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  • “Hunting for Your Dream”: la canción que te hace vencer la depresión

    “Hunting for Your Dream”: la canción que te hace vencer la depresión

    “Ahora Kurápika está ahogándose en un vacío indescriptible”. Seguramente todos han visto un TikTok o meme de esta escena de Hunter X Hunter, en la que el personaje antes mencionado está super siendo consumido por la depresión, para hacer un corte al ending con la gloriosa “Hunting for Your Dream” de Galneryus (y si no, la verdad es que te falta cultura).

    Bueno, el coto es que la canción es super animada, up beat, positiva y su letra tiene un mensaje perseverancia, voluntad y crecimiento personal, es básicamente un “ánimo, delincuencia” en esteroides . Es como si “Hey Ya!” de Pocoloco fuera una rola (y si tampoco le sabes a esta referencia, te hace falta leer la Biblia 2, literalmente).

    大空も この大地も ♫♪

    “Hunting for Your Dream” salió en 2012 como parte del álbum Angel of Salvation, pero su verdadero alcance llegó cuando fue elegida como el segundo ending del anime Hunter × Hunter (2011), específicamente en la recta final del arco de las Hormigas Quimera, una trama durísima en la que Gon y compañía traen un fuerte desgaste físico, emocional y han tomado decisiones que no tienen vuelta atrás.

    Fuera del anime, la canción terminó volviéndose, además de un meme, uno de los himnos por excelencia de los amantes del metal japones, por lo pegadiza que es y además su potente mensaje de animo que te invita a no tirarte a la mierda y volverte el/la más bacanx en tu vida.

    La canción habla de perseguir un objetivo personal (o simplemente vivir) aunque el camino sea incierto y difícil. ¿Cómo? Pues no rindiéndose y fortaleciéndote con toda experiencia vivida. La letra insiste en avanzar, mantenerse firme y no perder de vista lo que uno quiere.

    “Hunting for Your Dream” también remarca algo: 100pre hay que estar en movimiento, (keep walking ,diría en Johnny Walker *patrocínameeeee*), porque, cómo diría Juan Gabriel: “el tiempo pasa y no perdona”.

    Además, ¿Qué hay mejor que disfrutar del proceso? La canción te sugiere justamente que toda experiencia vivida, situación, escenario, etc. etc., te enseñan algo y eso es lo que le da sabor al viaje.

    Así que ánimo, delincuencias, escuchen este joya de Galneryus cuando les gane la ansiedad y crean que su existencia es fútil. Y recuerden: el camino/proceso de cada persona es diferente, so gocen del suyo, porque quien disfruta de las pequeñas cosas y se divierte mientras construye ya ganó.

  • No Straight Roads: cuando el rock y el EDM se echaron un tiro

    No Straight Roads: cuando el rock y el EDM se echaron un tiro

    Hoy en una entrega nueva de “videojuegos que compré solo por su música” (al parecer me va a dar para una serie larga), hablaré de No Straight Roads, una joyita indie cuya trama literalmente se centra en la lucha entre el rock y el EDM (y sus derivados).

    Y no podía dejar de hablar de la mezcla interesante que tiene este juego con su apartado musical, porque honestamente tiene unos temazos que sería un crimen contra la humanidad si no los comparto.

    ¿No caminos derechos?

    No Straight Roads fue desarrollado por el estudio malasio Metronomik y publicado en 2020. Desde su concepción, el proyecto apostó por construir un juego donde la música fuera el centro de toda la experiencia. La historia sigue a Mayday y Zuke, los integrantes de la banda Bunk Bed Junction, la cual, tras de fracasar en una audición organizada por NSR, la disquera malvada/empresa que controla la energía de Vinyl City, que además domina la vida cultural de la ciudad a través del EDM.

    Nuestros panas no soportaron y por ello deciden enfrentarse al sistema y comenzar una revolución de dos pelados. Para ello, van a cantarle un tiro a cada uno de los artistas (esbirros de NSR), que controlan los distritos de la ciudad, para así devolverle espacio al rock y romper con la hegemonía de la electrónica, la cual, al parecer, aquí es de derecha alienada. Básicamente, el juego es una boss rush.

    Música hasta para aventar

    La banda sonora de No Straight Roads incluye una amalgama de talentos que nos dan un soundtrack variado, rico y versatil. Entre los artistas que participan están James Landino, Funk Fiction, Falk Au Yeong y Andy Tunstall, y cuenta con los aportes de Masahiro “Godspeed” Aoki, RoboRob, Tokyo Machine, Shota Nakama, Nikki Simmons, Ai Yamamoto, Az Samad, Clyde Rabatel Zapata y Tony Ann.

    Lo interesante es que cada tema principal de un jefe tiene tres versiones: la estándar, la rock y la EDM, y sí, son muy distintas entre sí. Además, la forma en la que te las van soltando es de acuerdo a que tanto haz avanzado en una pelea.

    Hay jefes que están completamente construidos desde un lenguaje musical específico. Por ejemplo, DJ Subatomic Supernova tiene con una base de electrónica progresiva que escala en intensidad conforme avanza el combate, con drops marcados y cambios de ritmo que acompañan cada fase.

    Mientras tanto, en el caso de Sayu, la pelea arranca como un tema muy drum ‘n bass kawaii; al pasar al la versión rock suena mucho como a opening de anime, pero lo GOD viene cuando entra la EDM: es fokin vaporwave 100/10.

    Otro caso es EVE, cuya batalla está montada sobre un pop electrónico más pulido, con estructura de canción comercial y una presencia muy marcada de sintetizadores, acorde a su personaje. Además, que cada una de sus versiones refleja la emotividad que el personaje tiene dentro de la trama.

    No Straight Roads es un juego corto, pero con mucha rejugabilidad. Además su música es uno de sus principales atractivos. Recomiendo 100% y lo mejor es que está en todas las plataformas.

  • Top 3 canciones para los Viernes de Mimosas en la oficina

    Top 3 canciones para los Viernes de Mimosas en la oficina

    Es viernes y faltan pocas horas para disfrutar del fin de semana… y tratar de no pensar que el lunes regresaremos a ser Sísifo, empujando la piedra en el cerro llamado capitalismo tardío, una y otra vez, de lunes a viernes (menos puentes y Navidad)…

    Bueno, no todo es nihilismo, aquí puro team #hopecore. So, para hacer más amena la jornada laboral, en la oficina conseguimos una membresía a una de esas tiendas de mayoreo que le encanta a la gente que vende pasteles a sobreprecio, y nos armamos un arsenal de botellas de mimosas ya preparadas.

    Para celebrar la camaradería, las bebidas espirituosas muy dulces y la vida, aquí les regalo las canciones que puse en las bocinas mientras disfrutábamos de los pequeños placeres.

    Vámonos pa’l monte – Eddie Palmieri

    Ésta es la forma más deliciosa en la que debe iniciar la degustación de una mimosa en tu escritorio. Esta tremenda rola del pianista y compositor boricua Eddie Palmieri es la fusión perfecta de la salsa y el latin jazz.

    Es perfecta para bailar junto al garrafón de agua mientras sostienes tu mimosa en una mano y con la otra le das vueltas a cualquier incautx que se acerque.

    Concerto pour une voix – Danielle Licari

    Eventualmente te vas a cansar de bailar solx y te vas a sentar a disfrutar de tu mismosa en completa calma. Y esta composición de Saint-Preux, y en específico la interpretación de la soprano francesa Danielle Licari, va a elevar tu experiencia sensorial.

    La primera vez que escuché “Concierto para sola una voz” fue la versión de Enrique Lynch y su conjunto, pura salsa peruana de la GOD. Pero la de Licari, además de ser hermosa, te transporta a un brunch angelical.

    I Can’t Stop Me – TWICE

    Una de las mejores canciones de las TWICE, en mi nada humilde opinión. Esa mezcla de synth-pop, energía constante y las voces de las chicas… ufffas, muy ad hoc para unas mimosas. Además, la parte casi al final de Nayeon hace que el sabor de la naranja se acentúe en el paladar. “Alcohol Free” también está chida, pero pues es libre de alcohol, no aplica tanto.

  • ¿Por qué la canción de Simple Plan para Scooby-Doo es GOAT?

    ¿Por qué la canción de Simple Plan para Scooby-Doo es GOAT?

    Porque son Scooby-fokin-Doo y Simple Plan. ¿Necesitas más razones? Lols. Pero bueno, cualquier pretexto es bueno para hablar hablar de esta canción (que está en gran parte de mis playlists), así que let’s gooooo.

    Breve historia del pop-punk de Scooby galletas

    Cuando What’s New, Scooby-Doo? salió en 2002, Warner Bros. Animation buscaba actualizar la franquicia sin romper la fórmula clásica del Scooby, el Shaggy, el Fred, la Daphne y la Velma viajando de ciudad en ciudad resolviendo misterios y desenmascarando a criminales randoms (muy posiblemente furros).

    A diferencia del Scooby-Doo clásico (el cual crecí viendo), el ritmo narrativo era mucho más ágil, los colores estaban mucho más saturados y el cast tenía personalidades más marcadas, joviales y alegres.

    scubidubidu

    So, la empresa contactó a Simple Plan, quienes por esos años eran famosos por clásicos como “Perfect”, “Welcome to my life” y “I’m just a kid”.

    La canción fue escrita por la banda junto con Arnold Hennings y Ron Wasserman, compositor de televisión conocido por su trabajo en Power Rangers, serie que quizás tiene uno de los intros más duros de toda la historia. El objetivo era crear un tema juvenil, energético, alegre y que diera las vibes de que el Scooby y el Shaggy podrían perseguir criminales enmascarados sobre patineta junto al Tony Hawk.

    “What’s new Scooby-Doo? We’re coming after you…”… tremendo inicio me hace sentir como el crítico de Ratatouille cuando come el (valga la redundancia) ratatouille.

    Y listo: una canción de poco más de un minuto se convirtió en una de las mejores canciones hechas para TV del mundo. Weeey, la rola es tan peak que Simple Plan la toca en sus conciertos con gente (seguro therians) disfrazada con mamelucos de Scooby-Doo corriendo sobre el escenario.

    Y ya. Eso es todo, mis chicos entrometidos. Ahora vuelvan a jalar o lo que sea que estaban haciendo. Y busquen el capítulo en el que justo Simple Plan sale con el Scooby, es verdadero cine 🚬.

  • Valensia y el viaje sinfónico de Air Twister

    Valensia y el viaje sinfónico de Air Twister

    Honestamente, muchos de los videojuegos que he comprado en mi vida ha sido por el soundtrack, y uno de ellos es Air Twister: un shooter super oscuro, pero bien bonito, para el cual Valensia hizo una banda sonora 10/10. Y justo ese es el tema que nos compete hoy.

    Una colaboración muy random, pero muy épica

    Hace unos pocos años, Yu Suzuki (el legendario diseñador japonés detrás de Space Harrier, Out Run y Shenmue) decidió regresar a los shooters arcade e ideo Air Twister, el cual tenía en mente como una experiencia surrealista, cinematográfica (kinda), colorida y muy cute.

    En el juego controlas a La princesa Arch, una guerrera que surca los cielos enfrentándose a hordas de criaturas fantásticas y enemigos mecánicos en escenarios muy random, junto a sus animales mágicos, entre ellos un cua cuá gigante 🦆🦆🦆. El gameplay es básicamente Space Harrier y es sencillo, hasta que no sabes por donde te llegan las cosas.

    Para el juego Suzuki quería algo muy ópera rock decidió contactar a Valensia, pues es fan el compositor neerlandés. Su estilo grandilocuente lleno de coros, guitarras dramáticas y estructuras casi operáticas siempre le pareció perfecto para un videojuego de fantasía.

    Una sinfonía de fantasía

    Al parecer Suzuki es un hombre que resuelve, pues, como tenía idea de cómo contactar a Valensia, lo buscó en redes y le escribió directamente: “Le envié un mensaje explicando que yo era el creador de videojuegos Yu Suzuki, con un enlace a mi página de Wikipedia adjunto”, contó al respecto.

    Cuando le contestó, le habló del proyecto y Valensia aceptó. Para el juego, el neerlandés (conocido porque su trabajo está extremadamente influenciado por Queen) hizo 19 grabaciones, algunas las escribió específicamente para el proyecto, mientras que otras son nuevas versiones de canciones famosas.

    En algunos casos incluso fue necesario modificar material existente para que encajara mejor con la narrativa del juego. Suzuki recuerda que ciertas letras no coincidían con el tono del proyecto.

    Air Twister es un shooter, pero había letras sobre romper con tu novia y eso no encajaba con el contenido, así que le pedí que reescribiera y cambiara las letras para el juego”, relató Suzuki.

    Las composiciones están llenas de cambios de tempo, guitarras deliciosas, capas de voces corales y estructuras largas que sí suenan un chingo a Queen.

    El soundtrack de Air Twister es una experiencia que se disfruta literalmente en cualquier situación. Les recomiendo en especial “Phantom of the opera 2022”, “Gaia 2022” y “Princess mystique”.

    Y, ¿deberían comprar Air Twister? La verdad es que es muy barato y por lo general anda seguido en oferta, así que sí, recomiendo. Eso sí, no esperan acá un GOTY, pero si está chido para cotorrear en ratillos.

  • “Bury the Light”: el impacto cultural de Vergil de Devil May Cry 5 en el shitpost

    “Bury the Light”: el impacto cultural de Vergil de Devil May Cry 5 en el shitpost

    A estas alturas es muy poco probable (pero no imposible) que no hayas escuchado “Bury the Light” , el tema de Vergil en Devil May Cry 5. Es una canción épica que, además de hablar de su lore, se ha convertido en un fenómeno y una fuente de memes que serán estudiados en años por como parte fundamental de la cultura pop.

    Compuesta por Casey Edwards e interpretada por Victor Borba, la canción apareció en 2020 con Devil May Cry 5: Special Edition, la versión del juego que finalmente permitía usar a Vergil como personaje jugable. Con casi diez minutos de duración, es una de los temas peak de la historia de los videojuegos. y el metal progresivo.

    Guitarras densas, coros épicos, cambios de ritmo constantes y una letra que parece escrita desde la mente del propio Vergil construyen una pieza que mezcla drama, poder y fatalismo: alguien que renuncia a su humanidad para abrazar su poder demoniaco. El coro tiene además una línea que lo cambió todo: : “I am the storm that is approaching.”

    La canción que encapsula a Vergil

    Dentro de la narrativa de Devil May Cry, Vergil siempre ha sido el contrapunto perfecto de Dante. Si Dante representa el caos y la irreverencia, Vergil encarna la obsesión por el poder y la disciplina absoluta. “Bury the Light” toma ese conflicto interno y lo convierte en música.

    La letra gira alrededor de la idea de enterrar la humanidad para abrazar el poder demoníaco, algo que define por completo la filosofía del personaje. La música sigue ese mismo arco emocional: comienza casi contemplativa, crece lentamente con capas de guitarras y sintetizadores, y termina estallando en una tormenta sonora que parece hecha para acompañar una batalla final.

    De soundtrack a fenómeno cultural

    Pero más allá de que esté bien épica “Bury the Light” se convirtió en un meme entre los fans de DMC5 comenzaron a apropiarse de ella. Comenzaron a sacar edits de Vergil caminando con calma antes de una pelea, montajes absurdos y videos de peleas épicas comenzaron a circular por YouTube, TikTok y Reddit acompañados por el mismo momento de la canción: la entrada de la frase “I am the storm that is approaching.”

    @mau_lisha117 sunflower in the storm 🌻⛈🌧🌪#devilmancry #imthestormthatisapproaching #fyppppppppppppppppppppppp #funny #fypシ #foryou #fyp #memestiktok ♬ Bury the Light – user

    Ese fragmento terminó convirtiéndose en una especie de señal universal de que algo absurdamente épico está a punto de ocurrir.

    Pero con el tiempo todo evoluciona y el meme también: la legendaria silla de plástico de Vergil. En muchos edits el personaje aparece sentado tranquilamente en una silla blanca de patio toda random justo antes de su pelea de jefe. Cabe destacar que la silla no está en el juego original, pero a algún moder se le ocurrió ponérsela por los LOLs. Absoluto cine 🚬.

    Hoy “Bury the Light” ocupa un lugar extraño y fascinante dentro de la música de videojuegos. Es al mismo tiempo soundtrack, canción de metal, meme y símbolo cultural no solo del fandom de Devil May Cry, sino de la cultura mundial del shitpost.

    Ahora sólo nos queda esperar a que cuando Capcom se digne a hacer Devil May Cry 6 nos de una rola igual de épica con un meme con el mismo nivel de epicidad.

  • Shadows of the Damned: cuando el punk de The Damned sonó en el infierno

    Shadows of the Damned: cuando el punk de The Damned sonó en el infierno

    No hay nada más peak que una banda que comparte la mitad del nombre de tu juego termine cantando su tema principal. Y eso fue exactamente lo que ocurrió con Shadows of the Damned, shooter infernal de Suda 51, y la mítica banda de punk The Damned.

    A más de una década de su lanzamiento original(y su reciente remasterización en 2024) “Theme of Shadows of The Damned” se mantiene como una de mis canciones favoritas y hoy toca hablar de ella, y del juego y proyecto en general.

    El azote mexicano del infierno

    Cuando el título apareció originalmente en 2011 ya era una colaboración que apuntaba a que iba a ser de las GOD: en ella trabajaron juntos Shinji Mikami, el creador de Resident Evil; Goichi Suda (Suda51), el loco detrás de No More Heroes; y Akira Yamaoka, el legendario compositor Silent Hill.

    El resultado fue un juego grotesco, violento y cargado de humor negro que sigue a Garcia Hotspur, un cazador de demonios mexicano que, junto a su pistola parlante Johnson, desciende al infierno para rescatar a su novia Paula. Algo así como una Divina Comedia, pero sin ser un fanfic isekai de época (¿o no mi Dante?).

    Akira Yamaoka y un infierno con guitarras

    El soundtrack compuesto por Akira Yamaoka abandona en gran medida el tono melancólico, industrial y estresante que lo hizo famoso en Silent Hill para explorar algo mucho más visceral: en este predominan guitarras distorsionadas, ritmos pesados y una atmósfera que mezcla horror con rock oscuro y punk.

    La música acompaña el descenso de Garcia por distintos niveles infernales con un enfoque mucho más físico y agresivo. Algunas piezas funcionan como ambient inquietante que refuerza la sensación de estar en un mundo corrompido, mientras que otras explotan en riffs eléctricos que impulsan la acción durante los momentos de acción.

    El álbum oficial, “Shadows of the Damned Original Music From Akira Yamaoka”, incluye más de veinte pistas que combinan instrumentales tensos con temas cantados que aportan una dimensión distinta al juego. Entre las voces que aparecen en el soundtrack destaca Mary Elizabeth McGlynn, colaboradora frecuente de Yamaoka desde los días de Silent Hill, cuya presencia conecta ambos universos musicales.

    The Damned da voz a los malditos

    Pero la que quizá es la mejor canción del OST es el tema principal, el cual cuenta con la participación de David Vanian, vocalista de The Damned. Durante la fase de producción del soundtrack Yamaoka estaba buscando una voz que encajara con el tono oscuro y teatral del juego, y recurrió a Vanian por su inconfundible voz. Lo invitó a participar, aceptó y el resto es el tremendo rolón.

    “Theme of Shadows of The Damned” es una pieza que mezcla guitarras pesadas con una interpretación vocal grave y dramática que encaja perfectamente con el imaginario infernal del juego. La canción es cierre brutal para la experiencia (spoilers: no termina bien).

    En retrospectiva, la colaboración está cabrona y merece tener muchas más atención que la que recibió originalmente, pues fue (y sigue siendo) un juego muy de nicho. Además, como suele suceder, la OST solo está disponible en YouTube. So, aquí se las dejo para su disfrute personal.

  • Cómo Initial D revivió al Eurobeat y lo hizo el himno del drifting

    Cómo Initial D revivió al Eurobeat y lo hizo el himno del drifting

    Años antes de que existiera la icónica y memeica (invento palabras y la 🧀) “Tokyo Drift” de los Teriyaki Boyz, y muchas décadas previas a que Toretto y su familia viajaran al espacio en sus autos tuneados en la saga de Rápido y Furioso, existía lo que es hasta la fecha es LA OBRA acerca de carreas y drifting: Initial D, manga y anime que, posiblemente no han visto, pero es muy probable que hayan escuchado alguno de los rolones que conforman su OST: lo mejor del durísimo eurobeat.

    Pero, ¿Qué diantres es el eurobeat? Si haz ido al Patrick Miller posiblemente ya lo bailaste, pero sino acá te cuento por qué es tan GOD y cómo fue que salió del olvido y del nicho gracias, justamente, a una caricatura de monas chinas de carreras.

    ¿Qué es el eurobeat?

    El eurobeat nació en Europa en los ochenta como una derivación acelerada, atrabancada y a todo gas del italo disco: sintetizadores brillantes, baterías frenéticas y voces dramáticas que cantaban sobre velocidad, amor cursi, deseo y/o noches interminables. Lastimosamente, con el paso del tiempo, la electrónica lo fue relegando en las discos y poco a poco fue quedando en el olvido dentro del mainstream.

    Pero, mientras Europa lo dejaba atrás, por algún motivo, en Japón les ultra mega encantó. El sello Avex impulsó durante años la serie de compilaciones Super Eurobeat, una colección interminable de discos que mantuvo vivo el género dentro de los clubes nipones.

    Pese a ello, el eurobeat seguía siendo muy de nicho… hasta que la nación del fuego atacó en 1998: ese año se estrenó Initial D, la adaptación animada del manga de Shuichi Shigeno.

    Cuando el drifting encontró su banda sonora

    La historia sigue a Takumi Fujiwara, un joven que trabaja ayudando en el negocio familiar repartiendo tofu por carreteras de montaña. Lo que comienza como algo random devela algo peculiar: Takumi es un as al volante y un maestro del drift. Corte a: comeniza a competir en carreras clandestinas, justo como las de Reto Tokio.

    La cuestión es que la banda sonora de Initial D estaba conformada exclusivamente de los mayores éxitos del eurobeat: ver al Takumi driftear en el cerro con su icónico Toyota AE86 Trueno al acelerado ritmo te rolones como “Don’t stop the music”, “Heatbeat” y “Deja Vu”… uffas, cine absoluto 🚬.

    Como diría ChatGpt: “no fue casualidad”: el ritmo del eurobeat hacía match a la perfección con la sensación de velocidad del drifting y cada canción parecía amplificar la tensión de las carreras; los beats marcaban el pulso constante que acompañaba los derrapes, mientras que los sintetizadores empujaban la escena hacia adelante y generaban ese suspenso respecto a quién iba a salir avante (obvio el Takumi, tenía al guion de su lado).

    De música de nicho a símbolo cultural

    Cuando Initial D empezó a circular internacionalmente en los 2000, el eurobeat viajó con ella y ¡pum!, explotó la tacha. Las canciones comenzaron a aparecer en foros y comunidades de fans, al grado de que el género y el drifting se volvieron indisolubles.

    Con el paso de los años, y con la llegada de YouTube y las redes, fans comenzaron a compartir memes y edits del anime con las canciones, reviviendo así a un género musical que muchos creían extinto.

    Hoy es casi imposible separar al eurobeat de Initial D. Lo que comenzó como música de discotecas italianas se convirtió en el sonido definitivo del drifteo. Por ello, les dejo mi top 10 de canciones de eurobeat, para que las pongan cuando vayan por La Pera y rompan esa curva con estilo.

    TOP canciones de eurobeat para driftear en el cerro con estilo

    • Deja Vu — Dave Rodgers
    • Running in the 90s — Max Coveri
    • Night of Fire — Niko
    • Gas Gas Gas — Manuel
    • Beat of the Rising Sun — Dave Rodgers
    • Speedy Speed Boy — Marko Polo
    • Remember Me — Leslie Parrish
    • Don’t Stop the Music — Lou Grant
    • Heartbeat — Nathalie
    • Killing My Love — Leslie Parrish

  • Samuraï inicia nueva etapa con “Los Paracaídas”

    Samuraï inicia nueva etapa con “Los Paracaídas”

    La artista madrileña Samuraï abre un nuevo capítulo en su carrera con el lanzamiento de “Los Paracaídas”, un sencillo que marca el inicio de una etapa distinta dentro de su universo creativo. La cantante apuesta por un sonido más abierto y emocional sin perder la honestidad que caracteriza sus letras.

    El tema se mueve en un terreno íntimo donde la vulnerabilidad es el punto de partida. “Los Paracaídas” explora los altibajos del corazón y ese impulso que empuja a regresar a aquello que nos hace sentir bien… incluso cuando sabemos que nos va a dar el desarrollo de personaje más duro hasta ahora.

    Y justo la frase “pero caer es mi forma de volar” funciona como eje de la canción, convirtiendo la caída en un gesto de resiliencia y crecimiento personal.

    Samuraï

    Este lanzamiento llega después de El silencio del ruido (2024), su álbum debut, un trabajo que confirmó la identidad artística de Samuraï dentro de la nueva generación del pop alternativo español.

    El disco combina guitarras cercanas al pop rock con una escritura confesional que aborda emociones cotidianas desde una perspectiva generacional.

    Samuraï, nombre artístico de Aroa Lorente, comenzó a ganar notoriedad en la escena madrileña a finales de la década pasada gracias a una propuesta que mezcla pop alternativo, rock melódico y una sensibilidad cercana al indie contemporáneo. Sus canciones suelen centrarse en experiencias personales, relaciones afectivas y procesos emocionales que conectan con una audiencia joven.

  • Metal: Hellsinger, una travesía rítmica llena de plomo a través del infierno

    Metal: Hellsinger, una travesía rítmica llena de plomo a través del infierno

    Para nadie que tenga años jugando videojuegos es novedad que este medio está sumamente relacionado con la música, y que cada género suele estar relacionado (valga la redundancia) a géneros en específico. En concreto, los shooters van mucho de la mano con el metal. Y justamente Metal: Hellsinger es el pináculo de ello.

    El juego, desarrollado por The Outsiders y publicado por Funcom, parte de una idea sencilla pero GOD: fusionar los disparos con el ritmo y el fokin metal. ¿Y cómo se traduce eso al gameplay? Fácil: soltar tiros al beat de unas rolas pesadas bien duras.

    En Metal: Hellsinger controlamos a The Unknown, la barda infernal, una guerrera mitad humana mitad demonio (o ángel… ups spoliers) que atraviesa los círculos del infierno en busca de venganza contra la Jueza Roja, quien le arrebató su voz.

    Cada acción que el jugador ejecuta siguiendo el beat aumenta un multiplicador de daño y mantiene el flujo del combate. Además, si disparas sin ritmo, pues tus balas palen pa’ nada. Y la cereza del pastel está en la música: las canciones evolucionan conforme el jugador mantiene el ritmo: primero aparecen los instrumentos base, luego entran guitarras más pesadas, la batería se vuelve más intensa y, finalmente, las voces llegan a partir tímpanos.

    Un OST de los GOD

    La banda sonora es el verdadero protagonista de Metal: Hellsinger. Fue compuesta por el dúo Two Feathers, pero el juego eleva su propuesta gracias a la participación de algunos de los vocalistas más reconocidos de la escena metal internacional.

    Cada nivel del juego está acompañado por una canción diseñada específicamente para el combate rítmico. Estos temas están durísimos… pero es una lástima que sólo los puedes escuchar en el juego y ripeados en YouTube.

    Entre los artistas invitados se encuentran Alissa White-Gluz, conocida por su trabajo con Arch Enemy, cuya potencia vocal aporta una energía agresiva y técnica; y Tatiana Shmayluk, voz de Jinjer, cuya interpretación combina brutalidad y precisión vocal en uno de los niveles más memorables del juego.

    Pero la canción que literalmente santifica a tirso al infierno es la del jefe final: “No tomorrow” , la cual tiene al legendario Serj Tankian de System of a Down. Su interpretación eleva la batalla a una especie de catarsis climática que verdaderamente es absoluto cine 🚬.

    Metal y videojuegos: una alianza de años

    Parte de lo que hace tan especial a Metal: Hellsinger es que es un proyecto hecho por verdaderos fans del metal. El juego no utiliza el género como simple estética agresiva. Su diseño, su música y su ritmo responden a la lógica del género.

    Esto conecta con una relación histórica que existe desde hace décadas entre el metal y los videojuegos. Desde los años noventa, títulos como DOOM o Quake definieron la identidad sonora de los shooters con guitarras distorsionadas, baterías potentes y atmósferas oscuras. Aquellas bandas sonoras ayudaron a construir la conexión entre la intensidad del metal y la acción interactiva.

    Metal: Hellsinger es una joya que todx fan del metal debería de probar. El único punto “negativo” que yo le vería es que es muy corto (aunque sacaron unos DLCs con rolas nuevas). Bueno, cálenlo y arrasen el infiero a escopetazos alv viejón.