Categoría: Lanzamientos

  • Emilia Borlone le canta al amor bonito en “Mil Veces”

    Emilia Borlone le canta al amor bonito en “Mil Veces”

    En “Mil Veces”, la cantautora chilena Emilia Borlone le canta al amor bonito: ese que permanece cuando todo se tambalea, que abraza en medio del caos y que convierte la rutina en refugio. El sencillo, cuarto adelanto de su próximo LP debut, revela el pulso íntimo y emocional que definirá este primer trabajo discográfico.

    “Mil Veces” es una balada indie pop íntima y luminosa que celebra el amor bonito, ese que no desaparece ante las crisis, sino que se fortalece en ellas. La canción habla de elegir a alguien incluso en los días difíciles, de encontrar refugio en la cotidianidad compartida y de agradecer la presencia que transforma el caos en calma.

    El sonido se mueve entre lo análogo y lo orgánico, con arreglos sobrios que permiten que la voz y la letra ocupen el centro. Hay sensibilidad, nostalgia y una calidez que sostiene el mensaje sin caer en dramatismos. La consigna es clara: el amor bonito sí existe y merece ser elegido mil veces.

    El concepto visual y narrativo que acompaña el sencillo gira en torno a la luz en medio del desorden, la naturaleza y la ternura cotidiana. Más que una declaración grandilocuente, la canción retrata pequeños gestos que sostienen vínculos reales.

    Una voz que apuesta por la honestidad emocional

    Emilia Borlone ha venido construyendo una propuesta marcada por la vulnerabilidad y la cercanía. En sus sencillos anteriores, como “Quisiera Borrar”, “Quédate Adentro” y “La Joya”, la compositora explora emociones íntimas desde una estética sencilla y directa.

    Recientemente se presentó en el Foro del Tejedor, en la CDMX, donde interpretó estos temas junto a “Mil Veces”, acompañada por tres músicos e invitados como Pehuenche y Madame Récamier. La atmósfera del concierto reforzó el tono que atraviesa su proyecto: honestidad, intimidad y conexión directa con el público.

    Con “Mil Veces”, Emilia Borlone reafirma esa línea creativa y anticipa un álbum debut que promete profundizar en las emociones que, lejos del espectáculo, sostienen la vida cotidiana.

  • AnDy Daling: pop soviético para los camaradas del mundo

    AnDy Daling: pop soviético para los camaradas del mundo

    Los memes soviéticos y sobre la madre Rusia siempre son divertidos, más cuando nos recuerdan lo absurda que puede ser la concepción que las personas externas a esas culturas tienen sobre ellas. AnDy Darling aprovecha que ella sí tiene ese barrio y nos propone una música muy movida, chidita y con punch, con toques de camarada comunista.

    Anastasia Dunaeva (AnDy Darling pa’ los camaradas) llegó a mi algoritmo por casualidad… realmente ni idea por qué se manifestó, pero se ha convertido en una de mis artistas favs.

    Nació en Rostov-on-Don, una ciudad del sur de Rusia que, ella misma afirma, “solo los hablantes de ruso probablemente la topan”. Ahora radica en Los Ángeles (para variar), pero lejos de homogeneizarse y ser una cantante pop EDM del montón gringo, explota al máximo su herencia soviética para hacer música y sketches llenos de cotorreo.

    AnDy Darling escribió su primera canción a los 11 años, la cual se viralizó. En ese momento decidió irse por el camino del arte. A los 17 se mudó sola a la República Checa, pasó por bandas de rock, participó en The Voice, vivió en Seúl para probar el K-pop, volvió a Moscú y firmó con Warner Music Russia.

    Aunque parecía que ya la tenía resuelta, “sentía que estaba rozando el techo”. Ese “techo” fue lo que la hizo dejarlo todo, literalmente, y se mudó a Estados Unidos: primero Nashville, luego L.A., ahora Nueva York. Empezó desde cero. Otra vez (como la gente de webos alch).

    Durante sus primeros años en la tierra de Epstein, AnDy se dedicó a escribir para otros artistas sin sello ni publishing. Luego volvió a su propio proyecto.

    “Cold War Star” y la madre patria

    Hablar de sus canciones requiere muuucho texto (recomiendo “Never Enough” y “Gods With Us”), pero me voy a centrar en “Cold War Star”, su más reciente sencillo. Y sí, suena a soviético, y ese es el chiste.

    Esta canción es una forma de convertir su historia en música acelerada y atrabancada. La letra básicamente habla acerca de los estereotipos que los gringos y el mundo tienen de las personas originarias de los países soviéticos: que son frías, calculadoras, malignas y que siempre traen tracksuits.

    Tremendo rolón… lástima que dura menos de dos minutos.

    Con su música y en esta etapa de su proyecto, AnDy Darling está haciendo de su vida una obra de arte con tintes del brutalismo ruso y ritmos perfectos para tirar flow: “Mi vida es básicamente un experimento para ver si una chica rusa puede realmente convertirse en una estrella pop global.”

    Así que ya se la saben, vayan a escucharla. Muy pocos artistas usan su origen como motor creativo sin caer en una caricatura no irónica. Ella lo logra, porque AnDy Darling es clave.

  • Caloncho nos da una cátedra de chill con “Mangos”

    Caloncho nos da una cátedra de chill con “Mangos”

    Caloncho regresa con “Mangos”, un sencillo que mantiene su energía luminosa, pero la ligeramente la tensiona. Sigue estando el groove cálido que lo caracteriza, pero ahora hay una intención más marcada de empujar el ritmo y meterle músculo sin perder la sonrisa.

    Musicalmente, “Mangos” avanza sobre una base rítmica viva, bajo protagonista y melodías que fluyen con naturalidad. Suena muy reggae. Los versos tienen una cadencia relajada que lo ha hecho reconocible dentro del indie mexicano, pero, cuando entra el coro aparece una guitarra con distorsión que lo cambia todo (insert meme here) que le un toque rockerón.

    Si sumas eso con la voz de Caloncho (ligera, amable y casi despreocupada) obtienes una rolita muy rica para ecahr el coto con los panas de la oficina los viernes de azulitos y tarot.

    El videoclip, dirigido por Bernardo de Anda, aunque en una primera lectura podría parecer muy random, ya que disfrutas de la música agarra sentido.

    Literal es Caloncho en un paisaje desértico junto al mar: cactus, arena, cielo abierto. O está comiendo mangos, o está de chill en una moto en el desierto, andando o pasando el rato.

    El tránsito visual de la inmovilidad al movimiento refleja el corazón del track. “Mangos” no es solo una canción veraniega temprana (o de Semana Santa) con vibra tropical. Habla de reactivarse, de sentir la adrenalina después de una pausa larga. Esa sensación de volver a encenderse conecta con el momento exacto en que el coro se abre y la guitarra empuja todo hacia adelante.

    Con “Mangos” , Caloncho nos entrega un pequeño himno (dura menos de tres minutos nomms) perfecto para pasarla bien y disfrutar de las pequeñas cosas de la vida, como una paseo, el arte de deambular y, obviamente, comerte un mango… gran plan dominguero.

  • Carpenter Brut acelera con “Speed or Perish”: synthwave cyberpunk bien caótico

    Carpenter Brut acelera con “Speed or Perish”: synthwave cyberpunk bien caótico

    Carpenter Brut no hace canciones, construye escenas caóticas de acción e historias en formato sonoro. Y en “Speed or Perish”, el tercer sencillo de Leather Temple, lo deja claro: esto es nuevo cyberpunk que le mundo necesitaba: colores neón, explosiones, sintos durísimos y resistencia ante el sistema.

    Franck Hueso, el Carpenter Brut, lleva más de una década construyendo un universo donde el synthwave no es estética retro que solo suena bonito, sino que plasma la tensión, el metal, distopía en fusión con el terror, el slasher y la ciencia ficción, en especial el cyberpunk: ciudades arrasadas, máquinas dominando el espectáculo y humanos convertidos en combustible del entretenimiento.

    “Speed or Perish” no tiene letra porque no la necesita. Es instrumental y se te instala directo en el cerebro: sintetizadores propulsivos, golpes electrónicos, guitarras distorsionadas y un ritmo acelerado que no baja la velocidad… el sueño de todo tdahero.

    El videoclip es dirigido por Seth Ickerman y es una joya: muestra una masacre a alta velocidad: cuchillas, disparos, choques y el consumo de la vida humana como insumo del entretenimiento y el control de masas. La cámara vertiginosa no se detiene y la sangre no se estiliza. Es una distopía donde la adrenalina es la narrativa y el caos es la única constante.

    La canción forma parte de Leather Temple, disco que sale el 27 de febrero y cierra la trilogía conformada por Leather Teeth y Leather Terror.

    Musicalmente, Leather Temple promete un sonido más rítmico, más directo y más saturado, con una atmósfera noventera electro-industrial que conecta con el ADN cyberpunk clásico: beats afilados, capas distorsionadas y una sensación permanente de colapso inminente. Cada track funciona como una secuencia dentro de un mundo que ya está cayendo.

    Carpenter Brut no redefine el synthwave: él es el synthwave. Además, lo empuja hacia el metal industrial y lo instala en un paisaje cyberpunk donde la velocidad es la única droga que necesitamos.

    100/10 alch.

  • Violet Grohl, ¿nepotismo bien hecho?

    Violet Grohl, ¿nepotismo bien hecho?

    Desde que irrumpió en los escenarios con apenas 12 años junto a su padre Dave Grohl, el líder de Foo Fighters (F.F. si le sabes a los Jojo’s) Violet Grohl ha tenido una vida ligada a la música. Pero ahora, a sus 19 años, la pregunta más repetida es: ¿es solo una nepo baby más o es una que sí tiene aquello para crear por sí misma?

    Este año, Violet ha publicado varios sencillos como “THUM” y “Applefish”, disponibles en plataformas tras firmar contrato con Republic Records bajo su propio sello, Auroura Records.

    Musicalmente, “THUM” suena crudo, energético y con un pulso directo al rock alternativo moderno, mientras que “Applefish” muestra una faceta más soñadora dentro del mismo espectro sonoro.

    “What’s Heaven Without You”, otro de sus lanzamientos recientes, es atmosférico y está inspirado en el cineasta David Lynch (absoluto cine 🚬☕🏔️🏔️). Lo compuso junto a Persia Numan (hija de Gary Numan) y el productor Justin Raisen, después de los incendios en Los Ángeles en 2025.

    Este coctel de nepotismo suena interesante, pues apela a una sensibilidad propia y un interés por explorar emociones y referencias culturales que trascienden su apellido.

    Gran parte de su trayectoria temprana (desde cantar covers con Adele junto a su padre hasta participar en homenajes y tributar canciones de Nirvana con los miembros sobrevivientes en 2025) podría verse como posicionamiento familiar. Pero el hecho de que haya firmado con un sello global, esté recibiendo producción profesional y haya lanzado múltiples singles propios indica que su carrera se está construyendo más allá de su linaje.

    Musicalmente, sus primeros pasos mezclan crudeza guitarrera con texturas modernas y atmósferas introspectivas, lo cual conecta tanto con fans del rock alternativo como con audiencias más jóvenes que consumen música experimental e híbrida.

    Claro, todavía está en los primeros pasos de su carrera y su apellido le va a abrir todas las puertas que quiera y ni siquiera va a tener que tocarlas. Pero Violet Grohl parece demostrar que puede transformar esas nepo oportunidades en algo chidito.

    Entonces, ¿es solo una nepo baby? En el sentido literal podría decirse que sí, pero de aquellas que si se saben la de jalar, pues su música ya suena reconocible, su firma creativa empieza a tomar forma y su proyecto no parece depender únicamente de la sombra de su padre.

  • Dulce María regresa con “Casi Algo”, pero ¿nos debería importar?

    Dulce María regresa con “Casi Algo”, pero ¿nos debería importar?

    Dulce María volvió a la música con “Casi Algo”, una canción popera que suena muuuuucho (quizás demasiado) a RBD.

    Este retorno ocurre cuando, en el imaginario colectivo, el nombre de Dulce María pareciera estar más asociado al fenómeno del reencuentro de RBD que a una carrera solista activa.

    Después del Soy Rebelde Tour, una de las giras latinas más taquilleras de 2023, la conversación en torno a su trayectoria quedó muy bellow de line, pero lo mismo ocurrió con la referente a la carrera de sus compañeros del grupo.

    Por ello me pregunté ¿realmente importa su regreso musical hoy Para no caer en juicios, hice un pequeño experimento doméstico: preguntando en la oficina a mis compañeras si consideraban relevante su retorno, la respuesta fue unánime: nos tenía con el pendiente la morra… y Xime ni la topaba.

    ¿Se aferra a RBD o busca su esencia propia?

    En “Casi Algo”, Dulce María habla de relaciones indefinidas, intensas pero sin nombre, algo que conecta con códigos afectivos actuales. La producción es limpia… pero suena muchísimo a RBD.

    Supongo que eso será del agrado para quienes son super fans de RBD y de la gente que creció con ella. Pero, en mi nada humilde opinión, considero que no hay señales claras de que este retorno a la música marque una evolución en su quehacer artístico. En términos de memes, sería un “ah ok, te me cuidas”.

    El regreso de Dulce María no compite por dominar el pop contemporáneo, ni mucho menos figurar en los tops de las plataformas. Sino que más bien se siente como un esfuerzo para mantenerse vigente entre quienes la recuerdan.

    Para nadie es nuevo que la nostalgia vende, pero al menos póngale voluntad. También se vale explorar cosas nuevas. La gente cambia con el tiempo y se nota cuando alguien está estancado… o se aferra a lo que le da confort.

  • Budaya apuesta por el amor no posesivo en “Querer (Sin Querer Tener)”

    Budaya apuesta por el amor no posesivo en “Querer (Sin Querer Tener)”

    Budaya, el proyecto conformado Maya Piña y Tulio Almaraz, presenta “Querer (Sin Querer Tener)”, una colaboración con Wet Baes (Andrés Jaime) en la que explora el acto de amar sin convertir al otro en propiedad, a través de una fusión de electrónica rica, melódica y popera.

    Musicalmente, la canción cuenta con bases electrónicas limpias, capas atmosféricas y un enfoque emocional fiestero que no cae en dramatismo. La producción de Wet Baes aporta pulso y textura, pero sin desplazar la identidad del dúo. “Querer (Sin Querer Tener) se mantiene en ese punto medio entre electropop y house suave perfecto para toda ocasión.

    Líricamente, el tema gira en torno a una idea concreta: amar sin intentar poseer, no desde el cliché del desapego frío, sino desde la aceptación de que las relaciones cambian y que el crecimiento personal no siempre coincide con la permanencia. El concepto es simple: querer sin convertir el afecto en propiedad o autoridad.

    “Querer (Sin Querer Tener)” no busca romper moldes ni marcar época, sino que pretende dar un mensaje sumamente relevante en un contexto en el que las ideologías tóxicas de derecha van al alza, al mismo tiempo que te pone a bailar suavecito con su feeling lleno de groove.

  • Kim Gordon y “Dirty Tech”: lo último de la pionera del noise rock

    Kim Gordon y “Dirty Tech”: lo último de la pionera del noise rock

    Kim Gordon, cofundadora de Sonic Youth y figura fundamental del rock alternativo desde finales de los 80, sigue trabajando su voz artística y anda con todo: lanzó “Dirty Tech”, el segundo sencillo que adelanta su próximo álbum solista Play Me, el cual se estrena el 13 de marzo vía Matador Records.

    “Dirty Tech” llega después del primer avance oficial del disco, Not Today, y se suma a una serie de pistas que trazan una evolución en su obra, donde se mezcla su herencia en la escena underground con temas contemporáneos.

    Tecnología, ansiedad y estética sonora

    En “Dirty Tech”, Kim Gordon aborda directamente la relación entre los humanos y la tecnología, y lo hace con una mezcla de crudeza sonora e ironía. La letra plantea cuestionamientos sobre la influencia de la IA en la vida cotidiana y el poder, con líneas que reflexionan sobre si nuestros futuros empleadores podrían ser chatbots y sobre quién pagará el precio real del avance tecnológico.

    Esa tensión es reforzada por una producción que incorpora ritmos hip-hop y texturas modernas, manteniendo el enfoque experimental que ha caracterizado a Gordon desde sus días en Sonic Youth.

    El video que acompaña al tema, dirigido por Moni Haworth, utiliza imágenes de oficinas vacías y entornos corporativos desolados para reforzar esa sensación de desplazamiento humano frente a la tecnología.

    Play Me: continuidad y ruptura

    “Dirty Tech” es parte del tercer álbum solista de Gordon, Play Me, que también incluye temas como “Not Today”, “Busy Bee” y “Post Empire”.

    En entrevistas recientes, la artista ha descrito el proceso de creación del disco como más rápido, enfocado y marcado por ritmos potentes, en colaboración con el productor Justin Raisen. Play Me sigue la estela de su trabajo anterior, The Collective (2024), pero incorpora nuevas preocupaciones temáticas ligadas a la era digital.

    En conjunto, “Dirty Tech” y los avances de Play Me nos remarcan que Gordon sigue siendo una figura creativa poderosa, capaz de explorar cómo la cultura sonora puede captar y cuestionar el pulso de su tiempo y contexto sociopolítico.

  • Por qué nos importa Power Snatch, el nuevo proyecto de Hayley Williams

    Por qué nos importa Power Snatch, el nuevo proyecto de Hayley Williams

    Hayley Williams no está lanzando música nueva solo por inercia creativa. Power Snatch importa porque confirma algo que su carrera viene diciendo desde hace años: Williams ya no está interesada en repetir fórmulas, ni siquiera las que ella misma ayudó a crear con Paramore.

    El proyecto, que firma junto a su colaborador habitual Daniel James, se presentó oficialmente tras el estreno del tema Assignment en Apple Music 1, aunque llevaba meses gestándose fuera del radar. Antes, los fans habían detectado pistas: un teaser publicado en Instagram en julio y la canción DMs subida a Bandcamp en diciembre. Nada accidental. Todo controlado.

    El momento profesional de Hayley Williams

    El lanzamiento de Power Snatch llega además en un punto simbólico de su carrera. Apenas un día después de quedarse sin premio en sus cuatro nominaciones a los Grammy Awards, Williams reaccionó con ironía al decir que “siempre es un honor perder contra The Cure”. La frase no es solo humor: es una toma de postura. Hayley ya no compite por validación institucional.

    Musicalmente, EP1 —disponible solo en Bandcamp y fuera de las grandes plataformas— recoge tres canciones: DMs, Duh y Hole In The Ceiling, piezas que continúan la línea introspectiva y cruda de su etapa solista. Assignment, curiosamente, quedó fuera del EP, aunque ya puede escucharse en servicios de streaming convencionales, reforzando la idea de que Power Snatch opera bajo sus propias reglas.

    Un proyecto que dialoga con su historia y sus polémicas

    Este proyecto también se lee a la luz de los momentos más tensos de su trayectoria. Tras años de conflictos internos en Paramore, rupturas personales muy públicas y debates abiertos sobre salud mental, Hayley Williams ha utilizado su música reciente como un espacio de control y autonomía creativa. Power Snatch no busca masividad ni narrativa épica: busca independencia.

    Por ahora no hay detalles sobre el futuro del proyecto ni sobre posibles lanzamientos adicionales. Pero equis, lo importante es que Hayley sigue moviéndose fuera de los carriles habituales y genéricos de la industria, y lo hace en sus propios términos.

    Y justo por eso, Power Snatch nos importa.

  • Xavi y Carín León unen generaciones con “La Morrita” y marcan el rumbo del regional mexicano en 2026

    Xavi y Carín León unen generaciones con “La Morrita” y marcan el rumbo del regional mexicano en 2026

    El regional mexicano arranca 2026 consolidando una de sus mayores fortalezas: la capacidad de conectar generaciones sin romper con su identidad. Esta semana, Xavi y Carín León lanzaron La Morrita, una colaboración que refleja con claridad el momento que vive el género.

    La canción une dos trayectorias distintas dentro del mismo ecosistema musical. Xavi representa a una nueva camada de artistas que ha crecido desde plataformas digitales y audiencias jóvenes, mientras que Carín León se mantiene como uno de los referentes más sólidos y transversales del regional mexicano contemporáneo.

    “La Morrita” y el diálogo entre tradición y nuevas audiencias

    Más allá del estreno, La Morrita funciona como una radiografía del sonido actual del regional mexicano. El tema conserva elementos tradicionales del género, pero los presenta desde una narrativa más directa, alineada con las formas de consumo musical de las nuevas generaciones.

    Este tipo de colaboraciones explica por qué la música grupera y regional mantiene una presencia constante en listas de popularidad y conversación cultural. Lejos de fragmentarse, el género se fortalece cuando distintas voces comparten espacio y construyen puentes entre públicos que antes parecían separados.

    El regional mexicano define su estrategia para 2026

    En un inicio de año marcado por lanzamientos estratégicos, la unión entre Xavi y Carín León confirma que el regional mexicano en 2026 apuesta por la continuidad, la colaboración y la expansión. No se trata solo de sumar reproducciones, sino de consolidar una narrativa que mantenga vigente al género frente a una industria cada vez más competitiva.

    La Morrita no es solo un nuevo sencillo. Es una señal clara de hacia dónde se dirige el regional mexicano: un género que entiende su pasado, dialoga con su presente y construye activamente su futuro.