguía siendo muy de nicho… hasta que la nación del fuego atacó en 1998: ese año se estrenó Initial D, la adaptación animada del manga de Shuichi Shigeno.
Cuando el drifting encontró su banda sonora
La historia sigue a Takumi Fujiwara, un joven que trabaja ayudando en el negocio familiar repartiendo tofu por carreteras de montaña. Lo que comienza como algo random devela algo peculiar: Takumi es un as al volante y un maestro del drift. Corte a: comeniza a competir en carreras clandestinas, justo como las de Reto Tokio.
La cuestión es que la banda sonora de Initial D estaba conformada exclusivamente de los mayores éxitos del eurobeat: ver al Takumi driftear en el cerro con su icónico Toyota AE86 Trueno al acelerado ritmo te rolones como “Don’t stop the music”, “Heatbeat” y “Deja Vu”… uffas, cine absoluto 🚬.
Como diría ChatGpt: “no fue casualidad”: el ritmo del eurobeat hacía match a la perfección con la sensación de velocidad del drifting y cada canción parecía amplificar la tensión de las carreras; los beats marcaban el pulso constante que acompañaba los derrapes, mientras que los sintetizadores empujaban la escena hacia adelante y generaban ese suspenso respecto a quién iba a salir avante (obvio el Takumi, tenía al guion de su lado).
De música de nicho a símbolo cultural
Cuando Initial D empezó a circular internacionalmente en los 2000, el eurobeat viajó con ella y ¡pum!, explotó la tacha. Las canciones comenzaron a aparecer en foros y comunidades de fans, al grado de que el género y el drifting se volvieron indisolubles.
Con el paso de los años, y con la llegada de YouTube y las redes, fans comenzaron a compartir memes y edits del anime con las canciones, reviviendo así a un género musical que muchos creían extinto.
Hoy es casi imposible separar al eurobeat de Initial D. Lo que comenzó como música de discotecas italianas se convirtió en el sonido definitivo del drifteo. Por ello, les dejo mi top 10 de canciones de eurobeat, para que las pongan cuando vayan por La Pera y rompan esa curva con estilo.
TOP canciones de eurobeat para driftear en el cerro con estilo
El músico argentino Broke Carrey presenta “Monumento”, single que adelanta lo que será HIJO DEL PAÍS, su segundo álbum de estudio. El artista, que ha venido construyendo una propuesta que mezcla pop, hip hop y tradición popular argentina, utiliza esta canción para explorar un territorio poco habitual dentro de su obra: la tonada cuyana.
La canción fue compuesta y grabada junto al mendocino Cocó Orozco, integrante de Usted Señalemelo y parte del equipo de composición del disco. Criado dentro de esa tradición musical, Orozco aporta una sensibilidad profundamente ligada al folclore cuyano, que Carrey toma como punto de partida para reinterpretarla desde su propio lenguaje.
En “Monumento”, Broke Carrey convierte el recuerdo de una mujer en una especie de altar profano. La canción funciona como una oda al deseo, mezclando la picardía y la exageración características de la música popular argentina con una mirada contemporánea.
Después de “ZUPAY”, este nuevo adelanto aparece como una grieta luminosa dentro del universo de HIJO DEL PAÍS. La canción introduce humor, sensualidad y un guiño a la tradición dentro de un disco que, en su conjunto, explora emociones más intensas.
Una tonada que rompe la solemnidad del disco
El propio Broke Carrey explicó que el tema surgió como una forma de romper con el tono solemne que atraviesa gran parte del álbum.
“Soy una persona que está todo el tiempo queriendo hacer reír a los que tiene alrededor, y me gusta que la música también me haga reír. El último día del camp Cocó grabó una tonada, que es la música con la que creció, la de su familia, y antes de irse nos dijo medio en chiste: lo único que les pido es respeto. Y yo me quedé pensando en cuál sería la manera más respetuosa de faltarle el respeto”, contó el artista.
A partir de esa idea surgió la letra: una respuesta provocadora al tono delicado de las guitarras que Orozco había grabado.
El sencillo llega acompañado por un videoclip dirigido por Justo Benedetto, filmado en La Carrera, Mendoza. El video muestra a Carrey y Orozco regresando de tocar, subidos a la parte trasera de una camioneta con guitarras y vino, rodeados por la ruta y las montañas.
El grupo SANTOS BRAVOS, el primer proyecto de pop latino impulsado por HYBE Latin America, anunció el lanzamiento de su EP debut DUAL, que llegará el 13 de marzo. Con este proyecto, la agrupación busca consolidar una propuesta que mezcla la energía del pop latino con la estética y coreográfica del K-pop.
El anuncio del EP llega acompañado por una nueva docuserie titulada detrás de DUAL (Behind DUAL), que ofrecerá una mirada al proceso creativo del proyecto. La serie se estrenará el 15 de marzo en Spotify y al día siguiente en el canal oficial de YouTube del grupo, con episodios semanales que mostrarán momentos del trabajo en estudio y la evolución artística de los integrantes.
Un concepto construido sobre la dualidad
El EP DUAL se articula alrededor de una idea central: la coexistencia de dos energías dentro del grupo. Por un lado está el lado SANTO, que representa la espontaneidad, la fiesta y la conexión entre los integrantes. Por otro aparece el lado BRAVO, una faceta más intensa que canaliza el movimiento, el carácter y una expresión artística más fuerte.
La docuserie explora esa construcción, alternando escenas del pasado y del presente para mostrar cómo cada canción fue tomando forma dentro del estudio.
Un grupo latino con estructura de K-pop
SANTOS BRAVOS está integrado por Drew (Estados Unidos/México), Kauê (Brasil), Alejandro (Perú), Kenneth (México) y Gabi (Puerto Rico), una alineación que refleja la diversidad cultural que el proyecto busca representar.
La agrupación se presentó por primera vez ante una audiencia masiva durante Premios Lo Nuestro 2026, donde interpretaron su sencillo “KAWASAKI”. La actuación fue destacada por su sincronía coreográfica, presencia escénica y propuesta visual, y medios como Billboard los señalaron como una de las promesas del pop latino emergente.
Un proyecto latino con ambición global
El proyecto SANTOS BRAVOS nació bajo el sello HYBE Latin America, división regional del conglomerado detrás de algunos de los proyectos más exitosos del K-pop. La idea es trasladar parte de esa estructura de producción, narrativa y construcción de fandom al universo del pop latino.
Tras el lanzamiento de DUAL, SANTOS BRAVOS iniciará su primera ruta de festivales por Latinoamérica. El recorrido comenzará el 20 de marzo en el Festival Estéreo Picnic de Colombia, seguido por Tecate Pa’l Norte en Monterrey.
Posteriormente el grupo se presentará en el Empire Music Festival en Guatemala y en Tecate Emblema en Ciudad de México, como parte de una estrategia que busca ampliar su presencia internacional.
La artista madrileña Samuraï abre un nuevo capítulo en su carrera con el lanzamiento de “Los Paracaídas”, un sencillo que marca el inicio de una etapa distinta dentro de su universo creativo. La cantante apuesta por un sonido más abierto y emocional sin perder la honestidad que caracteriza sus letras.
El tema se mueve en un terreno íntimo donde la vulnerabilidad es el punto de partida. “Los Paracaídas” explora los altibajos del corazón y ese impulso que empuja a regresar a aquello que nos hace sentir bien… incluso cuando sabemos que nos va a dar el desarrollo de personaje más duro hasta ahora.
Y justo la frase “pero caer es mi forma de volar” funciona como eje de la canción, convirtiendo la caída en un gesto de resiliencia y crecimiento personal.
Este lanzamiento llega después de El silencio del ruido (2024), su álbum debut, un trabajo que confirmó la identidad artística de Samuraï dentro de la nueva generación del pop alternativo español.
El disco combina guitarras cercanas al pop rock con una escritura confesional que aborda emociones cotidianas desde una perspectiva generacional.
Samuraï, nombre artístico de Aroa Lorente, comenzó a ganar notoriedad en la escena madrileña a finales de la década pasada gracias a una propuesta que mezcla pop alternativo, rock melódico y una sensibilidad cercana al indie contemporáneo. Sus canciones suelen centrarse en experiencias personales, relaciones afectivas y procesos emocionales que conectan con una audiencia joven.
Para nadie que tenga años jugando videojuegos es novedad que este medio está sumamente relacionado con la música, y que cada género suele estar relacionado (valga la redundancia) a géneros en específico. En concreto, los shooters van mucho de la mano con el metal. Y justamente Metal: Hellsingeres el pináculo de ello.
El juego, desarrollado por The Outsiders y publicado por Funcom, parte de una idea sencilla pero GOD: fusionar los disparos con el ritmo y el fokin metal. ¿Y cómo se traduce eso al gameplay? Fácil: soltar tiros al beat de unas rolas pesadas bien duras.
En Metal: Hellsinger controlamos a The Unknown, la barda infernal, una guerrera mitad humana mitad demonio (o ángel… ups spoliers) que atraviesa los círculos del infierno en busca de venganza contra la Jueza Roja, quien le arrebató su voz.
Cada acción que el jugador ejecuta siguiendo el beat aumenta un multiplicador de daño y mantiene el flujo del combate. Además, si disparas sin ritmo, pues tus balas palen pa’ nada. Y la cereza del pastel está en la música: las canciones evolucionan conforme el jugador mantiene el ritmo: primero aparecen los instrumentos base, luego entran guitarras más pesadas, la batería se vuelve más intensa y, finalmente, las voces llegan a partir tímpanos.
Un OST de los GOD
La banda sonora es el verdadero protagonista de Metal: Hellsinger. Fue compuesta por el dúo Two Feathers, pero el juego eleva su propuesta gracias a la participación de algunos de los vocalistas más reconocidos de la escena metal internacional.
Cada nivel del juego está acompañado por una canción diseñada específicamente para el combate rítmico. Estos temas están durísimos… pero es una lástima que sólo los puedes escuchar en el juego y ripeados en YouTube.
Entre los artistas invitados se encuentran Alissa White-Gluz, conocida por su trabajo con Arch Enemy, cuya potencia vocal aporta una energía agresiva y técnica; y Tatiana Shmayluk, voz de Jinjer, cuya interpretación combina brutalidad y precisión vocal en uno de los niveles más memorables del juego.
Pero la canción que literalmente santifica a tirso al infierno es la del jefe final: “No tomorrow” , la cual tiene al legendario Serj Tankian de System of a Down. Su interpretación eleva la batalla a una especie de catarsis climática que verdaderamente es absoluto cine 🚬.
Metal y videojuegos: una alianza de años
Parte de lo que hace tan especial a Metal: Hellsinger es que es un proyecto hecho por verdaderos fans del metal. El juego no utiliza el género como simple estética agresiva. Su diseño, su música y su ritmo responden a la lógica del género.
Esto conecta con una relación histórica que existe desde hace décadas entre el metal y los videojuegos. Desde los años noventa, títulos como DOOM o Quake definieron la identidad sonora de los shooters con guitarras distorsionadas, baterías potentes y atmósferas oscuras. Aquellas bandas sonoras ayudaron a construir la conexión entre la intensidad del metal y la acción interactiva.
Metal: Hellsinger es una joya que todx fan del metal debería de probar. El único punto “negativo” que yo le vería es que es muy corto (aunque sacaron unos DLCs con rolas nuevas). Bueno, cálenlo y arrasen el infiero a escopetazos alv viejón.
Con Florece en el Caos, No Te Va Gustar abre una nueva etapa creativa en su trayectoria. El álbum, lanzado a sus 30 años de carrera, marca un giro en la energía de la banda: ahora más directa, áspera y concentrada, pero sin desprenderse de la raíz melódica y emocional que les da identidad.
En este nuevo trabajo, el grupo uruguayo condensa su sonido en un formato más cohesionado. Las guitarras suenan mas filosas, la sección de vientos dialoga con más enfoque y la base rítmica sostiene un pulso firme que atraviesa todo el disco. Hay menos dispersión estilística y más intención conceptual.
Madurez lírica y cohesión sonora
Las letras de Florece en el Caos profundizan en preocupaciones universales desde un lugar más contemplativo. La banda aborda la incertidumbre, el desgaste, la resiliencia y la esperanza sin grandilocuencia, con una mirada que refleja madurez artística. El caos al que alude el título no funciona como derrota, sino como terreno fértil para reconstruir.
Musicalmente, el disco conserva la esencia híbrida de NTVG, pero con una producción más enfocada y una unidad estética clara. Cada canción parece responder a un mismo clima emocional.
Un nuevo ciclo en movimiento
Florece en el Caos no se presenta como el punto de partida de un ciclo que continuará en una extensa gira internacional durante 2026. El recorrido incluirá fechas por Latinoamérica y Europa.
En México, la banda visitará Guadalajara, Querétaro, Puebla, Monterrey, León y Ciudad de México en agosto. Así que si son fans del grupo compuesto por Emiliano Brancciari, Martín Gil, Denis Ramos, Mauricio Ortiz, Diego Bartaburu, Pablo Coniberti, Guzmán Silveira y Francisco Nasser, estén atentos para cuando se acerque su visita a México.
iza tkm presenta i Music Listen, su álbum debut, una obra que consolida un proyecto nacido desde la memoria emocional y la búsqueda personal.
Grabado a lo largo de dos años, i Music Listen es un ejercicio de vulnerabilidad sonora. El álbum combina guitarras orgánicas registradas en notas de voz, guitarras eléctricas distorsionadas, sintetizadores , pianos, gritos y coros que construyen una atmósfera cruda y cercana.
Entre las capas sonoras aparecen también audios de los mejores amigos de iza y varias canciones dedicadas a su mamá, reforzando el carácter profundamente personal del proyecto.
Juventud y autodescubrimiento
En su disco, iza tkm explora las vivencias de la juventud contemporánea: mudarse a nuevas ciudades, atravesar vínculos complejos y enfrentar el proceso constante de autodescubrimiento. El proyecto incluye colaboraciones con bandita emergente como AKRIILA, FaceBrooklyn, Méne y EMJAY,
Musicalmente, iza tkm fusiona pop alternativo, drum n bass y electrónica con una sensibilidad dreampop que transita entre lo etéreo y lo visceral. El resultado es un sonido orgánico y honesto que canaliza la vulnerabilidad tanto de la artista como de quien la escucha.
Una respuesta masiva desde el primer día
Para celebrar el lanzamiento de i Music Listen, iza tkm realizó una listening party en la Glorieta de los Insurgentes que reunió a más de 1,500 personas. La convocatoria confirmó el alcance de un proyecto que ha crecido de manera orgánica desde redes y plataformas digitales.
“Me siento muy tranquila y muy feliz de que por fin esté afuera el álbum, llevo mucho tiempo trabajando en esto y ver los frutos de mi trabajo me llena mucho,” expresó iza tras el evento. “No esperaba para nada la respuesta de la gente y estoy muy agradecida, es una experiencia irreal que siempre llevaré cerca de mi corazón.”
