La cantautora chilena Dani Abarza acaba de estrenar “Chiquita”, su nuevo sencillo, en el cual se vulnera al hablar de la fragilidad emocional y la necesidad de reconocer lo que uno siente.
El tema plantea una pausa frente a la exigencia constante de productividad y ritmo acelerado. A partir de ahí, propone detenerse, mirar lo que ya se ha recorrido y darle espacio a lo que normalmente se evita o se minimiza.
“Chiquita” está pensada como una pieza cercana, tanto en su letra como en su sonido. Acompaña un estado emocional específico con su fusión de folk con elementos acústicos y algunos matices cercanos al jazz. Está construida con percusiones suaves, guitarras, teclados y la presencia de un saxofón que aporta otra capa dentro del arreglo.
Además de este lanzamiento, Dani Abarza trabaja en su siguiente disco, que incluirá alrededor de 14 canciones. En paralelo, desarrolla talleres grupales de liberación de la voz, además de clases de canto.
El grupo de J-pop WOLF HOWL HARMONY lanzó el video oficial de “One minute”, una de las canciones incluidas en su primer EP, tera, publicado hace tan solo unos días.
El tema muestra un lado más calmado del grupo después de “Gachi Funk”. En esta ocasión, la canción se mueve hacia una balada centrada en el piano y en las voces, con una letra enfocada en cómo la presencia de alguien puede cambiar el ánimo en medio de un día complicado.
El compositor LOAR explicó la idea detrás del tema: “Incluso en medio de días ajetreados o momentos de incertidumbre, hay ocasiones en que simplemente pensar en la sonrisa o la presencia de alguien hace que el mundo se sienta un poco más brillante”.
También señaló que la intención era que esa sensación se trasladara a quien la escuche: “Esperamos que ese minuto en la vida cotidiana de cada oyente se convierta en un momento que brille un poco más”.
Una canción más sentimental dentro de tera
De entre los miembros del grupo, RYOJI compartió que la canción le transmitió una sensación inmediata de esperanza desde la primera vez que la escuchó.
“Cuando escuché esta canción por primera vez, me invadió una refrescante ola de esperanza, como si mis emociones explotaran”, comentó. Sobre el mensaje del tema, añadió: “La canción trata sobre dar un paso adelante por uno mismo. Incluso en un solo minuto, el futuro puede cambiar”.
Un video centrado en momentos cotidianos
El video fue dirigido por Spikey John, quien explicó que la idea visual giró alrededor de pensar en alguien importante en medio de un día normal.
“Nos centramos en ‘el momento en que piensas en alguien importante en un día cualquiera’. Los sentimientos hacia la familia, los amigos, los seres queridos y los fans se reflejan en estas escenas de la vida cotidiana”, señaló.
“One minute” forma parte de tera, un EP que también incluye “Bossa Bosa”, “Marmalade” y “Gachi Funk”.
La cantante y creadora de contenido mexicana Luna Martínez acaba de lanzar “OTLQQ!”, el cuarto adelanto de su próximo álbum debut, programado para salir en verano. Se trata de una canción sobre celebrar los logros, con toques kawaii pop y fiesta rica.
La canción mezcla pop, rap y electrónica en una estructura directa, con un enfoque claro en la actitud y la seguridad personal. “OTLQQ!” parte de una idea concreta: tener claro lo que quieres y actuar desde ahí.
Un nuevo paso dentro de su primer disco
El sencillo llega después de “Tiramisú”, “Quieras o no” y “Groucho”, que han ido marcando el camino hacia su álbum debut. Cada lanzamiento ha ido sumando una parte distinta del proyecto, tanto en sonido como en intención.
En “OTLQQ!” la energía es constante desde el inicio, con un ritmo que se mantiene firme y una estructura pensada para enganchar rápido.
Un álbum en construcción
El primer disco de Luna Martínez está planteado como un recorrido por distintas experiencias personales. La idea del proyecto pasa por momentos de cambio, decisiones, errores y vueltas a empezar, con cada canción funcionando como parte de ese proceso. Su historia de vida musical, pues.
Vayan a escuchar “OTLQQ!” y apoyen a Luna y a todo proyecto emergente, en general. Pónganla en sus fiestas y disfruten de una tarde de viernes de mimosas.
La artista chilena Cancamusa presenta “Entre mis recuerdos”, una nueva versión del tema compuesto por Albert Hammond y popularizado en español por Luz Casal, que ahora forma parte de su repertorio dentro del Dopamina Tour.
La artista chilena retoma esta canción desde un vínculo personal que viene desde la infancia. “Cuando era niña la escuchaba mucho en la radio. No entendía todo lo que decía, pero ya conectaba con esa nostalgia tan profunda y con la calidez de su voz”, recuerda.
“Era una canción que me hacía sentir muchas cosas… aunque en ese momento no sabía cómo explicarlas”.
Screenshot
Una canción que regresa en otro momento
Con el paso del tiempo, el tema volvió a aparecer en su vida de forma inesperada. “Hasta que un día una persona que escucha mi música con mucho cariño me escribió por Instagram y me dijo: ‘Deberías cantar Entre mis recuerdos’. Fue como si algo se encendiera. La volví a escuchar con otros oídos… y sentí que ahora sí tenía algo que decir a través de ella”.
A partir de ese momento, Cancamusa decidió trabajar en una nueva versión, llevándola a su propio lenguaje musical. “Quise llevarla un poquito a mi mundo, a mi forma de sentir y de contar las historias”, explicó sobre el proceso.
Producción a la mexa
La canción fue grabada en Ciudad de México por el ingeniero Felipe Castro y producida por Francis Durán, integrante de Los Bunkers. La colaboración se concretó de manera inmediata. “Le conté a Francis Durán y me dijo que le encantaba la canción. Lo invité a producirla y a los dos días ya estábamos grabándola”.
Sobre la experiencia de reinterpretar un tema ajeno, la artista señaló que fue un proceso distinto dentro de su carrera. “Ha sido un gran ejercicio interpretarla porque nunca había sentido tan profundamente una canción que no hubiera sido escrita por mí. La letra es tan íntima y tan profunda que me ha ayudado a atravesar momentos difíciles”.
“Entre mis recuerdos” se integra ahora a su proyecto actual como una pieza que dialoga con su presente artístico. Para Cancamusa, la canción también mantiene un significado que va más allá de la nostalgia. “Los recuerdos no son solo nostalgia. También son una forma de sostenernos cuando la vida cambia”.
La artista espera que esta versión conecte con quienes la escuchen desde su propia experiencia. “Espero que las personas puedan viajar en el tiempo cuando escuchen esta canción. Que recuerden esos momentos importantes en los que se han sentido amados”.
Seamos honestos: solo a la gente básica le gustan los productos culturales hechos con IA. Sí, hay algunas cosillas que si están chidillas (anulo funa), como el Flow GPT (en paz descanse), pero mi statement va más allá de las posibilidades creativas de las herramientas o de la tecnología en sí; tiene más que ver con cómo muchas personas menosprecian el trabajo artístico/creativo y creen que por escribir un prompt y generar un video de furros peleando con el Chavo animado ya son animadores, guionistas, fotógrafos, etcétera, etcétera.
Además, muchas empresas que no quieren pagar el trabajo de artistas reales están recurriendo a la IA para producir los videos publicitarios más (deja tú rancios) aburridos y genéricos posibles, que, lejos de que vendan, hacen que la gente sienta repelús.
Y justo hace unas horas estaba con la Xime en la oficina viendo reels desde la cuenta de una señora y no mms, nos salían puros clips de “podcasts” de morras claramente generadas con IA, con más de medio millón de seguidores… ¿bots u orgánicos? honestamente no importa. El punto es que existen y que la gente, o no sabe distinguirlos de una persona real, o ya consumen cualquier cosa por pura inercia. Y justo en medio de eso nos apareció un video musical de Tilly Norwood, la “actriz” de la que vamos a hablar hoy.
¿Tilly Norwood who?
Durante el ya lejano 2025, varias empresas comenzaron a explorar la posibilidad de construir “talento” digital con un solo propósito: ahorrarse salarios, chamba y ser dueñx sobre todo lo creado al rededor. Una de las entidades que nacieron por ello fue Tilly Norwood, creada Xicoia, la división de IA de Particle6 Group, empresa fundada por la actriz y productora neerlandesa Eline Van der Velden.
El proyecto fue planteado como una “actriz” generada 100% IA sí fake, diseñada para integrarse en cualquier tipo de producción audiovisuales. Para darle promo le sacaron redes (actualmente tiene 157k en ig) y diablos, no se esforzaron en no hacer un rostro tan de IA genérica. Para venderla, la productora aseguró que con “talento” como el de ella podría reducir los costos de producción hasta en un 90%.
El primer proyecto de Tilly Norwood el sketch “AI Commissioner”, estrenado en julio de 2025. Alch no ahórrense el disgusto de buscarlo, no da risa, está aburridísimo y está equis, no pierdan 2 minutos de su vida como yo (aunque los comentarios están cagados lols). En septiembre de ese año, el “corto” fue presentado en el Festival de Cine de Zúrich, y hasta buscaban que las agencias de talento consideraran representar a la bot (¿?).
Funa no anulada
Medios como The Guardian, PC Gamer y The A.V. Club destacaron que era muy uncanny valley. The Verge, por su parte, cuestionó el intento de normalizar “actores” de IA, tratando de dejar afuera la humanidad del cine.
Actores y actrices como Melissa Barrera, Natasha Lyonne, Mara Wilson, Emily Blunt, Sophie Turner, Toni Collette, Ralph Ineson y Ariel Winter funaron la iniciativa y cuestionaron las implicaciones éticas, artísticas y económicas que Tilly Norwood hacía muy visibles.
A la gente se le estaba olvidando, pero Particle6, al parecer no entendió. Hace unos días lanzaron como cantante a la Tilly y estrenaron el video musical de la canción “Take the lead”… y bueno…:
Para empezar, decidieron hacer una base musical como de cuando estás en Envato buscando una canción random para un video y ya andas por la página 8, en donde ya todo suena igual y se ve que no le pusieron nada de voluntad a los audios. Muy rolita de Disney región 4 en desnutrición.
En cuanto al videoclip… para ser un video de IA, lo más arriesgado que hicieron fue poner flamencos en las nubes. Ya de menos se hubieran inventado un corto de fantasía o algo como los de los chinos de TikTok.
Y bueno, la canción es una defensa del uso de la IA. Señala que la tecnología no representa una amenaza, sino que es la “evolución”. Pero, wey, pudiendo hacer acá algo al menos visualmente impresionante, deciden lanzar algo peor que genérico. Y lo bueno es que al inicio del clip te presumen que 18 humanos participaron en esa blasfemia.
La funa fue mundial y hasta en La Jornada salió (jajaja). En fin, la reflexión de todo esto es que la burbuja de la IA explotará, al parecer, en un futuro no muy lejano y las grandes corporaciones tecnológicas (o pymes) no van a soportar. Creen que con cosas como Tilly Norwood están devorando, pero el público consumidor ya se está cansando de que le quieran dar porquerías… o quizás saben que, poco a poco, la gente está dejando de lograr diferenciar lo real de la IA… ¿y si nos pasa como la mosca que ya vive en una simulación? (se pone su sombrero de aluminio).
Tras cinco años al frente de Wiplash, Jota Moore sigue desarrollando su carrera como solista y lanza “Él y ella”, el segundo sencillo de Autosabotaje, su disco debut como solista, el cual conceptualmente gira alrededor de la presión interna, la disciplina llevada al extremo y la autodestrucción.
Jota Moore concibe “Él y Ella” como la historia de una pareja que se ve a sí misma como Bonnie y Clyde, desde esa idea de complicidad total frente a todo lo demás. Dos personas que se empujan entre sí a cumplir objetivos sin importar el contexto, convencidas de que nada las puede frenar.
“Él y ella” fue producida y grabada por Jota Moore en su estudio casero, donde se encargó de registrar todos los instrumentos. El resultado es una pieza que integra elementos de rock y hip hop, sin responder a una clasificación de género específica.
Esa libertad también define su etapa actual. Desde su primer sencillo como solista, “the few”, Jota dejó claro que su proyecto no iba a girar alrededor de fórmulas, sino de decisiones personales, incluso si eso implica moverse fuera de lo cómodo.
Con Autosabotaje, Jota Moore explora cómo el deseo de crecer viene acompañado de desgaste y caos. Y justo “Él y ella” retrata una relación que funciona como impulso, pero que también carga con ese exceso, moviéndose en esa zona en la que dudas si te hace avanzar o consume.
La cantautora mexicana Valle tomó uno de los momentos más duros de su vida —la muerte de su padre— y lo transformó en “Eres Luz”, canción que atraviesa el dolor y te invita a soltar.
Durante años, Valle no pudo cantarla. Cada vez que lo intentaba, el peso emocional la rebasaba. Pero, con el paso del tiempo, logró integrarla e hizo con ella un homenaje honesto y humano, que comparte con sus escuchas que están pasando por algo parecido.
La canción se sostiene sobre una base sencilla de piano, cuerdas y la voz de Valle. La producción, a cargo de Memo Méndez Guiu y Joel Alonso, resalta que el espacio emocional que deja la música.
De esta manera, Valle lleva el duelo hacia un lugar donde también cabe el cariño, la memoria y cierta paz.
Valle cuenta con más de dos décadas construyendo una carrera en la que ha trabajado con figuras como Benny Ibarra, Rubén Albarrán y Roco Pachukote. Un CV muy versátil, pero con una identidad identidad muy marcada.
Desde Tepoztlán, donde vive actualmente, su música se conecta con la familia, la memoria y la forma en la que las experiencias personales se convierten en algo compartido.
El DJ y productor brasileño Pedro Sampaio se une al mismísimo El Bogueto en “G-Latina”, un tema bien perreador que cruza el funk carioca con la energía del reggaetón y el rap urbano mexicano.
Sampaio, una de las figuras más visibles del funk brasileño contemporáneo, lleva años empujando ese sonido fuera de Brasil, mezclándolo con pop latino y electrónica de club. En “G-Latina” mantiene ese enfoque híbrido, pero ahora lo conecta con el flow chacal del Bogueto.
“Colaborar con El Bogueto en ‘G-Latina’ fue genial porque, durante el proceso, descubrí un punto en común entre nuestras formas de hacer música. Esta canción tiene una irreverencia y una energía caótica muy brasileña, muy mía, pero también muy suya”, explicó Sampaio.
De las favelas a Tepito
La producción del tema corre a cargo del propio Pedro Sampaio, acompañado por el colectivo Subelo NEO, un equipo que ha trabajado en algunos de los hits más grandes del pop urbano latino, incluyendo canciones de Bad Bunny, Karol G y Rauw Alejandro.
Se trata de un track donde la energía brasileña y el lenguaje chacalón mexa se encuentran de forma natural. Al respecto, El Bogueto dice en la rola: deja clara esa conexión en su verso: “De Tepito a Rocinha / Llego tu barrio me dice minina / Me mudo pa’ Río y te hago mi vecina.” Un poeta, verdaderamente.
Un encuentro latino en Río
El video fue filmado en Rocinha, en la zona sur de Río de Janeiro, en un día de absoluta fiesta que catapulta la energía comunitaria que comparten muchas culturas urbanas de América Latina.
“La música es un lenguaje universal. ‘G-Latina’ está cantada en español, pero no necesitas entender la letra para sentir que es una canción que te invita a bailar”, dijo el oriundo de la tierra de la sopa de macaco.
“G-Latina” es un track directo, ruidoso y bailable que hace de México y Brasil verdaderos panas. Perfecta para los viernes de bellaqueo godín o los domingos de miches en Tepito.
Sonido Gallo Negro y Sonido La Changa son, por separado, sinónimos de pulir el piso y sacarle filo a las chanclas con los prohibidos. Pero si los juntas… oh mai gad, obtienes el peak del bailongo nacional. Y justo esa colaboración que nadie pidió, pero que todos necesitábamos es “La Cumbia del Gallo Negro”, canción que mezcla el pulso hipnótico y psicodélico de la banda con la voz inconfundible de Ramón Rojo Villa.
“La Cumbia del Gallo Negro” es un punto de encuentro entre dos tradiciones que comparten la misma raíz: de un lado está Sonido Gallo Negro, el cual, aunque es fresa, tiene una propuesta minimalista y rica cumbianchera mezclada con psicodelia tropical y surf; del otro está el mítico Sonido La Changa, sonidero que no necesita presentación si tienes calle, barrio y haz disfrutado de algún azulito.
Juntos nos otrogan una rola prefecta para bailar con pasos de cumbia rebajada, en pareja o simplemente en estados de conciencia alterados, en una carpa semioscura en medio del barrio.
Durante años, ambos proyectos se han encontrado en escenarios en los que los fans pedían a gritos una colaboración, como el Vive Latino 2015, la fiesta Infierno Tropical de 2024 o el ritual colectivo del Día de Muertos 2025.
Una cumbia que mira hacia adelante
“La Cumbia del Gallo Negro” no solo reúne dos nombres importantes del circuito tropical contemporáneo; también marca el inicio de una nueva etapa para Sonido Gallo Negro. La banda se encuentra trabajando en el material que dará forma a su próximo disco, un proyecto que promete empujar todavía más su exploración sonora.
Si algo ha caracterizado al grupo desde su origen es su interés por llevar la cumbia a terrenos inesperados sin perder el pulso del baile. En esta nueva canción esa intención se vuelve evidente: la tradición está presente, pero no como museo, sino como combustible para seguir experimentando.
Poniéndonos analistas de la cultura, “La Cumbia del Gallo Negro” es un cruce entre historia y presente: un sonidero que nació en los barrios populares en los años 70 dialoga con una banda que ha llevado la cumbia psicodélica a festivales y escenarios internacionales.
Escúchenla, báilenla y piérdanle el miedo a ir a los bailes de los barrios pesados, mis todos tibios.
Entre las canciones más delicadas del repertorio de Santa Sabina, “Ojalá fuera tu voz” ocupa un lugar especial. Incluida en Mar adentro en la sangre (2000), la pieza condensa esa mezcla de melancolía, poesía y dramatismo que definía la voz de Rita Guerrero. Ahora, Madame Récamier lo reinterpreta desde una sensibilidad distinta: una versión más íntima que transforma la canción en un paisaje cercano al trip-hop, donde las texturas suaves y la contención vocal reemplazan la intensidad teatral del original.
Lejos de intentar replicar la interpretación de Guerrero, Récamier opta por una lectura más etérea que deja respirar la melodía. Los arreglos construyen una atmósfera delicada y nocturna que resalta el carácter introspectivo de la composición, permitiendo escuchar la canción desde otra perspectiva sin perder su esencia emocional.
La propia cantante ha contado que la semilla de esta reinterpretación surgió inesperadamente: mientras daba clases de canto, una alumna comenzó a grabar con ella algunos coros de forma espontánea, lo que terminó generando un primer demo de la canción.
Durante el proceso creativo, Récamier explica que pensó constantemente en Rita Guerrero, intentando imaginar si los sonidos y la atmósfera de esta nueva lectura dialogarían con su espíritu y su poesía. El resultado es un homenaje construido desde la admiración y la gratitud.
Un gesto de memoria hacia Santa Sabina
La canción forma parte del proyecto Devotos: Tributo a Santa Sabina, una iniciativa que reúne distintas versiones del repertorio de la banda mexicana considerada como uno de los proyectos más influyentes del rock alternativo nacional.
El proyecto tiene además un componente solidario: las ganancias generadas están destinadas a una institución dedicada a la lucha contra el cáncer de mama, convirtiendo el homenaje en una forma de mantener vivo el legado artístico y humano de la banda.
