La cantautora mexicana Valle tomó uno de los momentos más duros de su vida —la muerte de su padre— y lo transformó en “Eres Luz”, canción que atraviesa el dolor y te invita a soltar.
Durante años, Valle no pudo cantarla. Cada vez que lo intentaba, el peso emocional la rebasaba. Pero, con el paso del tiempo, logró integrarla e hizo con ella un homenaje honesto y humano, que comparte con sus escuchas que están pasando por algo parecido.
La canción se sostiene sobre una base sencilla de piano, cuerdas y la voz de Valle. La producción, a cargo de Memo Méndez Guiu y Joel Alonso, resalta que el espacio emocional que deja la música.
De esta manera, Valle lleva el duelo hacia un lugar donde también cabe el cariño, la memoria y cierta paz.
Valle cuenta con más de dos décadas construyendo una carrera en la que ha trabajado con figuras como Benny Ibarra, Rubén Albarrán y Roco Pachukote. Un CV muy versátil, pero con una identidad identidad muy marcada.
Desde Tepoztlán, donde vive actualmente, su música se conecta con la familia, la memoria y la forma en la que las experiencias personales se convierten en algo compartido.
El DJ y productor brasileño Pedro Sampaio se une al mismísimo El Bogueto en “G-Latina”, un tema bien perreador que cruza el funk carioca con la energía del reggaetón y el rap urbano mexicano.
Sampaio, una de las figuras más visibles del funk brasileño contemporáneo, lleva años empujando ese sonido fuera de Brasil, mezclándolo con pop latino y electrónica de club. En “G-Latina” mantiene ese enfoque híbrido, pero ahora lo conecta con el flow chacal del Bogueto.
“Colaborar con El Bogueto en ‘G-Latina’ fue genial porque, durante el proceso, descubrí un punto en común entre nuestras formas de hacer música. Esta canción tiene una irreverencia y una energía caótica muy brasileña, muy mía, pero también muy suya”, explicó Sampaio.
De las favelas a Tepito
La producción del tema corre a cargo del propio Pedro Sampaio, acompañado por el colectivo Subelo NEO, un equipo que ha trabajado en algunos de los hits más grandes del pop urbano latino, incluyendo canciones de Bad Bunny, Karol G y Rauw Alejandro.
Se trata de un track donde la energía brasileña y el lenguaje chacalón mexa se encuentran de forma natural. Al respecto, El Bogueto dice en la rola: deja clara esa conexión en su verso: “De Tepito a Rocinha / Llego tu barrio me dice minina / Me mudo pa’ Río y te hago mi vecina.” Un poeta, verdaderamente.
Un encuentro latino en Río
El video fue filmado en Rocinha, en la zona sur de Río de Janeiro, en un día de absoluta fiesta que catapulta la energía comunitaria que comparten muchas culturas urbanas de América Latina.
“La música es un lenguaje universal. ‘G-Latina’ está cantada en español, pero no necesitas entender la letra para sentir que es una canción que te invita a bailar”, dijo el oriundo de la tierra de la sopa de macaco.
“G-Latina” es un track directo, ruidoso y bailable que hace de México y Brasil verdaderos panas. Perfecta para los viernes de bellaqueo godín o los domingos de miches en Tepito.
Sonido Gallo Negro y Sonido La Changa son, por separado, sinónimos de pulir el piso y sacarle filo a las chanclas con los prohibidos. Pero si los juntas… oh mai gad, obtienes el peak del bailongo nacional. Y justo esa colaboración que nadie pidió, pero que todos necesitábamos es “La Cumbia del Gallo Negro”, canción que mezcla el pulso hipnótico y psicodélico de la banda con la voz inconfundible de Ramón Rojo Villa.
“La Cumbia del Gallo Negro” es un punto de encuentro entre dos tradiciones que comparten la misma raíz: de un lado está Sonido Gallo Negro, el cual, aunque es fresa, tiene una propuesta minimalista y rica cumbianchera mezclada con psicodelia tropical y surf; del otro está el mítico Sonido La Changa, sonidero que no necesita presentación si tienes calle, barrio y haz disfrutado de algún azulito.
Juntos nos otrogan una rola prefecta para bailar con pasos de cumbia rebajada, en pareja o simplemente en estados de conciencia alterados, en una carpa semioscura en medio del barrio.
Durante años, ambos proyectos se han encontrado en escenarios en los que los fans pedían a gritos una colaboración, como el Vive Latino 2015, la fiesta Infierno Tropical de 2024 o el ritual colectivo del Día de Muertos 2025.
Una cumbia que mira hacia adelante
“La Cumbia del Gallo Negro” no solo reúne dos nombres importantes del circuito tropical contemporáneo; también marca el inicio de una nueva etapa para Sonido Gallo Negro. La banda se encuentra trabajando en el material que dará forma a su próximo disco, un proyecto que promete empujar todavía más su exploración sonora.
Si algo ha caracterizado al grupo desde su origen es su interés por llevar la cumbia a terrenos inesperados sin perder el pulso del baile. En esta nueva canción esa intención se vuelve evidente: la tradición está presente, pero no como museo, sino como combustible para seguir experimentando.
Poniéndonos analistas de la cultura, “La Cumbia del Gallo Negro” es un cruce entre historia y presente: un sonidero que nació en los barrios populares en los años 70 dialoga con una banda que ha llevado la cumbia psicodélica a festivales y escenarios internacionales.
Escúchenla, báilenla y piérdanle el miedo a ir a los bailes de los barrios pesados, mis todos tibios.
Entre las canciones más delicadas del repertorio de Santa Sabina, “Ojalá fuera tu voz” ocupa un lugar especial. Incluida en Mar adentro en la sangre (2000), la pieza condensa esa mezcla de melancolía, poesía y dramatismo que definía la voz de Rita Guerrero. Ahora, Madame Récamier lo reinterpreta desde una sensibilidad distinta: una versión más íntima que transforma la canción en un paisaje cercano al trip-hop, donde las texturas suaves y la contención vocal reemplazan la intensidad teatral del original.
Lejos de intentar replicar la interpretación de Guerrero, Récamier opta por una lectura más etérea que deja respirar la melodía. Los arreglos construyen una atmósfera delicada y nocturna que resalta el carácter introspectivo de la composición, permitiendo escuchar la canción desde otra perspectiva sin perder su esencia emocional.
La propia cantante ha contado que la semilla de esta reinterpretación surgió inesperadamente: mientras daba clases de canto, una alumna comenzó a grabar con ella algunos coros de forma espontánea, lo que terminó generando un primer demo de la canción.
Durante el proceso creativo, Récamier explica que pensó constantemente en Rita Guerrero, intentando imaginar si los sonidos y la atmósfera de esta nueva lectura dialogarían con su espíritu y su poesía. El resultado es un homenaje construido desde la admiración y la gratitud.
Un gesto de memoria hacia Santa Sabina
La canción forma parte del proyecto Devotos: Tributo a Santa Sabina, una iniciativa que reúne distintas versiones del repertorio de la banda mexicana considerada como uno de los proyectos más influyentes del rock alternativo nacional.
El proyecto tiene además un componente solidario: las ganancias generadas están destinadas a una institución dedicada a la lucha contra el cáncer de mama, convirtiendo el homenaje en una forma de mantener vivo el legado artístico y humano de la banda.
La MC mexicana Ximbo regresa con “Amor Épico”, un sencillo que convierte la experiencia del amor en una declaración política dentro del hip hop contemporáneo. En colaboración con el productor Ninja Uno, la canción propone una mirada distinta sobre las relaciones: lejos de la violencia, la posesión o la subordinación, el tema plantea una forma de amar construida desde la conciencia y la autonomía.
El track abre de forma austera, con una voz directa que emerge sobre una instrumental drumless que construye tensión a partir de elementos de música clásica. El ambiente crece poco a poco hasta llegar a un coro dramático que prepara el terreno para la entrada de los drums. Cuando finalmente irrumpen, la canción se transforma en un boom bap sobrio y elegante donde cada verso adquiere peso.
La producción de Ninja Uno apuesta por un enfoque minimalista que deja espacio a la palabra. El ritmo funciona como soporte para una interpretación frontal de Ximbo, cuya voz madura convierte la experiencia personal en un discurso colectivo. En ese punto, “Amor Épico” deja de ser únicamente una canción de amor para convertirse en un manifiesto que cuestiona los modelos afectivos dominantes.
El tema fue seleccionado en el concurso Canción del Buen Amor, un reconocimiento que refuerza el enfoque social y cultural del lanzamiento. Al mismo tiempo, la canción marca el inicio de una nueva etapa creativa para la MC.
“Amor Épico” funciona como el primer adelanto de “Bilora Bella”, próximo LP de Ximbo que forma parte de la saga Flow Pantera y que llegará en el marco de los 30 años de trayectoria de la artista dentro del hip hop.
Tres décadas construyendo hip hop mexicano
Hablar de Ximbo implica hablar de una figura clave en la historia del hip hop nacional. A lo largo de tres décadas ha participado en proyectos fundamentales para la escena, entre ellos Magisterio y Rimas Femeninas, iniciativas que ayudaron a consolidar espacios para el rap hecho por mujeres en México.
Su trabajo ha trascendido el formato musical para convertirse también en una labor de promoción cultural y formación dentro del movimiento hip hop. Desde talleres hasta presentaciones internacionales, Ximbo ha construido una trayectoria que combina creación artística, activismo cultural y presencia constante en la escena.
El músico argentino Broke Carrey presenta “Monumento”, single que adelanta lo que será HIJO DEL PAÍS, su segundo álbum de estudio. El artista, que ha venido construyendo una propuesta que mezcla pop, hip hop y tradición popular argentina, utiliza esta canción para explorar un territorio poco habitual dentro de su obra: la tonada cuyana.
La canción fue compuesta y grabada junto al mendocino Cocó Orozco, integrante de Usted Señalemelo y parte del equipo de composición del disco. Criado dentro de esa tradición musical, Orozco aporta una sensibilidad profundamente ligada al folclore cuyano, que Carrey toma como punto de partida para reinterpretarla desde su propio lenguaje.
En “Monumento”, Broke Carrey convierte el recuerdo de una mujer en una especie de altar profano. La canción funciona como una oda al deseo, mezclando la picardía y la exageración características de la música popular argentina con una mirada contemporánea.
Después de “ZUPAY”, este nuevo adelanto aparece como una grieta luminosa dentro del universo de HIJO DEL PAÍS. La canción introduce humor, sensualidad y un guiño a la tradición dentro de un disco que, en su conjunto, explora emociones más intensas.
Una tonada que rompe la solemnidad del disco
El propio Broke Carrey explicó que el tema surgió como una forma de romper con el tono solemne que atraviesa gran parte del álbum.
“Soy una persona que está todo el tiempo queriendo hacer reír a los que tiene alrededor, y me gusta que la música también me haga reír. El último día del camp Cocó grabó una tonada, que es la música con la que creció, la de su familia, y antes de irse nos dijo medio en chiste: lo único que les pido es respeto. Y yo me quedé pensando en cuál sería la manera más respetuosa de faltarle el respeto”, contó el artista.
A partir de esa idea surgió la letra: una respuesta provocadora al tono delicado de las guitarras que Orozco había grabado.
El sencillo llega acompañado por un videoclip dirigido por Justo Benedetto, filmado en La Carrera, Mendoza. El video muestra a Carrey y Orozco regresando de tocar, subidos a la parte trasera de una camioneta con guitarras y vino, rodeados por la ruta y las montañas.
El grupo SANTOS BRAVOS, el primer proyecto de pop latino impulsado por HYBE Latin America, anunció el lanzamiento de su EP debut DUAL, que llegará el 13 de marzo. Con este proyecto, la agrupación busca consolidar una propuesta que mezcla la energía del pop latino con la estética y coreográfica del K-pop.
El anuncio del EP llega acompañado por una nueva docuserie titulada detrás de DUAL (Behind DUAL), que ofrecerá una mirada al proceso creativo del proyecto. La serie se estrenará el 15 de marzo en Spotify y al día siguiente en el canal oficial de YouTube del grupo, con episodios semanales que mostrarán momentos del trabajo en estudio y la evolución artística de los integrantes.
Un concepto construido sobre la dualidad
El EP DUAL se articula alrededor de una idea central: la coexistencia de dos energías dentro del grupo. Por un lado está el lado SANTO, que representa la espontaneidad, la fiesta y la conexión entre los integrantes. Por otro aparece el lado BRAVO, una faceta más intensa que canaliza el movimiento, el carácter y una expresión artística más fuerte.
La docuserie explora esa construcción, alternando escenas del pasado y del presente para mostrar cómo cada canción fue tomando forma dentro del estudio.
Un grupo latino con estructura de K-pop
SANTOS BRAVOS está integrado por Drew (Estados Unidos/México), Kauê (Brasil), Alejandro (Perú), Kenneth (México) y Gabi (Puerto Rico), una alineación que refleja la diversidad cultural que el proyecto busca representar.
La agrupación se presentó por primera vez ante una audiencia masiva durante Premios Lo Nuestro 2026, donde interpretaron su sencillo “KAWASAKI”. La actuación fue destacada por su sincronía coreográfica, presencia escénica y propuesta visual, y medios como Billboard los señalaron como una de las promesas del pop latino emergente.
Un proyecto latino con ambición global
El proyecto SANTOS BRAVOS nació bajo el sello HYBE Latin America, división regional del conglomerado detrás de algunos de los proyectos más exitosos del K-pop. La idea es trasladar parte de esa estructura de producción, narrativa y construcción de fandom al universo del pop latino.
Tras el lanzamiento de DUAL, SANTOS BRAVOS iniciará su primera ruta de festivales por Latinoamérica. El recorrido comenzará el 20 de marzo en el Festival Estéreo Picnic de Colombia, seguido por Tecate Pa’l Norte en Monterrey.
Posteriormente el grupo se presentará en el Empire Music Festival en Guatemala y en Tecate Emblema en Ciudad de México, como parte de una estrategia que busca ampliar su presencia internacional.
Con Florece en el Caos, No Te Va Gustar abre una nueva etapa creativa en su trayectoria. El álbum, lanzado a sus 30 años de carrera, marca un giro en la energía de la banda: ahora más directa, áspera y concentrada, pero sin desprenderse de la raíz melódica y emocional que les da identidad.
En este nuevo trabajo, el grupo uruguayo condensa su sonido en un formato más cohesionado. Las guitarras suenan mas filosas, la sección de vientos dialoga con más enfoque y la base rítmica sostiene un pulso firme que atraviesa todo el disco. Hay menos dispersión estilística y más intención conceptual.
Madurez lírica y cohesión sonora
Las letras de Florece en el Caos profundizan en preocupaciones universales desde un lugar más contemplativo. La banda aborda la incertidumbre, el desgaste, la resiliencia y la esperanza sin grandilocuencia, con una mirada que refleja madurez artística. El caos al que alude el título no funciona como derrota, sino como terreno fértil para reconstruir.
Musicalmente, el disco conserva la esencia híbrida de NTVG, pero con una producción más enfocada y una unidad estética clara. Cada canción parece responder a un mismo clima emocional.
Un nuevo ciclo en movimiento
Florece en el Caos no se presenta como el punto de partida de un ciclo que continuará en una extensa gira internacional durante 2026. El recorrido incluirá fechas por Latinoamérica y Europa.
En México, la banda visitará Guadalajara, Querétaro, Puebla, Monterrey, León y Ciudad de México en agosto. Así que si son fans del grupo compuesto por Emiliano Brancciari, Martín Gil, Denis Ramos, Mauricio Ortiz, Diego Bartaburu, Pablo Coniberti, Guzmán Silveira y Francisco Nasser, estén atentos para cuando se acerque su visita a México.
iza tkm presenta i Music Listen, su álbum debut, una obra que consolida un proyecto nacido desde la memoria emocional y la búsqueda personal.
Grabado a lo largo de dos años, i Music Listen es un ejercicio de vulnerabilidad sonora. El álbum combina guitarras orgánicas registradas en notas de voz, guitarras eléctricas distorsionadas, sintetizadores , pianos, gritos y coros que construyen una atmósfera cruda y cercana.
Entre las capas sonoras aparecen también audios de los mejores amigos de iza y varias canciones dedicadas a su mamá, reforzando el carácter profundamente personal del proyecto.
Juventud y autodescubrimiento
En su disco, iza tkm explora las vivencias de la juventud contemporánea: mudarse a nuevas ciudades, atravesar vínculos complejos y enfrentar el proceso constante de autodescubrimiento. El proyecto incluye colaboraciones con bandita emergente como AKRIILA, FaceBrooklyn, Méne y EMJAY,
Musicalmente, iza tkm fusiona pop alternativo, drum n bass y electrónica con una sensibilidad dreampop que transita entre lo etéreo y lo visceral. El resultado es un sonido orgánico y honesto que canaliza la vulnerabilidad tanto de la artista como de quien la escucha.
Una respuesta masiva desde el primer día
Para celebrar el lanzamiento de i Music Listen, iza tkm realizó una listening party en la Glorieta de los Insurgentes que reunió a más de 1,500 personas. La convocatoria confirmó el alcance de un proyecto que ha crecido de manera orgánica desde redes y plataformas digitales.
“Me siento muy tranquila y muy feliz de que por fin esté afuera el álbum, llevo mucho tiempo trabajando en esto y ver los frutos de mi trabajo me llena mucho,” expresó iza tras el evento. “No esperaba para nada la respuesta de la gente y estoy muy agradecida, es una experiencia irreal que siempre llevaré cerca de mi corazón.”
Para celebrar el lanzamiento de su noveno álbum de estudio, The Mountain, Gorillaz presenta un cortometraje animado de ocho minutos titulado “The Mountain, The Moon Cave & The Sad God”. La pieza, disponible a través del sello propio de la banda, KONG, es una extensión visual del universo narrativo del disco.
Dirigido por Jamie Hewlett, cocreador del proyecto, junto al estudio londinense THE LINE, el cortometraje sigue a Noodle, Murdoc, 2D y Russel en un viaje por la India. La historia explora los temas centrales del álbum: el tránsito por la vida, la búsqueda espiritual y la intensidad de existir… ¿lograrán escapar del Samsara?
Un regreso a la animación 2D artesanal
La película es un regreso a la animación hecha a mano. Hewlett, acompañado por Max Taylor y Tim McCourt de THE LINE, desarrolló el proyecto durante 18 meses. El resultado es una obra que rinde homenaje a la época dorada de la animación 2D, con una estética inspirada en el cine animado de los años sesenta. De hecho, si te acuerdas de “El libro de la selva”, varias escenas te van a sonar.
El proceso combinó técnicas analógicas y digitales, priorizando fondos pintados a mano, materiales físicos y efectos prácticos en lugar de soluciones contemporáneas automatizadas. La intención fue reinterpretar el mundo de Gorillaz desde una lente cinematográfica clásica, apostando por textura, detalle y profundidad visual.
En la narrativa del cortometraje, Murdoc Niccals, Russel Hobbs, 2D y Noodle llegan a Mumbai con pasaportes falsos gestionados por un contacto de Murdoc en Nueva York. Lejos del estrellato pop internacional, la banda se sumerge en un proceso creativo marcado por lo místico y lo introspectivo, recorriendo paisajes montañosos que funcionan como metáfora del viaje vital.
Un álbum global y colaborativo
The Mountain es descrito como un paisaje sonoro expansivo que integra instrumentos tradicionales, texturas contemporáneas y una amplia red de colaboradores. El disco incluye 15 canciones y cuenta con participaciones de artistas como Ajay Prasanna, Anoushka Shankar, Asha Bhosle, Bizarrap, Black Thought, Johnny Marr, Sparks, Trueno y Yasiin Bey, entre muchos otros. También incorpora voces de colaboradores históricos ya fallecidos, como Bobby Womack, Tony Allen y Dennis Hopper.
El álbum fue producido por Gorillaz junto a James Ford, Samuel Egglenton y Remi Kabaka Jr., además de Bizarrap en una de las pistas. Se grabó en Studio 13 en Londres y Devon, así como en diversas locaciones de India, Medio Oriente y Estados Unidos. Las canciones incluyen interpretaciones en árabe, inglés, hindi, español y yoruba.
The Mountain Tour 2026
La banda acompañará el lanzamiento con The Mountain Tour, que recorrerá estadios del Reino Unido e Irlanda en la primavera de 2026. La gira comenzará el 20 de marzo en Mánchester y pasará por ciudades como Birmingham, Glasgow, Leeds, Cardiff, Nottingham, Liverpool, Belfast y Dublín. El 20 de junio de 2026 ofrecerán un concierto especial en el Tottenham Hotspur Stadium de Londres, con Sparks y Trueno como invitados en fechas seleccionadas.
