Categoría: Lanzamientos

  • Ximbo transforma el amor en manifiesto de hip hop con “Amor Épico”

    Ximbo transforma el amor en manifiesto de hip hop con “Amor Épico”

    La MC mexicana Ximbo regresa con “Amor Épico”, un sencillo que convierte la experiencia del amor en una declaración política dentro del hip hop contemporáneo. En colaboración con el productor Ninja Uno, la canción propone una mirada distinta sobre las relaciones: lejos de la violencia, la posesión o la subordinación, el tema plantea una forma de amar construida desde la conciencia y la autonomía.

    El track abre de forma austera, con una voz directa que emerge sobre una instrumental drumless que construye tensión a partir de elementos de música clásica. El ambiente crece poco a poco hasta llegar a un coro dramático que prepara el terreno para la entrada de los drums. Cuando finalmente irrumpen, la canción se transforma en un boom bap sobrio y elegante donde cada verso adquiere peso.

    La producción de Ninja Uno apuesta por un enfoque minimalista que deja espacio a la palabra. El ritmo funciona como soporte para una interpretación frontal de Ximbo, cuya voz madura convierte la experiencia personal en un discurso colectivo. En ese punto, “Amor Épico” deja de ser únicamente una canción de amor para convertirse en un manifiesto que cuestiona los modelos afectivos dominantes.

    El tema fue seleccionado en el concurso Canción del Buen Amor, un reconocimiento que refuerza el enfoque social y cultural del lanzamiento. Al mismo tiempo, la canción marca el inicio de una nueva etapa creativa para la MC.

    “Amor Épico” funciona como el primer adelanto de “Bilora Bella”, próximo LP de Ximbo que forma parte de la saga Flow Pantera y que llegará en el marco de los 30 años de trayectoria de la artista dentro del hip hop.

    Tres décadas construyendo hip hop mexicano

    Hablar de Ximbo implica hablar de una figura clave en la historia del hip hop nacional. A lo largo de tres décadas ha participado en proyectos fundamentales para la escena, entre ellos Magisterio y Rimas Femeninas, iniciativas que ayudaron a consolidar espacios para el rap hecho por mujeres en México.

    Su trabajo ha trascendido el formato musical para convertirse también en una labor de promoción cultural y formación dentro del movimiento hip hop. Desde talleres hasta presentaciones internacionales, Ximbo ha construido una trayectoria que combina creación artística, activismo cultural y presencia constante en la escena.

  • Broke Carrey hace del deseo una tonada en “Monumento”

    Broke Carrey hace del deseo una tonada en “Monumento”

    El músico argentino Broke Carrey presenta “Monumento”, single que adelanta lo que será HIJO DEL PAÍS, su segundo álbum de estudio. El artista, que ha venido construyendo una propuesta que mezcla pop, hip hop y tradición popular argentina, utiliza esta canción para explorar un territorio poco habitual dentro de su obra: la tonada cuyana.

    La canción fue compuesta y grabada junto al mendocino Cocó Orozco, integrante de Usted Señalemelo y parte del equipo de composición del disco. Criado dentro de esa tradición musical, Orozco aporta una sensibilidad profundamente ligada al folclore cuyano, que Carrey toma como punto de partida para reinterpretarla desde su propio lenguaje.

    En “Monumento”, Broke Carrey convierte el recuerdo de una mujer en una especie de altar profano. La canción funciona como una oda al deseo, mezclando la picardía y la exageración características de la música popular argentina con una mirada contemporánea.

    Después de “ZUPAY”, este nuevo adelanto aparece como una grieta luminosa dentro del universo de HIJO DEL PAÍS. La canción introduce humor, sensualidad y un guiño a la tradición dentro de un disco que, en su conjunto, explora emociones más intensas.

    Una tonada que rompe la solemnidad del disco

    El propio Broke Carrey explicó que el tema surgió como una forma de romper con el tono solemne que atraviesa gran parte del álbum.

    “Soy una persona que está todo el tiempo queriendo hacer reír a los que tiene alrededor, y me gusta que la música también me haga reír. El último día del camp Cocó grabó una tonada, que es la música con la que creció, la de su familia, y antes de irse nos dijo medio en chiste: lo único que les pido es respeto. Y yo me quedé pensando en cuál sería la manera más respetuosa de faltarle el respeto”, contó el artista.

    A partir de esa idea surgió la letra: una respuesta provocadora al tono delicado de las guitarras que Orozco había grabado.

    El sencillo llega acompañado por un videoclip dirigido por Justo Benedetto, filmado en La Carrera, Mendoza. El video muestra a Carrey y Orozco regresando de tocar, subidos a la parte trasera de una camioneta con guitarras y vino, rodeados por la ruta y las montañas.

  • SANTOS BRAVOS le pone sabor latino al K-pop con DUAL

    SANTOS BRAVOS le pone sabor latino al K-pop con DUAL

    El grupo SANTOS BRAVOS, el primer proyecto de pop latino impulsado por HYBE Latin America, anunció el lanzamiento de su EP debut DUAL, que llegará el 13 de marzo. Con este proyecto, la agrupación busca consolidar una propuesta que mezcla la energía del pop latino con la estética y coreográfica del K-pop.

    El anuncio del EP llega acompañado por una nueva docuserie titulada detrás de DUAL (Behind DUAL), que ofrecerá una mirada al proceso creativo del proyecto. La serie se estrenará el 15 de marzo en Spotify y al día siguiente en el canal oficial de YouTube del grupo, con episodios semanales que mostrarán momentos del trabajo en estudio y la evolución artística de los integrantes.

    Un concepto construido sobre la dualidad

    El EP DUAL se articula alrededor de una idea central: la coexistencia de dos energías dentro del grupo. Por un lado está el lado SANTO, que representa la espontaneidad, la fiesta y la conexión entre los integrantes. Por otro aparece el lado BRAVO, una faceta más intensa que canaliza el movimiento, el carácter y una expresión artística más fuerte.

    Santos Bravos

    La docuserie explora esa construcción, alternando escenas del pasado y del presente para mostrar cómo cada canción fue tomando forma dentro del estudio.

    Un grupo latino con estructura de K-pop

    SANTOS BRAVOS está integrado por Drew (Estados Unidos/México), Kauê (Brasil), Alejandro (Perú), Kenneth (México) y Gabi (Puerto Rico), una alineación que refleja la diversidad cultural que el proyecto busca representar.

    La agrupación se presentó por primera vez ante una audiencia masiva durante Premios Lo Nuestro 2026, donde interpretaron su sencillo “KAWASAKI”. La actuación fue destacada por su sincronía coreográfica, presencia escénica y propuesta visual, y medios como Billboard los señalaron como una de las promesas del pop latino emergente.

    Un proyecto latino con ambición global

    El proyecto SANTOS BRAVOS nació bajo el sello HYBE Latin America, división regional del conglomerado detrás de algunos de los proyectos más exitosos del K-pop. La idea es trasladar parte de esa estructura de producción, narrativa y construcción de fandom al universo del pop latino.

    Tras el lanzamiento de DUAL, SANTOS BRAVOS iniciará su primera ruta de festivales por Latinoamérica. El recorrido comenzará el 20 de marzo en el Festival Estéreo Picnic de Colombia, seguido por Tecate Pa’l Norte en Monterrey.

    Posteriormente el grupo se presentará en el Empire Music Festival en Guatemala y en Tecate Emblema en Ciudad de México, como parte de una estrategia que busca ampliar su presencia internacional.

  • No Te Va Gustar redefine su energía en “Florece en el Caos”

    No Te Va Gustar redefine su energía en “Florece en el Caos”

    Con Florece en el Caos, No Te Va Gustar abre una nueva etapa creativa en su trayectoria. El álbum, lanzado a sus 30 años de carrera, marca un giro en la energía de la banda: ahora más directa, áspera y concentrada, pero sin desprenderse de la raíz melódica y emocional que les da identidad.

    En este nuevo trabajo, el grupo uruguayo condensa su sonido en un formato más cohesionado. Las guitarras suenan mas filosas, la sección de vientos dialoga con más enfoque y la base rítmica sostiene un pulso firme que atraviesa todo el disco. Hay menos dispersión estilística y más intención conceptual.

    Madurez lírica y cohesión sonora

    Las letras de Florece en el Caos profundizan en preocupaciones universales desde un lugar más contemplativo. La banda aborda la incertidumbre, el desgaste, la resiliencia y la esperanza sin grandilocuencia, con una mirada que refleja madurez artística. El caos al que alude el título no funciona como derrota, sino como terreno fértil para reconstruir.

    Musicalmente, el disco conserva la esencia híbrida de NTVG, pero con una producción más enfocada y una unidad estética clara. Cada canción parece responder a un mismo clima emocional.

    Un nuevo ciclo en movimiento

    Florece en el Caos no se presenta como el punto de partida de un ciclo que continuará en una extensa gira internacional durante 2026. El recorrido incluirá fechas por Latinoamérica y Europa.

    En México, la banda visitará Guadalajara, Querétaro, Puebla, Monterrey, León y Ciudad de México en agosto. Así que si son fans del grupo compuesto por Emiliano Brancciari, Martín Gil, Denis Ramos, Mauricio Ortiz, Diego Bartaburu, Pablo Coniberti, Guzmán Silveira y Francisco Nasser, estén atentos para cuando se acerque su visita a México.

  • iza tkm debuta con “i Music Listen”, un álbum de introspección generacional

    iza tkm debuta con “i Music Listen”, un álbum de introspección generacional

    iza tkm presenta i Music Listen, su álbum debut, una obra que consolida un proyecto nacido desde la memoria emocional y la búsqueda personal.

    Grabado a lo largo de dos años, i Music Listen es un ejercicio de vulnerabilidad sonora. El álbum combina guitarras orgánicas registradas en notas de voz, guitarras eléctricas distorsionadas, sintetizadores , pianos, gritos y coros que construyen una atmósfera cruda y cercana.

    Entre las capas sonoras aparecen también audios de los mejores amigos de iza y varias canciones dedicadas a su mamá, reforzando el carácter profundamente personal del proyecto.

    Juventud y autodescubrimiento

    En su disco, iza tkm explora las vivencias de la juventud contemporánea: mudarse a nuevas ciudades, atravesar vínculos complejos y enfrentar el proceso constante de autodescubrimiento. El proyecto incluye colaboraciones con bandita emergente como AKRIILA, FaceBrooklyn, Méne y EMJAY,

    Musicalmente, iza tkm fusiona pop alternativo, drum n bass y electrónica con una sensibilidad dreampop que transita entre lo etéreo y lo visceral. El resultado es un sonido orgánico y honesto que canaliza la vulnerabilidad tanto de la artista como de quien la escucha.

    Una respuesta masiva desde el primer día

    Para celebrar el lanzamiento de i Music Listen, iza tkm realizó una listening party en la Glorieta de los Insurgentes que reunió a más de 1,500 personas. La convocatoria confirmó el alcance de un proyecto que ha crecido de manera orgánica desde redes y plataformas digitales.

    “Me siento muy tranquila y muy feliz de que por fin esté afuera el álbum, llevo mucho tiempo trabajando en esto y ver los frutos de mi trabajo me llena mucho,” expresó iza tras el evento. “No esperaba para nada la respuesta de la gente y estoy muy agradecida, es una experiencia irreal que siempre llevaré cerca de mi corazón.”

    @izatkmm aaaaaaagggggggghh una de mis canciones favoritas de la vida ya la van a poder escuchar full hd 4k el viernes ( o el miércoles en la glorieta ) 🎼🎼🎼🎼🎼🩵 #iML #imusiclisten ♬ sonido original – iza tkm
  • Vive el viaje espiritual de Gorillaz en The Mountain

    Vive el viaje espiritual de Gorillaz en The Mountain

    Para celebrar el lanzamiento de su noveno álbum de estudio, The Mountain, Gorillaz presenta un cortometraje animado de ocho minutos titulado “The Mountain, The Moon Cave & The Sad God”. La pieza, disponible a través del sello propio de la banda, KONG, es una extensión visual del universo narrativo del disco.

    Dirigido por Jamie Hewlett, cocreador del proyecto, junto al estudio londinense THE LINE, el cortometraje sigue a Noodle, Murdoc, 2D y Russel en un viaje por la India. La historia explora los temas centrales del álbum: el tránsito por la vida, la búsqueda espiritual y la intensidad de existir… ¿lograrán escapar del Samsara?

    Un regreso a la animación 2D artesanal

    La película es un regreso a la animación hecha a mano. Hewlett, acompañado por Max Taylor y Tim McCourt de THE LINE, desarrolló el proyecto durante 18 meses. El resultado es una obra que rinde homenaje a la época dorada de la animación 2D, con una estética inspirada en el cine animado de los años sesenta. De hecho, si te acuerdas de “El libro de la selva”, varias escenas te van a sonar.

    El proceso combinó técnicas analógicas y digitales, priorizando fondos pintados a mano, materiales físicos y efectos prácticos en lugar de soluciones contemporáneas automatizadas. La intención fue reinterpretar el mundo de Gorillaz desde una lente cinematográfica clásica, apostando por textura, detalle y profundidad visual.

    En la narrativa del cortometraje, Murdoc Niccals, Russel Hobbs, 2D y Noodle llegan a Mumbai con pasaportes falsos gestionados por un contacto de Murdoc en Nueva York. Lejos del estrellato pop internacional, la banda se sumerge en un proceso creativo marcado por lo místico y lo introspectivo, recorriendo paisajes montañosos que funcionan como metáfora del viaje vital.

    Un álbum global y colaborativo

    The Mountain es descrito como un paisaje sonoro expansivo que integra instrumentos tradicionales, texturas contemporáneas y una amplia red de colaboradores. El disco incluye 15 canciones y cuenta con participaciones de artistas como Ajay Prasanna, Anoushka Shankar, Asha Bhosle, Bizarrap, Black Thought, Johnny Marr, Sparks, Trueno y Yasiin Bey, entre muchos otros. También incorpora voces de colaboradores históricos ya fallecidos, como Bobby Womack, Tony Allen y Dennis Hopper.

    El álbum fue producido por Gorillaz junto a James Ford, Samuel Egglenton y Remi Kabaka Jr., además de Bizarrap en una de las pistas. Se grabó en Studio 13 en Londres y Devon, así como en diversas locaciones de India, Medio Oriente y Estados Unidos. Las canciones incluyen interpretaciones en árabe, inglés, hindi, español y yoruba.

    The Mountain Tour 2026

    La banda acompañará el lanzamiento con The Mountain Tour, que recorrerá estadios del Reino Unido e Irlanda en la primavera de 2026. La gira comenzará el 20 de marzo en Mánchester y pasará por ciudades como Birmingham, Glasgow, Leeds, Cardiff, Nottingham, Liverpool, Belfast y Dublín. El 20 de junio de 2026 ofrecerán un concierto especial en el Tottenham Hotspur Stadium de Londres, con Sparks y Trueno como invitados en fechas seleccionadas.

  • Emilia Borlone le canta al amor bonito en “Mil Veces”

    Emilia Borlone le canta al amor bonito en “Mil Veces”

    En “Mil Veces”, la cantautora chilena Emilia Borlone le canta al amor bonito: ese que permanece cuando todo se tambalea, que abraza en medio del caos y que convierte la rutina en refugio. El sencillo, cuarto adelanto de su próximo LP debut, revela el pulso íntimo y emocional que definirá este primer trabajo discográfico.

    “Mil Veces” es una balada indie pop íntima y luminosa que celebra el amor bonito, ese que no desaparece ante las crisis, sino que se fortalece en ellas. La canción habla de elegir a alguien incluso en los días difíciles, de encontrar refugio en la cotidianidad compartida y de agradecer la presencia que transforma el caos en calma.

    El sonido se mueve entre lo análogo y lo orgánico, con arreglos sobrios que permiten que la voz y la letra ocupen el centro. Hay sensibilidad, nostalgia y una calidez que sostiene el mensaje sin caer en dramatismos. La consigna es clara: el amor bonito sí existe y merece ser elegido mil veces.

    El concepto visual y narrativo que acompaña el sencillo gira en torno a la luz en medio del desorden, la naturaleza y la ternura cotidiana. Más que una declaración grandilocuente, la canción retrata pequeños gestos que sostienen vínculos reales.

    Una voz que apuesta por la honestidad emocional

    Emilia Borlone ha venido construyendo una propuesta marcada por la vulnerabilidad y la cercanía. En sus sencillos anteriores, como “Quisiera Borrar”, “Quédate Adentro” y “La Joya”, la compositora explora emociones íntimas desde una estética sencilla y directa.

    Recientemente se presentó en el Foro del Tejedor, en la CDMX, donde interpretó estos temas junto a “Mil Veces”, acompañada por tres músicos e invitados como Pehuenche y Madame Récamier. La atmósfera del concierto reforzó el tono que atraviesa su proyecto: honestidad, intimidad y conexión directa con el público.

    Con “Mil Veces”, Emilia Borlone reafirma esa línea creativa y anticipa un álbum debut que promete profundizar en las emociones que, lejos del espectáculo, sostienen la vida cotidiana.

  • AnDy Daling: pop soviético para los camaradas del mundo

    AnDy Daling: pop soviético para los camaradas del mundo

    Los memes soviéticos y sobre la madre Rusia siempre son divertidos, más cuando nos recuerdan lo absurda que puede ser la concepción que las personas externas a esas culturas tienen sobre ellas. AnDy Darling aprovecha que ella sí tiene ese barrio y nos propone una música muy movida, chidita y con punch, con toques de camarada comunista.

    Anastasia Dunaeva (AnDy Darling pa’ los camaradas) llegó a mi algoritmo por casualidad… realmente ni idea por qué se manifestó, pero se ha convertido en una de mis artistas favs.

    Nació en Rostov-on-Don, una ciudad del sur de Rusia que, ella misma afirma, “solo los hablantes de ruso probablemente la topan”. Ahora radica en Los Ángeles (para variar), pero lejos de homogeneizarse y ser una cantante pop EDM del montón gringo, explota al máximo su herencia soviética para hacer música y sketches llenos de cotorreo.

    AnDy Darling escribió su primera canción a los 11 años, la cual se viralizó. En ese momento decidió irse por el camino del arte. A los 17 se mudó sola a la República Checa, pasó por bandas de rock, participó en The Voice, vivió en Seúl para probar el K-pop, volvió a Moscú y firmó con Warner Music Russia.

    Aunque parecía que ya la tenía resuelta, “sentía que estaba rozando el techo”. Ese “techo” fue lo que la hizo dejarlo todo, literalmente, y se mudó a Estados Unidos: primero Nashville, luego L.A., ahora Nueva York. Empezó desde cero. Otra vez (como la gente de webos alch).

    Durante sus primeros años en la tierra de Epstein, AnDy se dedicó a escribir para otros artistas sin sello ni publishing. Luego volvió a su propio proyecto.

    “Cold War Star” y la madre patria

    Hablar de sus canciones requiere muuucho texto (recomiendo “Never Enough” y “Gods With Us”), pero me voy a centrar en “Cold War Star”, su más reciente sencillo. Y sí, suena a soviético, y ese es el chiste.

    Esta canción es una forma de convertir su historia en música acelerada y atrabancada. La letra básicamente habla acerca de los estereotipos que los gringos y el mundo tienen de las personas originarias de los países soviéticos: que son frías, calculadoras, malignas y que siempre traen tracksuits.

    Tremendo rolón… lástima que dura menos de dos minutos.

    Con su música y en esta etapa de su proyecto, AnDy Darling está haciendo de su vida una obra de arte con tintes del brutalismo ruso y ritmos perfectos para tirar flow: “Mi vida es básicamente un experimento para ver si una chica rusa puede realmente convertirse en una estrella pop global.”

    Así que ya se la saben, vayan a escucharla. Muy pocos artistas usan su origen como motor creativo sin caer en una caricatura no irónica. Ella lo logra, porque AnDy Darling es clave.

  • Caloncho nos da una cátedra de chill con “Mangos”

    Caloncho nos da una cátedra de chill con “Mangos”

    Caloncho regresa con “Mangos”, un sencillo que mantiene su energía luminosa, pero la ligeramente la tensiona. Sigue estando el groove cálido que lo caracteriza, pero ahora hay una intención más marcada de empujar el ritmo y meterle músculo sin perder la sonrisa.

    Musicalmente, “Mangos” avanza sobre una base rítmica viva, bajo protagonista y melodías que fluyen con naturalidad. Suena muy reggae. Los versos tienen una cadencia relajada que lo ha hecho reconocible dentro del indie mexicano, pero, cuando entra el coro aparece una guitarra con distorsión que lo cambia todo (insert meme here) que le un toque rockerón.

    Si sumas eso con la voz de Caloncho (ligera, amable y casi despreocupada) obtienes una rolita muy rica para ecahr el coto con los panas de la oficina los viernes de azulitos y tarot.

    El videoclip, dirigido por Bernardo de Anda, aunque en una primera lectura podría parecer muy random, ya que disfrutas de la música agarra sentido.

    Literal es Caloncho en un paisaje desértico junto al mar: cactus, arena, cielo abierto. O está comiendo mangos, o está de chill en una moto en el desierto, andando o pasando el rato.

    El tránsito visual de la inmovilidad al movimiento refleja el corazón del track. “Mangos” no es solo una canción veraniega temprana (o de Semana Santa) con vibra tropical. Habla de reactivarse, de sentir la adrenalina después de una pausa larga. Esa sensación de volver a encenderse conecta con el momento exacto en que el coro se abre y la guitarra empuja todo hacia adelante.

    Con “Mangos” , Caloncho nos entrega un pequeño himno (dura menos de tres minutos nomms) perfecto para pasarla bien y disfrutar de las pequeñas cosas de la vida, como una paseo, el arte de deambular y, obviamente, comerte un mango… gran plan dominguero.

  • Carpenter Brut acelera con “Speed or Perish”: synthwave cyberpunk bien caótico

    Carpenter Brut acelera con “Speed or Perish”: synthwave cyberpunk bien caótico

    Carpenter Brut no hace canciones, construye escenas caóticas de acción e historias en formato sonoro. Y en “Speed or Perish”, el tercer sencillo de Leather Temple, lo deja claro: esto es nuevo cyberpunk que le mundo necesitaba: colores neón, explosiones, sintos durísimos y resistencia ante el sistema.

    Franck Hueso, el Carpenter Brut, lleva más de una década construyendo un universo donde el synthwave no es estética retro que solo suena bonito, sino que plasma la tensión, el metal, distopía en fusión con el terror, el slasher y la ciencia ficción, en especial el cyberpunk: ciudades arrasadas, máquinas dominando el espectáculo y humanos convertidos en combustible del entretenimiento.

    “Speed or Perish” no tiene letra porque no la necesita. Es instrumental y se te instala directo en el cerebro: sintetizadores propulsivos, golpes electrónicos, guitarras distorsionadas y un ritmo acelerado que no baja la velocidad… el sueño de todo tdahero.

    El videoclip es dirigido por Seth Ickerman y es una joya: muestra una masacre a alta velocidad: cuchillas, disparos, choques y el consumo de la vida humana como insumo del entretenimiento y el control de masas. La cámara vertiginosa no se detiene y la sangre no se estiliza. Es una distopía donde la adrenalina es la narrativa y el caos es la única constante.

    La canción forma parte de Leather Temple, disco que sale el 27 de febrero y cierra la trilogía conformada por Leather Teeth y Leather Terror.

    Musicalmente, Leather Temple promete un sonido más rítmico, más directo y más saturado, con una atmósfera noventera electro-industrial que conecta con el ADN cyberpunk clásico: beats afilados, capas distorsionadas y una sensación permanente de colapso inminente. Cada track funciona como una secuencia dentro de un mundo que ya está cayendo.

    Carpenter Brut no redefine el synthwave: él es el synthwave. Además, lo empuja hacia el metal industrial y lo instala en un paisaje cyberpunk donde la velocidad es la única droga que necesitamos.

    100/10 alch.