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  • Top 5 canciones para sacarle fotos a tus patas para el Only

    Top 5 canciones para sacarle fotos a tus patas para el Only

    A menos de que seas un nepo baby, la economía nació muerta. Y justamente en una salida a los mariscos del equipo nos pusimos a ver qué formas efectivas hay de obtener un buen dinero sin necesidad de caer en el crimen organizado o ser onlyfancerx.

    La segunda opción es, al parecer, la más factible para todos en la oficina, pero caímos en cuenta de que no es necesario encuerarte por completo, sino que basta con exhibir tus pies y tobillos* para poder empezar a generar ingresos alternos.

    Por ello, hoy les traigo las canciones que, de acuerdo con en conceso popular del equipo Genio.soy, son perfectas para entrar en un trance de éxtasis mientras le tomas fotos a tus patas para tratar de facturar con ellas.

    *Mmmmm, patas.

    “Is There Someone Else?” – The Weeknd

    No hay nada más delicioso que las patas despechadas. En esta canción, el Fin de Semana habla acerca de la posibilidad de que su alguien especial tenga a otra persona. ¿Para qué mortificarse por esa clase de gentuza infiel cuando puedes tener a otras personas idolatrando tus pies como si fueran deidades de la fertilidad?

    “Yummy – Righteous Remix” – Ayesha Erotica

    Está canción está durísima y su premisa es sencilla: celebrar una vida de hedonismo carnal mientras tienes la barriga llena de gomitas mágicas.

    “This Boots Are Made for Walking” – Nancy Sinatra

    Si mal no recuerdo, esta canción era usada hace algunos años para unos comerciales de zapatos por una tienda departamental. Honestamente les faltó visión. en vez de solo vender calzado pudieron haber incentivado a su clientela a que les mandaran fotos de sus patas y hacer un catálogo con ellas.

    “Aphrodite” – RINI

    Esta canción es una oda a aquella mujer especial que te trae (como dirían los bumers) cacheteando la banqueta. Está perfecta para aquellos momentos especiales y quedaría muy bien con un video de patas juguetonas con poca luz, movimientos lentos y caricias suaves.

    “So far So Fake” – Pierce The Veil

    No podíamos cerrar esta lista sin una canción emo darks para todas aquellas personas góticas. De acuerdo con nuestra especialista en el tema, el puente de esta rola es ideal para fotografiarte las patas con las uñas pintas de negro y envueltas en medias de red rotas.

  • Top 5 canciones para gozar en el festival del mollete del restaurante del búho

    Top 5 canciones para gozar en el festival del mollete del restaurante del búho

    No cabe la menor duda de que uno de los mejores placeres de vivir en la Ciudad de México es cuando llega el festival del mollete de la conocida tienda/restaurante/farmacia que tiene a los búhos ojones como mascotas.

    Ir con tus panas específicamente a la sucursal de los azulejos, instalarte en el bar durante la hora feliz y pedirte unas molletes de pizza, cochinita pibil o barbacoa es algo que recomiendo hacer alguna vez en esta vida.

    Por ello (y porque tengo hambre), les dejo las cinco canciones que, a mi parecer, realzan en las papilas gustativas las mezclas de sabores del bolillo con mantequilla, los frijolitos, el queso y lo extra que le vayan a echar a las diversas encarnaciones de este pilar de la gastronomía mexa.

    “More Spell on You” – Eddie Johns

    Si esta canción no existiría la carrera de Daft Punk. Punto (como dirían los boomers). De aquí salieron los samples de “One More Time”. Bueno, la voz de este valedor sumada a los metales, las cuerdas y las rítmicas percusiones alegran el día. Ahora, si la escuchas mientras te echas unos tecolotes… ufffas trufas la que estrujas.

    “Alcohol-Free” – Twice

    En mi nada humilde opinión, ésta es la canción más durísima de las Tuais. Tienes un orgasmo gustativo asegurado si la escuchas mientras degustas de unos molletes margarita junto a una piña colada (sin alcohol, obvio).

    “Fly Me Too The Moon” – Yoko Takahashi

    Este es un gran clásico de todos los tiempos y (para mí) una de las mejores canciones de amor jamás creadas. Específicamente, esta versión que se hizo para no sé que película de Evangelion es la ideal porque tiene esa como mezcla de bossa nova lounge bien rica de restaurantes elegantes, que hacen que te de incluso más hambre.

    “Concierto para una sola voz” – Enrique Lynch y su conjunto

    Esta hermosa pieza creada por el compositor Christian Saint-Preux Langlade y popularizada mundialmente por la cantante Danielle Licari es peak. Pero este cover del grupo del pianista, arreglista, director de orquesta y productor argentino-peruano está a otro nivel. Perfecta para los molletes con cochinita.

    “La gloria eres tú” – Luis Miguel

    No podía faltar algo de nuestro Sol de México (además, casi siempre que voy a los Samborns está sonando una de sus canciones). “La gloria eres tú” es super deliciosa, suave y perfecta para cualquier momento de chill. Además, ¿Quién necesita ir al cielo tisú cuando tienes en frente unos molletes clásicos con su pico de gallo?

  • Dance with the Dead: calacas chidas, sintetizadores y guitarrazos peak

    Dance with the Dead: calacas chidas, sintetizadores y guitarrazos peak

    Uno de mis géneros musicales más favoritos de todo el mundo es el synthwave, por su sonido y estética que fusiona la esencia retro con electrónica contemporánea… y porque me turbo encantan los sintetizadores (y todo tipo de tecladito, en general).

    Pero, en especial, la que es santa de mi devoción es la sub variante darksynth, porque además le mete elementos del metal y cosas más duras. Y, para inaugurar esta sección que nadie pidió sobre lo que me encanta, empezaremos con Dance with the Dead.

    ¿Quién es, qué estudio?

    Dance with the Dead es un dúo californiano formado por Justin Pointer y Tony Kim, que se caracteriza por unir la electrónica dance, el metal y la imaginería del terror. Su propuesta tiene sintetizadores densos, guitarras eléctricas distorsionadas y una construcción sonora centrada en la energía, la velocidad y ofrecer narrativas sonoras en cada canción.

    Dance ith the Dead con Kat Von D

    Estos panas arrancaron formalmente entre 2012 y 2013, cuando Pointer y Kim (ambos provenientes del metal) empezaron a escribir música juntos con una visión compartida del sonido que querían construir. Kim contó en una entrevista que el nombre del proyecto surgió a partir del título de una de sus primeras canciones.

    Su debut, Out of Body (2013) sentó las bases que los diferenciaron de la emergente escena del synthwave, la cual se establecía más en el sonido retrofuturista estándar del género.

    Dance With the Dead trabaja con referencias directas al terror y la ciencia ficción de los setenta y ochenta; tienen un feeling a slasher neón, persecuciones nocturnas (su mascota es lit una turbo calaca chida en un carro), monstruos, sintetizadores ominosos y el legado de John Carpenter. Esto se refleja en el nombre de varias de su canciones, como las clásicas “Screams and Whispers” y “The Man Who Made a Monster”.

    Muchos de los grandes exponentes del género saltaron al mainstream (kinda) gracias a su participación en la banda sonora de videojuegos indie (en Redout 2 aparecen temas como “Riot” y “Sledge”). No obstante, DWTD logró insertarse en una esfera más comercial, pues su rola “Eyes of Madness” sale en Sackboy: A Big Adventure.

    ¿Qué escuchar de Dance with the Dead?

    Los discos que recomiendo de Dance With the Dead para que se escuchen de corrido son Driven to Madness (2022), B-Sides Vol 1 (2017) y The Shape (2016).

    Y, a continuación, les comparto mi Top 5 canciones:

    1 – “Skeletons in the Attic”

    2 – “Watching You”

    3 – “Riot”

    4 – “Whispers End” (con Kat Von D)

    5 – “Diabolic”

  • Top 5 canciones para las historias de IG de tu conservadora

    Top 5 canciones para las historias de IG de tu conservadora

    Todxs (o al menos eso quiero pensar) tenemos una tía conservadora, malvibrosa, criticona, mosca muerta, metiche, con el síndrome de Doña Florinda y, por algún motivo, con el pelo teñido de un tono rubio “vainilla latte” del Starbucks. Si tú eres ella, mi más sentido pésame. Si es tu mamá, te mando un fuerte abrazo.

    Bueno, la cuestión es que, en la oficina, Ref (nuestra experta en lidiar con esas entidades) y yo nos sentamos a hacer justamente una selección de las canciones que este tipo de personas suele usar en sus peculiares posts de redes sociales.

    So, aquí les compartimos nuestro top 5 de canciones con el mismo sabor de una pechuga hervida sin sal, perfectas para que le sugieras a tu tía de derecha cuando te pida ayuda para subir una historia a su Instagram presumiendo el brunch con sus amigas, su paseo en alguna marcha provida o simplemente tirándole hate a los izquierda.

    Eso sí, vamos a procurar que sea una selección “arriesgada”, para que tu tía quede encantada contigo por mostrarle rolas bien “lochoconas”.

    “Summer” – Calvin Harris

    Perfecta para musicalizar un paseo y/o recorrido de tu tía por San Ángel, un domingo caluroso saliendo de Cluny con rumbo al bazar de arte.

    “Middle” – DJ Snake

    La canción arriesgada para una noche de fiesta “loca” en Las Lomas. Mientras con una mano sujeta un cosmo, con la otra señala a los “chavitos” al otro lado del antruki , al mismo tiempo que ignora los insistentes mensajes de WhatsApp de su su marido (tu tío del que siempre se queja).

    “Animals” – Maroon 5

    Con esta la vas a trollear sin que sepa. Puedes hacerle creer que es la canción ideal para una foto o video junto a su corgi o pomerania… pero tu, yo y todxs sabemos que este himno furro despertará en ella sus más bajos instintos.

    “Clocks” – Coldplay

    Un clásico indiscutible de la blanquitud del mundo mundial. Ideal para cualquier momento. Si dudas respecto a qué canción sugerirle, este es el comodín.

    “I Can Do It With A Broken Heart” – Taylor Swift

    Perfecta para que saque su girl power post divorcio (recuérdale que eso es pecado y que diosito ~o Yaldabaoth, el demiurgo…?~ la va a castigar).

    Úsala para cuando te pida ayuda para postear ese reel curioso en el que ella y susi amigas, además de quejarse de sus ex maridos, se ponen a criticar los cuerpos de otras mujeres que ni las topan.

  • Valle convierte el amor propio en el centro de “Me quiero tanto”

    Valle convierte el amor propio en el centro de “Me quiero tanto”

    La cantautora mexicana Valle presenta “Me quiero tanto”, su nuevo sencillo construido alrededor de la volver a unx mismx para entender el amor desde otro lugar. La canción parte de una reflexión personal sobre esas veces en que, por intentar responder a lo que otros esperan, una persona termina alejándose de sí misma.

    En este tema, Valle plantea que el amor propio no compite con el amor hacia los demás, sino que lo ordena. Desde ahí, “Me quiero tanto” se convierte en una canción sobre reconocerse, darse espacio y recuperar el propio centro antes de intentar sostener cualquier vínculo.

    “Es un regreso a mí”, explica la artista. “Me di cuenta de que no podía enseñar amor si no me lo estaba dando primero. Cuando aprendes a quererte, todo lo demás se ordena.”

    Una canción nacida desde lo íntimo

    “Me quiero tanto” también tiene un origen personal dentro de la vida de Valle. La frase que da forma al título retoma “Te quiero tanto tanto”, una expresión que su esposo, Memo Méndez Guiu, usa con frecuencia y que aquí se transforma en una afirmación dirigida hacia el interior. A partir de ese giro, la canción cambia el foco y propone una nueva lectura del afecto, donde el punto de partida está en una misma.

    En lo musical, el sencillo mezcla pop latino con una sensibilidad de cantautora, apoyado en una producción orgánica donde conviven piano, sintetizadores suaves, bajo y percusión ligera. El resultado acompaña bien el tono de la letra y deja al frente la interpretación vocal de Valle, que se mueve desde un registro cercano y contenido.

    “Me quiero tanto” también fue seleccionado en el concurso Canción del Buen Amor, ampliando el alcance de una pieza que gira alrededor del cuidado propio, la conciencia emocional y la forma en que uno aprende a habitarse mejor.

  • ¿Por qué la música de Dark Souls 3 es tan épica?

    ¿Por qué la música de Dark Souls 3 es tan épica?

    Uno de mis juegos favoritos de todos los tiempos es Dark Souls 3, una de las obras maestras de Miyazaki Hidetaka (en realidad, todo lo que ha hecho este hdpm es GOD). Pero, en especial, el cierre de esta trilogía tiene un lugar muy especial en mi kokoro por todos los temas que aborda: romper (o no) ciclos que ya están muertos, el libre albedrío vs el destino, la memoria y la locura, entre otras cositas.

    Síntesis cutre del lore

    Para entender por qué la música de Dark Souls 3 está tan cabrona, primero una síntesis del lore: la Primera Llama, aquella energía que permitió a los gigantes y humanos derrotar a los dragones de piedra, se está apagando por millonésima vez.

    Por ello, diversos señores de la ceniza son revividos para volver a encenderla. Pero, para sorpresa de nadie, les valió 30 hectáreas de espada y cada uno se fue a atrincherar a su respectivo dominio. Por ello, el Ser de Ceniza (tú) tiene que ir a cosechar las almas de estos carnales para así forzarlos de nuevo a sus tronos y volver a avivar la llama… o no.

    Una de las características de los juegos de Miyazaki es que gran parte de la música sólo aparece en las peleas de los jefes. En esta tercera entrega fue compuesta por Yuka Kitamura, con aportes de Motoi Sakuraba y Tsukasa Saitoh. Voy a hacer una selección de los temas que son los más duros a mi parecer y dar una breve explicación.

    Aldrich, Devourer of Gods

    No hay nada más duro que llamarte “el devorador de los dioses” y literalmente eso es Aldrich: inició comiendo gente y después pasó a consumir a las deidades, en específico a Gwyndolin, de quien usa su cuerpo para pelear contra ti. Al escuchar su tema, dominado por una voz en un eterno lamento, llega a ti su aura impía y que se burla de lo sacro.

    Nameless King

    El Rey sin Nombre es el jefe más duro del juego base. Es el hijo de Gwyn, el señor de la ceniza original, que fue desterrado por cometer la máxima blasfemia: hacerse amigo de los dragones. En la primera fase, su tema remite a tormentas y surcar los cielos sobre el lomo de un reptil alado (porque justo eso hace). La segunda parte no me encanta tanto (quizás porque me mataba a cada rato ahí).

    Yhorm the Giant

    Esta canción tiene una entrada digna de un rey de como unos 10 metros de altura. Se trata de una pelea en la que te mides con un monarca de altura (literalmente), en la que te ayuda (si haces las cosas correctas) quien fue su mejor amigo, quien busca ponerlo a descansar (para simpe). La canción te transmite ese peso de la diferencia de proporciones y su imponencia.

    Soul of Cinder

    El Alma de Ceniza es la amalgamación de todos aquellos que encendieron la llama en el pasado y eso, en términos de gameplay, se traduce a que este wey se comporta como cualquier otro jugador y va cambiando de estilo de pelea; “y ¡hasta hace el mítico backflip hacia atrás! .si la canción es épica en su primera fase… cuando llega la transición a la segunda… plin plin plon: te da una nueva versión mucho más triste y emocional del tema de Gywn, el señor de las ceniza original. Absoluta música 🚬

    Slave Knight Gael

    Esta es la mejor canción, la más dura del juego y la banda sonora del cierre verdadero de la trilogía. Además de que en su cinemática te dice “dame el alma oscura”, cine verdadero ), la canción, al igual que el jefe, tiene tres fases. En la primera se siente el desgaste que ha dejado una causa perdida; en la segunda empieza el descenso a la locura y en la tercera llega el absoluto clímax de una de las sagas más importantes en la historia de las producciones audiovisuales. Solo escúchenla, Yuka Kitamura nos da con ella una cátedra de música narrativa.

  • TOMORROW X TOGETHER convierte las espinas en ansiedad pop en 7TH YEAR

    TOMORROW X TOGETHER convierte las espinas en ansiedad pop en 7TH YEAR

    El grupo de k-pop TOMORROW X TOGETHER lanzó su octavo mini álbum, 7TH YEAR: A Moment of Stillness in the Thorns, junto con el video oficial de “Stick With You”, el tema principal del proyecto.

    El material llega en un momento importante para el grupo, ya instalado en su séptimo año de carrera, y toma como eje la imagen de las espinas como representación de la incertidumbre, la ansiedad y el conflicto emocional.

    El mini álbum tiene seis canciones: “Bed of Thorns”, “Stick With You”, “Take Me to Nirvana” con Vinida Weng, “So What”, “21st Century Romance” y “Dream of Mine”. A lo largo de éstas, TOMORROW X TOGETHER usa la idea de las espinas para hablar de decisiones difíciles, dudas internas y del proceso de atravesar una etapa de cambio en la incertidumbre.

    TOMORROW X TOGETHER

    Un mini álbum atravesado por la incertidumbre

    Desde el arranque con “Bed of Thorns”, el disco plantea un tono más introspectivo. La canción parte de la idea de asumir las consecuencias de tus actos, mientras que el resto del mini álbum se mueve entre distintas respuestas frente a esa tensión.

    “Take Me to Nirvana” empuja hacia una sensación de liberación, “So What” encara las inseguridades desde un lugar más ligero, “21st Century Romance” se enfoca en seguir la propia voz en medio del ruido exterior y “Dream of Mine” cierra mirando hacia lo desconocido.

    Dentro de esa estructura, las espinas funcionan como una metáfora constante de todo lo que incomoda, aprieta y/o deja marca, pero que también forma parte del crecimiento.

    TOMORROW X TOGETHER convierte las espinas en ansiedad pop en 7TH YEAR

    “Stick With You” como punto de entrada

    El sencillo principal, “Stick With You”, se mueve entre el electro pop, una base de batería 909 y detalles cercanos al techno punk. La canción habla sobre una relación que está por romperse y de la necesidad de aferrarse a ella un poco más. Desde ahí, el tema conecta con la idea general del mini álbum: sostenerse en medio de la inestabilidad.

    El video oficial acompaña esa línea con una narrativa centrada en la ansiedad y el conflicto interno. Hacia el final, los integrantes reconocen que buena parte de esa tensión viene de ellos mismos. La actriz coreana Jun Jong Seo participa en el video y refuerza la parte dramática de la historia.

  • TOP 5 canciones para ir a grafitear colonias fresas con tus panas

    TOP 5 canciones para ir a grafitear colonias fresas con tus panas

    Una de mis mejores y más queridas amigas tiene un hobby muy particular: dibujar cosas en paredes de colonias fresas con spray y/o pintura acrílica a altas horas de la noche, cuidándose de que alguna entidad porcina y/u otra autoridad se acerque a importunar el proceso creativo y solicite una cooperación no voluntaria.

    He ido con ella en varias ocasiones porque why not? y porque una de las maneras más efectivas de reforzar lazos afectivos y sociales es acompañar a la amistad en sus intereses especiales y sumarte a ellos. Y uno de los rituales más importantes previo a rayar paredes es dar el rol en la unidad automotriz buscando el spot perfecto para dejar una bomba (con acento yuca).

    Por ello, hoy les comparto una pequeña selección de las rolitas que solemos escuchar en su carro antes de hacer arte y llenarnos las manos de aerosol negro. Dato curisos: nunca nos han agarrado los puercos, pero sí nos han subido a la patrulla hahah, pero por una anécdota muy curiosa que involucra mi auto, una grúa e ir a hacerla de pedo al MP.

    Fallen Angel (El Poco Maro Drum’n’Bass Remix) – Mitsunorio Ikeda

    No hay mejor forma que iniciar una noche de arte que ir a eso de las 11:00 de la noche en Periférico con este rolón a todo volumen, mientras te chingas tu café de dudosa higiene del Jarocho y vas agitando las latas al ritmo de los beats acelerados y atrabancados de este remix de “Fallen Angel”. ¿Alguna vez vieron Panty & Stocking with Garterbelt? Recomiendo.

    八方来财·因果 – SKAI ISYOURGOD

    Este valedor chino se hizo viral en occidente hace un año porque alguien comenzó a usar sus canciones en TikTok. Ah, pero que joya resultó ser: rimas sobre el budismo y taoísmo. Además, sus canciones tienen un bajo que suena bien tremendo en el estéreo de mi pana.

    Trapstorno – Redimi2

    Pasamos de las rimas filosóficas a las cristianas hahah. Más allá de las connotaciones religiosas que puedan tener estos bros temerosos del dios judeocristiano (o acaso es en realidad Yaldabaoth, el Demiurgo…?), sí están duras sus rolas. Aunque eso sí (y les toca soportar, triponas), tienen en ocasiones severos delirios de persecución.

    Candy – Plan B

    Es un clásico del bellakeo, el perreo y toda actividad no apta para señoras panistas. “Candy” es un himno transgeneracional perfecto para cada ocasión. No hay nada más que decir, excepto: “luny-luny-tuuunes”.

    Supreme – Gost

    No hay mejor manera para cerrar la noche y huir a toda velocidad de la zona donde se dejó el lienzo fresco que con esta canción del recién fallecido Gost. Potente, con un beat acelerado y una voz suave que se funde a la perfección, “Supreme” es una de las mejores canciones que nos lega James Lollar.

  • Saramalacara lleva el trap su barrio “Mataderos” al flow mundial

    Saramalacara lleva el trap su barrio “Mataderos” al flow mundial

    La trapera argentina Saramalacara presentó Mataderos, su segundo álbum, un disco donde el barrio en el que creció se convierte en punto de partida para una etapa más amplia en lo sonoro y en lo artístico.

    El proyecto reúne 17 canciones que son un cruce entre origen y expansión entre la escena under de donde viene y el circuito global en el que ahora se mueve.

    El álbum cuenta con una red de productores y colaboradores de peso dentro del cloud rap, el rage y la electrónica experimental. Entre ellos aparecen Evilgiane y Eera, de Surf Gang, además de nombres vinculados al entorno de Opium como F1lthy, Lucian, Lukrative y Ojivolta. También participan Dylan Brady, Casey MQ y Aaron Shadrow. Aun con ese marco internacional, el disco mantiene una conexión muy marcada con la historia personal de Sara Azul Froján y con el territorio que le da nombre.

    Un disco atravesado por el barrio y la nostalgia

    Mataderos toma su nombre del barrio porteño donde creció Saramalacara y desde ahí construye buena parte de su identidad. La propia artista explicó por qué ese punto era importante dentro del proyecto: “Me parecía importante irme tan lejos de casa, hacer un disco con una major y aun así ponerle el nombre de mi barrio”.

    “Se llama Mataderos porque las letras están muy atravesadas por la nostalgia, por el barrio en el que crecí toda mi vida. Es un lugar que está como en el medio, entre capital y provincia, y siento que mi música también habita ese intermedio, entre lo under y lo mainstream”, añadió.

    Esa idea atraviesa todo el disco. En lo sonoro, mantiene parte de las atmósferas etéreas y las melodías suaves que ya venían apareciendo en su música, pero ahora les suma una energía más filosa, más cercana al rage. El resultado no se mueve hacia un solo lado, sino que sostiene esa dualidad entre lo íntimo y lo expansivo.

    En esta etapa sigue conectando con lo digital, pero de forma más directa: volvió a usar Facebook como canal principal y mantiene activo el vlog @saraonline333. Su proyecto crece, pero también se vuelve más claro en cómo se presenta y se organiza.

  • Metal Gear Solid V: tremendas canciones con sabor a conflicto

    Metal Gear Solid V: tremendas canciones con sabor a conflicto

    Hace años hubo una temporada en la que me obsesioné durísimo con la saga de Metal Gear del Hideo KojimaGOD, la cual, lastimosamente se murió en el incompleto Metal Gear Solid V: The Phantom Pain.

    Para no tratar de explicar el lore iré directo al grano: el juego tiene una selección de canciones que están durísimas, que además tienen una construcción muy ligadas a los temas centrales de la historia y la saga. So, métanse a una caja, échense un puro frente a algún reloj y escuchen con presencia.

    “Sins of the Father”

    “Sins of the Father” es el tema principal y está tremendísimo. La primera vez que lo escuché en el tráiler de cuando lo anunciaron… absoluta música 🚬.

    Los temas que aborda técnicamente explican el lore de la saga: legado transgeneracional, culpa que se hereda, identidad y la forma en la que alguien se corrompe con tal de cumplir sus objetivos. Y luego

    Durísima, de veras.

    “Quiet’s Theme”

    Quiet es un personaje construido alrededor del silencio, de la distancia y de una presencia que primero desconcierta, pero luego se vuelve clave. Y su canción es una forma de verbalizar todo aquello que no puede pronunciar (no habla, pues).

    Tiene la voz Stefanie Joosten, la actriz que la interpreta, y, narrativamente, acompaña la transformación del vínculo entre Quiet y Venom Snake. Verdaderamente una muy bella canción.

    “A Phantom Pain”

    Tremendo temón. “A Phantom Pain” a diferencia del resto del OST, esta canción te da la impresión de que la escuchaste con anterioridad en algún punto de tu vida; suena a rock chido ochentero, muy Duran Duran.

    La canción juega con el concepto del dolor fantasma (el fenómeno de sentir dolor en una parte del cuerpo que ya no existe {el Snake es manco}) y el de una identidad rota, construida y resquebrajada.

    Bonus: “Invisible” de Duran Duran

    Quien le sabe a TikTok y es de la comunidad fan de Kojima ya conoce los motivos de que la ponga aquí: memes.

    Por algún motivo, alguien empezó a hacer en 2023 edits de Venom Snake con esta canción y mucha gente fue gaslighteada a creer que forma parte del soundtrack. Imposible, porque el juego es de 2015 y la rola de 2021.

    Lo curioso es que la canción queda muy bien con el este producto cultural digital, no solo porque su estructura musical es muy parecida a “The Phantom Pain”, sino porque los temas que aborda son los mismos: manipulación, despersonalización, control, presencia fantasma, imposibilidad de afirmarse por completo como un yo estable. Como anillo al dedo.