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Anthems

  • Top 5 canciones para las historias de IG de tu conservadora

    Top 5 canciones para las historias de IG de tu conservadora

    Todxs (o al menos eso quiero pensar) tenemos una tía conservadora, malvibrosa, criticona, mosca muerta, metiche, con el síndrome de Doña Florinda y, por algún motivo, con el pelo teñido de un tono rubio “vainilla latte” del Starbucks. Si tú eres ella, mi más sentido pésame. Si es tu mamá, te mando un fuerte abrazo.

    Bueno, la cuestión es que, en la oficina, Ref (nuestra experta en lidiar con esas entidades) y yo nos sentamos a hacer justamente una selección de las canciones que este tipo de personas suele usar en sus peculiares posts de redes sociales.

    So, aquí les compartimos nuestro top 5 de canciones con el mismo sabor de una pechuga hervida sin sal, perfectas para que le sugieras a tu tía de derecha cuando te pida ayuda para subir una historia a su Instagram presumiendo el brunch con sus amigas, su paseo en alguna marcha provida o simplemente tirándole hate a los izquierda.

    Eso sí, vamos a procurar que sea una selección “arriesgada”, para que tu tía quede encantada contigo por mostrarle rolas bien “lochoconas”.

    “Summer” – Calvin Harris

    Perfecta para musicalizar un paseo y/o recorrido de tu tía por San Ángel, un domingo caluroso saliendo de Cluny con rumbo al bazar de arte.

    “Middle” – DJ Snake

    La canción arriesgada para una noche de fiesta “loca” en Las Lomas. Mientras con una mano sujeta un cosmo, con la otra señala a los “chavitos” al otro lado del antruki , al mismo tiempo que ignora los insistentes mensajes de WhatsApp de su su marido (tu tío del que siempre se queja).

    “Animals” – Maroon 5

    Con esta la vas a trollear sin que sepa. Puedes hacerle creer que es la canción ideal para una foto o video junto a su corgi o pomerania… pero tu, yo y todxs sabemos que este himno furro despertará en ella sus más bajos instintos.

    “Clocks” – Coldplay

    Un clásico indiscutible de la blanquitud del mundo mundial. Ideal para cualquier momento. Si dudas respecto a qué canción sugerirle, este es el comodín.

    “I Can Do It With A Broken Heart” – Taylor Swift

    Perfecta para que saque su girl power post divorcio (recuérdale que eso es pecado y que diosito ~o Yaldabaoth, el demiurgo…?~ la va a castigar).

    Úsala para cuando te pida ayuda para postear ese reel curioso en el que ella y susi amigas, además de quejarse de sus ex maridos, se ponen a criticar los cuerpos de otras mujeres que ni las topan.

  • ¿Por qué la música de Dark Souls 3 es tan épica?

    ¿Por qué la música de Dark Souls 3 es tan épica?

    Uno de mis juegos favoritos de todos los tiempos es Dark Souls 3, una de las obras maestras de Miyazaki Hidetaka (en realidad, todo lo que ha hecho este hdpm es GOD). Pero, en especial, el cierre de esta trilogía tiene un lugar muy especial en mi kokoro por todos los temas que aborda: romper (o no) ciclos que ya están muertos, el libre albedrío vs el destino, la memoria y la locura, entre otras cositas.

    Síntesis cutre del lore

    Para entender por qué la música de Dark Souls 3 está tan cabrona, primero una síntesis del lore: la Primera Llama, aquella energía que permitió a los gigantes y humanos derrotar a los dragones de piedra, se está apagando por millonésima vez.

    Por ello, diversos señores de la ceniza son revividos para volver a encenderla. Pero, para sorpresa de nadie, les valió 30 hectáreas de espada y cada uno se fue a atrincherar a su respectivo dominio. Por ello, el Ser de Ceniza (tú) tiene que ir a cosechar las almas de estos carnales para así forzarlos de nuevo a sus tronos y volver a avivar la llama… o no.

    Una de las características de los juegos de Miyazaki es que gran parte de la música sólo aparece en las peleas de los jefes. En esta tercera entrega fue compuesta por Yuka Kitamura, con aportes de Motoi Sakuraba y Tsukasa Saitoh. Voy a hacer una selección de los temas que son los más duros a mi parecer y dar una breve explicación.

    Aldrich, Devourer of Gods

    No hay nada más duro que llamarte “el devorador de los dioses” y literalmente eso es Aldrich: inició comiendo gente y después pasó a consumir a las deidades, en específico a Gwyndolin, de quien usa su cuerpo para pelear contra ti. Al escuchar su tema, dominado por una voz en un eterno lamento, llega a ti su aura impía y que se burla de lo sacro.

    Nameless King

    El Rey sin Nombre es el jefe más duro del juego base. Es el hijo de Gwyn, el señor de la ceniza original, que fue desterrado por cometer la máxima blasfemia: hacerse amigo de los dragones. En la primera fase, su tema remite a tormentas y surcar los cielos sobre el lomo de un reptil alado (porque justo eso hace). La segunda parte no me encanta tanto (quizás porque me mataba a cada rato ahí).

    Yhorm the Giant

    Esta canción tiene una entrada digna de un rey de como unos 10 metros de altura. Se trata de una pelea en la que te mides con un monarca de altura (literalmente), en la que te ayuda (si haces las cosas correctas) quien fue su mejor amigo, quien busca ponerlo a descansar (para simpe). La canción te transmite ese peso de la diferencia de proporciones y su imponencia.

    Soul of Cinder

    El Alma de Ceniza es la amalgamación de todos aquellos que encendieron la llama en el pasado y eso, en términos de gameplay, se traduce a que este wey se comporta como cualquier otro jugador y va cambiando de estilo de pelea; “y ¡hasta hace el mítico backflip hacia atrás! .si la canción es épica en su primera fase… cuando llega la transición a la segunda… plin plin plon: te da una nueva versión mucho más triste y emocional del tema de Gywn, el señor de las ceniza original. Absoluta música 🚬

    Slave Knight Gael

    Esta es la mejor canción, la más dura del juego y la banda sonora del cierre verdadero de la trilogía. Además de que en su cinemática te dice “dame el alma oscura”, cine verdadero ), la canción, al igual que el jefe, tiene tres fases. En la primera se siente el desgaste que ha dejado una causa perdida; en la segunda empieza el descenso a la locura y en la tercera llega el absoluto clímax de una de las sagas más importantes en la historia de las producciones audiovisuales. Solo escúchenla, Yuka Kitamura nos da con ella una cátedra de música narrativa.

  • Metal Gear Solid V: tremendas canciones con sabor a conflicto

    Metal Gear Solid V: tremendas canciones con sabor a conflicto

    Hace años hubo una temporada en la que me obsesioné durísimo con la saga de Metal Gear del Hideo KojimaGOD, la cual, lastimosamente se murió en el incompleto Metal Gear Solid V: The Phantom Pain.

    Para no tratar de explicar el lore iré directo al grano: el juego tiene una selección de canciones que están durísimas, que además tienen una construcción muy ligadas a los temas centrales de la historia y la saga. So, métanse a una caja, échense un puro frente a algún reloj y escuchen con presencia.

    “Sins of the Father”

    “Sins of the Father” es el tema principal y está tremendísimo. La primera vez que lo escuché en el tráiler de cuando lo anunciaron… absoluta música 🚬.

    Los temas que aborda técnicamente explican el lore de la saga: legado transgeneracional, culpa que se hereda, identidad y la forma en la que alguien se corrompe con tal de cumplir sus objetivos. Y luego

    Durísima, de veras.

    “Quiet’s Theme”

    Quiet es un personaje construido alrededor del silencio, de la distancia y de una presencia que primero desconcierta, pero luego se vuelve clave. Y su canción es una forma de verbalizar todo aquello que no puede pronunciar (no habla, pues).

    Tiene la voz Stefanie Joosten, la actriz que la interpreta, y, narrativamente, acompaña la transformación del vínculo entre Quiet y Venom Snake. Verdaderamente una muy bella canción.

    “A Phantom Pain”

    Tremendo temón. “A Phantom Pain” a diferencia del resto del OST, esta canción te da la impresión de que la escuchaste con anterioridad en algún punto de tu vida; suena a rock chido ochentero, muy Duran Duran.

    La canción juega con el concepto del dolor fantasma (el fenómeno de sentir dolor en una parte del cuerpo que ya no existe {el Snake es manco}) y el de una identidad rota, construida y resquebrajada.

    Bonus: “Invisible” de Duran Duran

    Quien le sabe a TikTok y es de la comunidad fan de Kojima ya conoce los motivos de que la ponga aquí: memes.

    Por algún motivo, alguien empezó a hacer en 2023 edits de Venom Snake con esta canción y mucha gente fue gaslighteada a creer que forma parte del soundtrack. Imposible, porque el juego es de 2015 y la rola de 2021.

    Lo curioso es que la canción queda muy bien con el este producto cultural digital, no solo porque su estructura musical es muy parecida a “The Phantom Pain”, sino porque los temas que aborda son los mismos: manipulación, despersonalización, control, presencia fantasma, imposibilidad de afirmarse por completo como un yo estable. Como anillo al dedo.

  • Somnus, o el onírico y trágico roadtrip de Final Fantasy XV

    Somnus, o el onírico y trágico roadtrip de Final Fantasy XV

    Hoy en la sección “Videojuegos que compré por su música” tenemos a Final Fantasy XV, el cual decidí adquirir por su tremendo tema principal y leitmotiv “Somnus”, compuesto por la mismísima Yōko GOD Shimomura.

    La primera vez que escuché “Somnus” fue en uno de los primeros trailers del juego, creo que todavía se llamaba Final Fantasy Versus XIII. La canción no solo es dolorosa, trágica, sencilla y hermosa, sino que es el eje emocional de toda la historia: pérdida, aceptación y una, digamos, redención que deja una agridulce sensación que te conmueve cabrón.

    Un viaje que va a terminar sad

    La primera aparición de “Somnus” es el menú principal y diablos, te spoilea durísimo. Le puchas strat y corta a la secuencia inicial: Noctis, el prota, aparece sentado en un trono, en una escena cargada de fuego, destrucción y silencio.

    FFXV

    Después de ese arranque, el juego cambia de ritmo y presenta el viaje en carretera del príncipe junto a sus amigos de toda la vida: Ignis, Prompto y Gladiolus, quienes, aunque en un inicio se ven felices y todo eso, poco a poco vas descubriendo que son personas rotas con pasados trágicos, pero que aún así prefirieron crecer como personas y luchar por un bien mayor.

    Para no spoilear (y porque voy como a la mitad del juego), me limitaré a decir que las distintas versiones de “Somnus” marcan puntos de no retorno en la historia, la cual pasa de ser un viaje de hermandad a una carga individual marcada por el destino, el linaje y… pues… decisiones que quiebran.

    El sueño de los insomnes

    La composición de Yōko Shimomura está conformada por un piano sencillo, un violín nostálgico que evoluciona a una base de cuerdas que crece de manera progresiva y aumenta la cadencia emocional. Aunque es muy corta, la canción tiene un clímax que condensa todo lo que va a vivir el Noctis.

    FFXV

    Hay dos versiones principales: la instrumental y la con voz. Esta última es cantada por Aundréa L. Hopkinsen en latín y la letra, básicamente, cuenta la historia de cómo los hijos de un dios dormido hacen un cagadero.

    El leitmotiv de la tragedia

    “Somnus” funciona como leitmotiv en el sentido más clásico. Representa el destino de Noctis y la carga que implica su papel de heredero del trono de un reino roto dentro de la historia. Cada vez que aparece, lo hace con variaciones que reflejan el estado del personaje y del entorno.

    En los primeros momentos, la canción sugiere que el entusiasta de las armas filosas aún no se comprende enteramente la carga que está destinado a llevar. Más adelante, cuando las consecuencias de sus actos empiezan a verse, el tema regresa a darle un golpe de realidad. Y al final (y esto lo sé porque lo vi en YouTube)… durísimo, hermanes; esa versión se llama “Somnus Ultima” y es el cierre para el relato de un verdadero rey.

    FFXV

    Escribir esto ya me antojó volver a jugar Final Fantasy XV y ahora sí terminarlo, aunque para ello tengo que buscarme un espacio en mi muy apretada agenda (estoy casando, jefe, inventen el día de 30 horas).

    Para cerrar, otras canciones que les recomiendo del Soundtrack de FFXV son “NOX AETERNA”, “Veiled in Black” y la basadísima “APOCALYPSIS NOCTIS”.

  • Alina Pash: brujería, política y resistencia cultural

    Alina Pash: brujería, política y resistencia cultural

    Conocí la música de Alina Pash hace algunas meses, como otra de esas recomendaciones random que te hace Instagram cuando andas doomscrolleando. Y wau: me voló la cabeza. Hace una mezcla muy mística de hip hop, electrónica y folk ucraniano, e integra en ella identidad cultural, simbolismos de su natal Ucrania y política, porque, aunque la gente tibia lo quiera negar (como la Rosalía) ABSOLÚTAMENTE TODO ES POLÍTICO.

    Así que (mi entras me como una rebanada de pastel de red velvet por un cumpleaños de la ofi) les contaré un poco de sus rimas durísimas, místicas… y que en su mayoría tengo que googlear porque no sé ucraniano.

    Alina Pash

    Raíces culturales y simbolismo espiritual

    Alina Pash creció en Transcarpatia, una región con una tradición muy marcada y que sigue viva, que no se ha dejado consumir ni desplazar por la voracidad de las potencias culturales de occidente… tal como ya paso en nuestro bizarro y surreal México.

    La primera canción suya que escuché fue “Oracle Flower”, la cual, por fortuna, está en su mayoría en inglés, pero la intro tiene unos coros muy místicos en ucraniano, acompañados de lo que hasta a la fecha no sé si es una zanfona o una gaita. Básicamente, habla acerca de rituales y enfrentar la sombra.

    La propia Alina ha explicado en entrevistas que su intención es “mezclar lo antiguo con lo nuevo para que no se pierda la esencia”, y que su proyecto busca mantener viva esa conexión con sus raíces dentro de un contexto moderno.

    Alina Pash

    Además, su bio de Spotify está durísima: “Estoy canalizando una curiosidad sin límites hacia la exploración de lo sobrenatural a través del arte, especialmente mediante la música. No tengo límites, no tengo cajas, y no conozco reglas en el proceso creativo porque, cuando me llama, respondo”.

    Canciones donde lo personal y lo colectivo se cruzan

    Uno de los puntos más interesantes de su música es cómo lo íntimo se conecta con lo colectivo. En “Bitanga”, mezcla lo urbano y lo tradicional, tanto en el ritmo como en la forma de interpretar.

    En su EP Amerikraine Dream, aborda temas como la migración, el deseo de salir, las expectativas económicas y la tensión entre lo local y lo global. Es como una mini bio de su experiencia existencial tras mudarse a Disparos Unidos.

    Con “Shadows of Forgotten Ancestors”, canción con la que ganó la selección nacional de Ucrania para el funado Eurovision, toma el nombre de una obra clave del cine ucraniano y se apoya en referencias culturales profundas para construir una pieza donde la identidad y la memoria son el eje.

    Alina Pash

    Todo es político x 2

    Sobre su trabajo, Alina Pash ha dicho que quiere “mostrar Ucrania tal como es, con su historia, su dolor y su belleza”, una idea que atraviesa varias de sus canciones y que explica por qué su música no se queda en lo superficial.

    La dimensión política en su arte no se reduce a decir: “que csm el político x”)”, sino que aparece en sus decisiones creativas, como cantar mayoritariamente en ucraniano, las referencias a su cultura que usa, hablar de sus prácticas espirituales y la manera en la que representa su territorio.

    Y, aunque no sepas ni pio de ucraniano, todo esto se siente a través de su música. Honestamente es una artista que, en mi nada humilde opinión, considero que nadie se debe perder. Ojalá algún día venga a México y saque las rimas brujiles.

  • A esto suenan los libros que pronto serán cine o serie

    A esto suenan los libros que pronto serán cine o serie

    Para nadie es nuevo que a Hollywood le da hueva pensar y que gran parte de las series y películas que vemos son adaptaciones de libros, videojuegos etc., a veces bien logradas… y a veces nacen muertas.

    Y este 2026 se van a estrenar varias cositas adaptadas de libros, que veremos si les quedan buenas… o no. Quise hacer una playlist de a qué canciones sonaría cada libro/serie/peli, pero solo he leído uno. So, le pedí a un compa muy bibliófilo, Juanelo San Román (o Pana Libros), que me ayudara y ésta fue la playlist que se armó.

    Cinder (Las crónicas lunares – Marissa Meyer)

    La saga de Marissa Meyer ya está en proceso de adaptación como película animada de la mano de Warner Bros y Locksmith Animation, con dirección de Noëlle Raffaele y estreno previsto para 2028. La historia sigue a Cinder, una cíborg que intenta encontrar su lugar en una sociedad marcada por la desigualdad y una plaga mortal, mientras se ve envuelta en conflictos políticos con la colonia lunar.

    Pana Libros dice que esa mezcla entre ciencia ficción, cuento clásico y tensión emocional suena a “Season of the Witch” de Lana Del Rey.

    Atrapada en las vacaciones (Christina Lauren)

    Netflix ya tiene en marcha la adaptación de esta comedia romántica, con rodaje previsto para febrero de 2026 y un elenco que incluye a Maddie Ziegler y Rob Lowe, lo que coloca la historia en un terreno de romance ligero pero bien construido.

    Según Pana Libros, la novela funciona desde la química entre personajes, los encuentros inesperados y ese tipo de amor que aparece en momentos random. Suena a “Last Christmas” de Wham!, supongo que porque es random escucharla fuera de la Navidarks.

    No estás en la lista (Alison Espach)

    TriStar Pictures adquirió los derechos de la novela tras una fuerte puja entre estudios, y la adaptación estará dirigida por Will Speck y Josh Gordon, con guion de Nicole Holofcener. La historia gira en torno a una protagonista que se enfrenta a momentos incómodos, decisiones personales y una búsqueda de sentido que mezcla humor con momentos más duros. Pana Libros dice que suena a “Everybody’s Changing” de Keane.

    Cumbres Borrascosas (Emily Brontë)

    Esta ya salió y muecha gente me ha dicho que, o la amas, o te da asco. Esta adaptación es dirigida por Emerald Fennell y encabezada por Margot Robbie, Jacob Elordi y Alison Oliver.

    Pana Libros no se esforzó y dijo que suena a “Chains of Love” de Charli XCX... el tema principal de la peli.

    La Odisea (Homero)

    Este si lo leí lols. Christopher Nolan lleva este clásico a la pantalla con una producción bien bastarda: están usando cámaras IMAX y el elenco tiene a puro famoso como Matt Damon, Tom Holland, Anne Hathaway, Zendaya y Lupita Nyong’o. La historia (por si no lo leíste en la secundaria) sigue el viaje de Odiseo en su regreso a Ítaca. Y redundantemente, Pana Libros dice que suena a “Ithaka” de Vangelis.

    Heartstopper Forever (Alice Oseman)

    Este webcomic escaló en una serie que concluirá con un largometraje de Netflix este 2026, el cual adapta el volumen 6, con Joe Locke y Kit Connor retomando sus papeles de Nick y Charlie y participando también como productores ejecutivos. Pana Libros dice que suena a “Out of My League” de Fitz and the Tantrums.

  • ¿Por qué la canción de Simple Plan para Scooby-Doo es GOAT?

    ¿Por qué la canción de Simple Plan para Scooby-Doo es GOAT?

    Porque son Scooby-fokin-Doo y Simple Plan. ¿Necesitas más razones? Lols. Pero bueno, cualquier pretexto es bueno para hablar hablar de esta canción (que está en gran parte de mis playlists), así que let’s gooooo.

    Breve historia del pop-punk de Scooby galletas

    Cuando What’s New, Scooby-Doo? salió en 2002, Warner Bros. Animation buscaba actualizar la franquicia sin romper la fórmula clásica del Scooby, el Shaggy, el Fred, la Daphne y la Velma viajando de ciudad en ciudad resolviendo misterios y desenmascarando a criminales randoms (muy posiblemente furros).

    A diferencia del Scooby-Doo clásico (el cual crecí viendo), el ritmo narrativo era mucho más ágil, los colores estaban mucho más saturados y el cast tenía personalidades más marcadas, joviales y alegres.

    scubidubidu

    So, la empresa contactó a Simple Plan, quienes por esos años eran famosos por clásicos como “Perfect”, “Welcome to my life” y “I’m just a kid”.

    La canción fue escrita por la banda junto con Arnold Hennings y Ron Wasserman, compositor de televisión conocido por su trabajo en Power Rangers, serie que quizás tiene uno de los intros más duros de toda la historia. El objetivo era crear un tema juvenil, energético, alegre y que diera las vibes de que el Scooby y el Shaggy podrían perseguir criminales enmascarados sobre patineta junto al Tony Hawk.

    “What’s new Scooby-Doo? We’re coming after you…”… tremendo inicio me hace sentir como el crítico de Ratatouille cuando come el (valga la redundancia) ratatouille.

    Y listo: una canción de poco más de un minuto se convirtió en una de las mejores canciones hechas para TV del mundo. Weeey, la rola es tan peak que Simple Plan la toca en sus conciertos con gente (seguro therians) disfrazada con mamelucos de Scooby-Doo corriendo sobre el escenario.

    Y ya. Eso es todo, mis chicos entrometidos. Ahora vuelvan a jalar o lo que sea que estaban haciendo. Y busquen el capítulo en el que justo Simple Plan sale con el Scooby, es verdadero cine 🚬.

  • Valensia y el viaje sinfónico de Air Twister

    Valensia y el viaje sinfónico de Air Twister

    Honestamente, muchos de los videojuegos que he comprado en mi vida ha sido por el soundtrack, y uno de ellos es Air Twister: un shooter super oscuro, pero bien bonito, para el cual Valensia hizo una banda sonora 10/10. Y justo ese es el tema que nos compete hoy.

    Una colaboración muy random, pero muy épica

    Hace unos pocos años, Yu Suzuki (el legendario diseñador japonés detrás de Space Harrier, Out Run y Shenmue) decidió regresar a los shooters arcade e ideo Air Twister, el cual tenía en mente como una experiencia surrealista, cinematográfica (kinda), colorida y muy cute.

    En el juego controlas a La princesa Arch, una guerrera que surca los cielos enfrentándose a hordas de criaturas fantásticas y enemigos mecánicos en escenarios muy random, junto a sus animales mágicos, entre ellos un cua cuá gigante 🦆🦆🦆. El gameplay es básicamente Space Harrier y es sencillo, hasta que no sabes por donde te llegan las cosas.

    Para el juego Suzuki quería algo muy ópera rock decidió contactar a Valensia, pues es fan el compositor neerlandés. Su estilo grandilocuente lleno de coros, guitarras dramáticas y estructuras casi operáticas siempre le pareció perfecto para un videojuego de fantasía.

    Una sinfonía de fantasía

    Al parecer Suzuki es un hombre que resuelve, pues, como tenía idea de cómo contactar a Valensia, lo buscó en redes y le escribió directamente: “Le envié un mensaje explicando que yo era el creador de videojuegos Yu Suzuki, con un enlace a mi página de Wikipedia adjunto”, contó al respecto.

    Cuando le contestó, le habló del proyecto y Valensia aceptó. Para el juego, el neerlandés (conocido porque su trabajo está extremadamente influenciado por Queen) hizo 19 grabaciones, algunas las escribió específicamente para el proyecto, mientras que otras son nuevas versiones de canciones famosas.

    En algunos casos incluso fue necesario modificar material existente para que encajara mejor con la narrativa del juego. Suzuki recuerda que ciertas letras no coincidían con el tono del proyecto.

    Air Twister es un shooter, pero había letras sobre romper con tu novia y eso no encajaba con el contenido, así que le pedí que reescribiera y cambiara las letras para el juego”, relató Suzuki.

    Las composiciones están llenas de cambios de tempo, guitarras deliciosas, capas de voces corales y estructuras largas que sí suenan un chingo a Queen.

    El soundtrack de Air Twister es una experiencia que se disfruta literalmente en cualquier situación. Les recomiendo en especial “Phantom of the opera 2022”, “Gaia 2022” y “Princess mystique”.

    Y, ¿deberían comprar Air Twister? La verdad es que es muy barato y por lo general anda seguido en oferta, así que sí, recomiendo. Eso sí, no esperan acá un GOTY, pero si está chido para cotorrear en ratillos.

  • “Bury the Light”: el impacto cultural de Vergil de Devil May Cry 5 en el shitpost

    “Bury the Light”: el impacto cultural de Vergil de Devil May Cry 5 en el shitpost

    A estas alturas es muy poco probable (pero no imposible) que no hayas escuchado “Bury the Light” , el tema de Vergil en Devil May Cry 5. Es una canción épica que, además de hablar de su lore, se ha convertido en un fenómeno y una fuente de memes que serán estudiados en años por como parte fundamental de la cultura pop.

    Compuesta por Casey Edwards e interpretada por Victor Borba, la canción apareció en 2020 con Devil May Cry 5: Special Edition, la versión del juego que finalmente permitía usar a Vergil como personaje jugable. Con casi diez minutos de duración, es una de los temas peak de la historia de los videojuegos. y el metal progresivo.

    Guitarras densas, coros épicos, cambios de ritmo constantes y una letra que parece escrita desde la mente del propio Vergil construyen una pieza que mezcla drama, poder y fatalismo: alguien que renuncia a su humanidad para abrazar su poder demoniaco. El coro tiene además una línea que lo cambió todo: : “I am the storm that is approaching.”

    La canción que encapsula a Vergil

    Dentro de la narrativa de Devil May Cry, Vergil siempre ha sido el contrapunto perfecto de Dante. Si Dante representa el caos y la irreverencia, Vergil encarna la obsesión por el poder y la disciplina absoluta. “Bury the Light” toma ese conflicto interno y lo convierte en música.

    La letra gira alrededor de la idea de enterrar la humanidad para abrazar el poder demoníaco, algo que define por completo la filosofía del personaje. La música sigue ese mismo arco emocional: comienza casi contemplativa, crece lentamente con capas de guitarras y sintetizadores, y termina estallando en una tormenta sonora que parece hecha para acompañar una batalla final.

    De soundtrack a fenómeno cultural

    Pero más allá de que esté bien épica “Bury the Light” se convirtió en un meme entre los fans de DMC5 comenzaron a apropiarse de ella. Comenzaron a sacar edits de Vergil caminando con calma antes de una pelea, montajes absurdos y videos de peleas épicas comenzaron a circular por YouTube, TikTok y Reddit acompañados por el mismo momento de la canción: la entrada de la frase “I am the storm that is approaching.”

    @mau_lisha117 sunflower in the storm 🌻⛈🌧🌪#devilmancry #imthestormthatisapproaching #fyppppppppppppppppppppppp #funny #fypシ #foryou #fyp #memestiktok ♬ Bury the Light – user

    Ese fragmento terminó convirtiéndose en una especie de señal universal de que algo absurdamente épico está a punto de ocurrir.

    Pero con el tiempo todo evoluciona y el meme también: la legendaria silla de plástico de Vergil. En muchos edits el personaje aparece sentado tranquilamente en una silla blanca de patio toda random justo antes de su pelea de jefe. Cabe destacar que la silla no está en el juego original, pero a algún moder se le ocurrió ponérsela por los LOLs. Absoluto cine 🚬.

    Hoy “Bury the Light” ocupa un lugar extraño y fascinante dentro de la música de videojuegos. Es al mismo tiempo soundtrack, canción de metal, meme y símbolo cultural no solo del fandom de Devil May Cry, sino de la cultura mundial del shitpost.

    Ahora sólo nos queda esperar a que cuando Capcom se digne a hacer Devil May Cry 6 nos de una rola igual de épica con un meme con el mismo nivel de epicidad.

  • Shadows of the Damned: cuando el punk de The Damned sonó en el infierno

    Shadows of the Damned: cuando el punk de The Damned sonó en el infierno

    No hay nada más peak que una banda que comparte la mitad del nombre de tu juego termine cantando su tema principal. Y eso fue exactamente lo que ocurrió con Shadows of the Damned, shooter infernal de Suda 51, y la mítica banda de punk The Damned.

    A más de una década de su lanzamiento original(y su reciente remasterización en 2024) “Theme of Shadows of The Damned” se mantiene como una de mis canciones favoritas y hoy toca hablar de ella, y del juego y proyecto en general.

    El azote mexicano del infierno

    Cuando el título apareció originalmente en 2011 ya era una colaboración que apuntaba a que iba a ser de las GOD: en ella trabajaron juntos Shinji Mikami, el creador de Resident Evil; Goichi Suda (Suda51), el loco detrás de No More Heroes; y Akira Yamaoka, el legendario compositor Silent Hill.

    El resultado fue un juego grotesco, violento y cargado de humor negro que sigue a Garcia Hotspur, un cazador de demonios mexicano que, junto a su pistola parlante Johnson, desciende al infierno para rescatar a su novia Paula. Algo así como una Divina Comedia, pero sin ser un fanfic isekai de época (¿o no mi Dante?).

    Akira Yamaoka y un infierno con guitarras

    El soundtrack compuesto por Akira Yamaoka abandona en gran medida el tono melancólico, industrial y estresante que lo hizo famoso en Silent Hill para explorar algo mucho más visceral: en este predominan guitarras distorsionadas, ritmos pesados y una atmósfera que mezcla horror con rock oscuro y punk.

    La música acompaña el descenso de Garcia por distintos niveles infernales con un enfoque mucho más físico y agresivo. Algunas piezas funcionan como ambient inquietante que refuerza la sensación de estar en un mundo corrompido, mientras que otras explotan en riffs eléctricos que impulsan la acción durante los momentos de acción.

    El álbum oficial, “Shadows of the Damned Original Music From Akira Yamaoka”, incluye más de veinte pistas que combinan instrumentales tensos con temas cantados que aportan una dimensión distinta al juego. Entre las voces que aparecen en el soundtrack destaca Mary Elizabeth McGlynn, colaboradora frecuente de Yamaoka desde los días de Silent Hill, cuya presencia conecta ambos universos musicales.

    The Damned da voz a los malditos

    Pero la que quizá es la mejor canción del OST es el tema principal, el cual cuenta con la participación de David Vanian, vocalista de The Damned. Durante la fase de producción del soundtrack Yamaoka estaba buscando una voz que encajara con el tono oscuro y teatral del juego, y recurrió a Vanian por su inconfundible voz. Lo invitó a participar, aceptó y el resto es el tremendo rolón.

    “Theme of Shadows of The Damned” es una pieza que mezcla guitarras pesadas con una interpretación vocal grave y dramática que encaja perfectamente con el imaginario infernal del juego. La canción es cierre brutal para la experiencia (spoilers: no termina bien).

    En retrospectiva, la colaboración está cabrona y merece tener muchas más atención que la que recibió originalmente, pues fue (y sigue siendo) un juego muy de nicho. Además, como suele suceder, la OST solo está disponible en YouTube. So, aquí se las dejo para su disfrute personal.