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  • Vive el viaje espiritual de Gorillaz en The Mountain

    Vive el viaje espiritual de Gorillaz en The Mountain

    Para celebrar el lanzamiento de su noveno álbum de estudio, The Mountain, Gorillaz presenta un cortometraje animado de ocho minutos titulado “The Mountain, The Moon Cave & The Sad God”. La pieza, disponible a través del sello propio de la banda, KONG, es una extensión visual del universo narrativo del disco.

    Dirigido por Jamie Hewlett, cocreador del proyecto, junto al estudio londinense THE LINE, el cortometraje sigue a Noodle, Murdoc, 2D y Russel en un viaje por la India. La historia explora los temas centrales del álbum: el tránsito por la vida, la búsqueda espiritual y la intensidad de existir… ¿lograrán escapar del Samsara?

    Un regreso a la animación 2D artesanal

    La película es un regreso a la animación hecha a mano. Hewlett, acompañado por Max Taylor y Tim McCourt de THE LINE, desarrolló el proyecto durante 18 meses. El resultado es una obra que rinde homenaje a la época dorada de la animación 2D, con una estética inspirada en el cine animado de los años sesenta. De hecho, si te acuerdas de “El libro de la selva”, varias escenas te van a sonar.

    El proceso combinó técnicas analógicas y digitales, priorizando fondos pintados a mano, materiales físicos y efectos prácticos en lugar de soluciones contemporáneas automatizadas. La intención fue reinterpretar el mundo de Gorillaz desde una lente cinematográfica clásica, apostando por textura, detalle y profundidad visual.

    En la narrativa del cortometraje, Murdoc Niccals, Russel Hobbs, 2D y Noodle llegan a Mumbai con pasaportes falsos gestionados por un contacto de Murdoc en Nueva York. Lejos del estrellato pop internacional, la banda se sumerge en un proceso creativo marcado por lo místico y lo introspectivo, recorriendo paisajes montañosos que funcionan como metáfora del viaje vital.

    Un álbum global y colaborativo

    The Mountain es descrito como un paisaje sonoro expansivo que integra instrumentos tradicionales, texturas contemporáneas y una amplia red de colaboradores. El disco incluye 15 canciones y cuenta con participaciones de artistas como Ajay Prasanna, Anoushka Shankar, Asha Bhosle, Bizarrap, Black Thought, Johnny Marr, Sparks, Trueno y Yasiin Bey, entre muchos otros. También incorpora voces de colaboradores históricos ya fallecidos, como Bobby Womack, Tony Allen y Dennis Hopper.

    El álbum fue producido por Gorillaz junto a James Ford, Samuel Egglenton y Remi Kabaka Jr., además de Bizarrap en una de las pistas. Se grabó en Studio 13 en Londres y Devon, así como en diversas locaciones de India, Medio Oriente y Estados Unidos. Las canciones incluyen interpretaciones en árabe, inglés, hindi, español y yoruba.

    The Mountain Tour 2026

    La banda acompañará el lanzamiento con The Mountain Tour, que recorrerá estadios del Reino Unido e Irlanda en la primavera de 2026. La gira comenzará el 20 de marzo en Mánchester y pasará por ciudades como Birmingham, Glasgow, Leeds, Cardiff, Nottingham, Liverpool, Belfast y Dublín. El 20 de junio de 2026 ofrecerán un concierto especial en el Tottenham Hotspur Stadium de Londres, con Sparks y Trueno como invitados en fechas seleccionadas.

  • AnDy Daling: pop soviético para los camaradas del mundo

    AnDy Daling: pop soviético para los camaradas del mundo

    Los memes soviéticos y sobre la madre Rusia siempre son divertidos, más cuando nos recuerdan lo absurda que puede ser la concepción que las personas externas a esas culturas tienen sobre ellas. AnDy Darling aprovecha que ella sí tiene ese barrio y nos propone una música muy movida, chidita y con punch, con toques de camarada comunista.

    Anastasia Dunaeva (AnDy Darling pa’ los camaradas) llegó a mi algoritmo por casualidad… realmente ni idea por qué se manifestó, pero se ha convertido en una de mis artistas favs.

    Nació en Rostov-on-Don, una ciudad del sur de Rusia que, ella misma afirma, “solo los hablantes de ruso probablemente la topan”. Ahora radica en Los Ángeles (para variar), pero lejos de homogeneizarse y ser una cantante pop EDM del montón gringo, explota al máximo su herencia soviética para hacer música y sketches llenos de cotorreo.

    AnDy Darling escribió su primera canción a los 11 años, la cual se viralizó. En ese momento decidió irse por el camino del arte. A los 17 se mudó sola a la República Checa, pasó por bandas de rock, participó en The Voice, vivió en Seúl para probar el K-pop, volvió a Moscú y firmó con Warner Music Russia.

    Aunque parecía que ya la tenía resuelta, “sentía que estaba rozando el techo”. Ese “techo” fue lo que la hizo dejarlo todo, literalmente, y se mudó a Estados Unidos: primero Nashville, luego L.A., ahora Nueva York. Empezó desde cero. Otra vez (como la gente de webos alch).

    Durante sus primeros años en la tierra de Epstein, AnDy se dedicó a escribir para otros artistas sin sello ni publishing. Luego volvió a su propio proyecto.

    “Cold War Star” y la madre patria

    Hablar de sus canciones requiere muuucho texto (recomiendo “Never Enough” y “Gods With Us”), pero me voy a centrar en “Cold War Star”, su más reciente sencillo. Y sí, suena a soviético, y ese es el chiste.

    Esta canción es una forma de convertir su historia en música acelerada y atrabancada. La letra básicamente habla acerca de los estereotipos que los gringos y el mundo tienen de las personas originarias de los países soviéticos: que son frías, calculadoras, malignas y que siempre traen tracksuits.

    Tremendo rolón… lástima que dura menos de dos minutos.

    Con su música y en esta etapa de su proyecto, AnDy Darling está haciendo de su vida una obra de arte con tintes del brutalismo ruso y ritmos perfectos para tirar flow: “Mi vida es básicamente un experimento para ver si una chica rusa puede realmente convertirse en una estrella pop global.”

    Así que ya se la saben, vayan a escucharla. Muy pocos artistas usan su origen como motor creativo sin caer en una caricatura no irónica. Ella lo logra, porque AnDy Darling es clave.

  • Lyria 3 de Google y la erosión del oficio musical

    Lyria 3 de Google y la erosión del oficio musical

    Google presentó Lyria 3, el nuevo modelo de música generativa desarrollado por Google DeepMind, capaz de crear canciones completas (con letra, voz e instrumental) a partir de un prompt o incluso de una imagen subida por el usuario. La herramienta está integrada en Gemini y marca un paso más en la carrera por automatizar la creatividad (turbio).

    Según ha explicado Google, Lyria 3 no solo “mejora” la calidad del audio respecto a versiones anteriores, sino que introduce capacidades multimodales: puede “interpretar” imágenes y convertirlas en piezas musicales coherentes con la atmósfera visual. El salto no es técnico únicamente. Es conceptual.

    O sea, muy chido y todo, pero la IA está haciendo aquello que, en teoría, íbamos a hacer nosotros tras poner a chambear a los robots: el trabajo creativo. Y eso no nos gusta a muchos por las implicaciones éticas y artísticas que y tendrá.

    En 2023 y 2024, más de 200 artistas, como Billie Eilish y Stevie Wonder, firmaron una carta pública impulsada por la Artist Rights Alliance exigiendo regulaciones claras sobre el uso de IA en la música y denunciando el entrenamiento de modelos con obras protegidas sin consentimiento explícito.

    La preocupación no es hipotética: varias investigaciones de medios como Rolling Stone y The Guardian han documentado cómo modelos generativos han sido entrenados con grandes volúmenes de música existente, lo que ha desatado litigios en Estados Unidos y Europa.

    Además, el caso de canciones generadas por IA que imitaban voces de artistas, como FlowGPT que hizo llorar a Bad Bunny (aunque sí tenía unos temazos, la verdad) evidenció que la tecnología ya te puede reemplazar, sorta. Bueno, y si lo sumas con los deep fakes, las posibilidades son muuuuy turbias.

    Lyria 3 sí va a ser una herramienta divertida que te permita crear una balada sobre tu perro cojo o un perreito bien marrano basado en una de tus fotos familiares. Incluso le va a brindar posibilidades de creación a quienes no tienen conocimientos ni educación musical. Pero a qué costo.

    ¿Desaparecerán los músicos? claro que no, pero lo que sí sucederá es una erosión gradual del valor del oficio. La música hecha por humanos (al igual que cualquier expresión artística) implica tiempo, aprendizaje, error, vida y contexto. La música generada por IA implica velocidad, eficiencia y predicción estadística basada en patrones previos.

    Cuando cualquiera puede generar una “canción profesional” en segundos sin saber armonía, sin tocar un instrumento y sin escribir una línea, la experiencia artística se transforma en producción de contenido. El proceso deja de importar. Solo importa el resultado inmediato. Pero, seamos honestos, disfrutar del proceso es lo que le da sabor a la vida misma.

    No obstante, da curiosidad ver qué será el nuevo Tralalero Tralalá en versión auditiva. ¿Nos acercamos cada día más a una distopía tecnológica? Ya estamos ahí, viejx. Pero, al menos queda un consuelo: la IA jamás superará lo random de la mente mexicana, alv viejones.

  • Carpenter Brut acelera con “Speed or Perish”: synthwave cyberpunk bien caótico

    Carpenter Brut acelera con “Speed or Perish”: synthwave cyberpunk bien caótico

    Carpenter Brut no hace canciones, construye escenas caóticas de acción e historias en formato sonoro. Y en “Speed or Perish”, el tercer sencillo de Leather Temple, lo deja claro: esto es nuevo cyberpunk que le mundo necesitaba: colores neón, explosiones, sintos durísimos y resistencia ante el sistema.

    Franck Hueso, el Carpenter Brut, lleva más de una década construyendo un universo donde el synthwave no es estética retro que solo suena bonito, sino que plasma la tensión, el metal, distopía en fusión con el terror, el slasher y la ciencia ficción, en especial el cyberpunk: ciudades arrasadas, máquinas dominando el espectáculo y humanos convertidos en combustible del entretenimiento.

    “Speed or Perish” no tiene letra porque no la necesita. Es instrumental y se te instala directo en el cerebro: sintetizadores propulsivos, golpes electrónicos, guitarras distorsionadas y un ritmo acelerado que no baja la velocidad… el sueño de todo tdahero.

    El videoclip es dirigido por Seth Ickerman y es una joya: muestra una masacre a alta velocidad: cuchillas, disparos, choques y el consumo de la vida humana como insumo del entretenimiento y el control de masas. La cámara vertiginosa no se detiene y la sangre no se estiliza. Es una distopía donde la adrenalina es la narrativa y el caos es la única constante.

    La canción forma parte de Leather Temple, disco que sale el 27 de febrero y cierra la trilogía conformada por Leather Teeth y Leather Terror.

    Musicalmente, Leather Temple promete un sonido más rítmico, más directo y más saturado, con una atmósfera noventera electro-industrial que conecta con el ADN cyberpunk clásico: beats afilados, capas distorsionadas y una sensación permanente de colapso inminente. Cada track funciona como una secuencia dentro de un mundo que ya está cayendo.

    Carpenter Brut no redefine el synthwave: él es el synthwave. Además, lo empuja hacia el metal industrial y lo instala en un paisaje cyberpunk donde la velocidad es la única droga que necesitamos.

    100/10 alch.

  • Violet Grohl, ¿nepotismo bien hecho?

    Violet Grohl, ¿nepotismo bien hecho?

    Desde que irrumpió en los escenarios con apenas 12 años junto a su padre Dave Grohl, el líder de Foo Fighters (F.F. si le sabes a los Jojo’s) Violet Grohl ha tenido una vida ligada a la música. Pero ahora, a sus 19 años, la pregunta más repetida es: ¿es solo una nepo baby más o es una que sí tiene aquello para crear por sí misma?

    Este año, Violet ha publicado varios sencillos como “THUM” y “Applefish”, disponibles en plataformas tras firmar contrato con Republic Records bajo su propio sello, Auroura Records.

    Musicalmente, “THUM” suena crudo, energético y con un pulso directo al rock alternativo moderno, mientras que “Applefish” muestra una faceta más soñadora dentro del mismo espectro sonoro.

    “What’s Heaven Without You”, otro de sus lanzamientos recientes, es atmosférico y está inspirado en el cineasta David Lynch (absoluto cine 🚬☕🏔️🏔️). Lo compuso junto a Persia Numan (hija de Gary Numan) y el productor Justin Raisen, después de los incendios en Los Ángeles en 2025.

    Este coctel de nepotismo suena interesante, pues apela a una sensibilidad propia y un interés por explorar emociones y referencias culturales que trascienden su apellido.

    Gran parte de su trayectoria temprana (desde cantar covers con Adele junto a su padre hasta participar en homenajes y tributar canciones de Nirvana con los miembros sobrevivientes en 2025) podría verse como posicionamiento familiar. Pero el hecho de que haya firmado con un sello global, esté recibiendo producción profesional y haya lanzado múltiples singles propios indica que su carrera se está construyendo más allá de su linaje.

    Musicalmente, sus primeros pasos mezclan crudeza guitarrera con texturas modernas y atmósferas introspectivas, lo cual conecta tanto con fans del rock alternativo como con audiencias más jóvenes que consumen música experimental e híbrida.

    Claro, todavía está en los primeros pasos de su carrera y su apellido le va a abrir todas las puertas que quiera y ni siquiera va a tener que tocarlas. Pero Violet Grohl parece demostrar que puede transformar esas nepo oportunidades en algo chidito.

    Entonces, ¿es solo una nepo baby? En el sentido literal podría decirse que sí, pero de aquellas que si se saben la de jalar, pues su música ya suena reconocible, su firma creativa empieza a tomar forma y su proyecto no parece depender únicamente de la sombra de su padre.

  • Kim Gordon y “Dirty Tech”: lo último de la pionera del noise rock

    Kim Gordon y “Dirty Tech”: lo último de la pionera del noise rock

    Kim Gordon, cofundadora de Sonic Youth y figura fundamental del rock alternativo desde finales de los 80, sigue trabajando su voz artística y anda con todo: lanzó “Dirty Tech”, el segundo sencillo que adelanta su próximo álbum solista Play Me, el cual se estrena el 13 de marzo vía Matador Records.

    “Dirty Tech” llega después del primer avance oficial del disco, Not Today, y se suma a una serie de pistas que trazan una evolución en su obra, donde se mezcla su herencia en la escena underground con temas contemporáneos.

    Tecnología, ansiedad y estética sonora

    En “Dirty Tech”, Kim Gordon aborda directamente la relación entre los humanos y la tecnología, y lo hace con una mezcla de crudeza sonora e ironía. La letra plantea cuestionamientos sobre la influencia de la IA en la vida cotidiana y el poder, con líneas que reflexionan sobre si nuestros futuros empleadores podrían ser chatbots y sobre quién pagará el precio real del avance tecnológico.

    Esa tensión es reforzada por una producción que incorpora ritmos hip-hop y texturas modernas, manteniendo el enfoque experimental que ha caracterizado a Gordon desde sus días en Sonic Youth.

    El video que acompaña al tema, dirigido por Moni Haworth, utiliza imágenes de oficinas vacías y entornos corporativos desolados para reforzar esa sensación de desplazamiento humano frente a la tecnología.

    Play Me: continuidad y ruptura

    “Dirty Tech” es parte del tercer álbum solista de Gordon, Play Me, que también incluye temas como “Not Today”, “Busy Bee” y “Post Empire”.

    En entrevistas recientes, la artista ha descrito el proceso de creación del disco como más rápido, enfocado y marcado por ritmos potentes, en colaboración con el productor Justin Raisen. Play Me sigue la estela de su trabajo anterior, The Collective (2024), pero incorpora nuevas preocupaciones temáticas ligadas a la era digital.

    En conjunto, “Dirty Tech” y los avances de Play Me nos remarcan que Gordon sigue siendo una figura creativa poderosa, capaz de explorar cómo la cultura sonora puede captar y cuestionar el pulso de su tiempo y contexto sociopolítico.

  • Ética ante todo: Chappell Roan corta con su agencia tras la aparición de su CEO en los archivos de Epstein

    Ética ante todo: Chappell Roan corta con su agencia tras la aparición de su CEO en los archivos de Epstein

    Chappell Roan es una artista coherente con sus principios personales, la ética y la humanidad. La cantante anunció su salida de Wasserman Music, luego de que su director ejecutivo, Casey Wasserman, apareciera en los archivos de Jeffrey Epstein.

    “Exijo a mis equipos los más altos estándares y también tengo el deber de protegerlos. Ningún artista, agente o empleado debería defender o pasar por alto acciones que contradigan tan profundamente nuestros valores morales”, señaló Roan.

    No habló de cancelación ni de culpabilidad penal. Habló de coherencia. De la necesidad de que la representación de un artista esté alineada con su idea de dignidad, seguridad y liderazgo confiable.

    Los turbios archivos de Epstein

    El acto de Chappell Roan ocurre tras la publicación de miles de páginas de documentos judiciales relacionados con el caso Epstein. En ellos aparecieron correos electrónicos intercambiados entre Wasserman y Ghislaine Maxwell, colaboradora cercana de Epstein y condenada por tráfico sexual de menores.

    Los correos datan de hace más de dos décadas y Wasserman ha negado cualquier relación personal o profesional con Epstein, señalando que los intercambios ocurrieron antes de que se conocieran sus crímenes. Aun así, la aparición de su nombre reactivó un debate dentro de la industria sobre responsabilidad, poder y ética.

    Una postura clara y firme

    La decisión de Chappell Roan no fue excepcional por romper con una agencia poderosa, sino por no condicionar su ética a una la industria rancia. En un entorno donde muchas carreras se sostienen a base de silencios prolongados, ella eligió respetar su ética.

    No esperó resoluciones. No pidió explicaciones públicas. Actuó desde un criterio simple: hay asociaciones que, aunque legales, dejan de ser sostenibles cuando chocan con los valores personales… más cuando hay presuntos crímenes de lesa humanidad involucrados.

  • Bad Bunny y el Super Bowl como territorio cultural

    Bad Bunny y el Super Bowl como territorio cultural

    El show de medio tiempo del Super Bowl 2026 no fue un simple espectáculo aislado ni una vitrina de hits de perreo, sino que fue un relato condensado lleno de significados. En poco más de trece minutos, Bad Bunny convirtió el escenario más visto del mundo en un archivo vivo de identidad latina: territorio, idioma, migración, memoria y afectos.

    Nada estuvo ahí de manera aleatoria, sino que estuvo para decir algo, en una coyuntura repleta de racismo, discursos de derecha y Trump… gran amigo de Epstein, aunque lo quiera negar.

    ‘Tití Me Preguntó’ y el regreso al origen

    El arranque recreó un paisaje cotidiano de Puerto Rico: puestos, mercado, campo, trabajo manual. La vida ordinaria de la gente boricua.

    Benito apareció vestido de blanco, un color asociado a lo ceremonial y lo espiritual en muchas culturas. Boxeadores entrenando, joyería de plata, cocos, comerciantes. El mensaje inicial fue claro: esta historia empieza antes del éxito y fuera del centro.

    La pava y el jíbaro: el campo como símbolo político

    La presencia de la pava, el sombrero tradicional del campesinado puertorriqueño, no fue pornomiseria. La figura del jíbaro ha sido históricamente un símbolo de identidad, resistencia y arraigo frente a los procesos de urbanización, colonialismo y borrado cultural, el cual tristemente es muy visible actualmente por la gentrificación y las prácticas políticas y de negocio que la perpetúan.

    Llevar ese imaginario al Super Bowl —un espacio creado meramente para vender (muy turbio el comercial de Serena Williams, alch)— fue una forma de invertir jerarquías: el campo, tantas veces invisibilizado, ocupó el centro del mundo.

    La casita: hogar como estructura cultural

    La casita, ya presente en el universo visual de Bad Bunny, volvió a aparecer aquí como estructura narrativa, representando al hogar latino entendido como espacio donde se comparte.

    Ahí salieron Pedro Pascal, Karol G, Cardi B, Jessica Alba y Young Miko, etc. como una extensión de una comunidad que ha cruzado fronteras sin borrar origen.

    Lady Gaga y la colaboración sin traducción

    La aparición de Lady Gaga no respondió al gesto típico de “estrella invitada”. Funcionó como alianza simbólica. Interpretaron juntos Die With a Smile y Baile Inolvidable sin forzar idioma. Ya lo había dicho el Benito meses antes; “que aprendan español”.

    Ricky Martin y el diálogo generacional

    Ricky Martin apareció sentado en las sillas blancas asociadas al universo visual de Debí Tirar Más Fotos. La imagen no apeló a la nostalgia, sino al relevo: dos generaciones de la música masiva latina compartiendo escenario y celebrándose.

    La interpretación de Lo que le pasó a Hawái llevó al Super Bowl una de las letras más explícitas de Benito sobre desplazamiento, gentrificación y pérdida de territorio.

    La boda latina y la intimidad colectiva

    La boda simbólica incluyó códigos reconocibles para cualquier familia latina: música, celebración, exceso… hasta y un niño dormido en las sillas. Todos fuimos él, alch.

    Esto no solo era algo “estético”, sino la vida cotidiana puesta en escena. Un recordatorio de que la identidad también se construye en lo aparentemente insignificante e intrascendente.

    La Marqueta y la diáspora

    La aparición de La Marqueta remitió al mercado hispano de Nueva York, uno de los espacios donde la comunidad migrante ha sostenido idioma y costumbres lejos de casa. Fue un guiño preciso a la diáspora latina en Estados Unidos, como una red viva que jamás podrá ser silenciada por Trump, ICE o quien venga después.

    Que aprendan español

    La mayoría del show fue en español. En el contexto actual de Estados Unidos —marcado por discursos antiinmigrantes, redadas y criminalización del idioma— esa elección fue 100% política y muestra de que las voces hispanas jamás serán silenciadas, aunque el sistema gringo trate de invisibilizarlas.

    God Bless America, pero la real

    Cuando Bad Bunny dijo “God Bless America” y luego nombró países de América Latina (menos Belice LOL), el cantante sentenció a los gringos que América no es su nación, sino todo el continente y las diversas naciones que lo conforman.

    Amor, la fuerza universal

    El mensaje final, “La única cosa más poderosa que el odio es el amor”, remarca algo que Benito ha demostrado en sus conciertos y en esta etapa de su carrera: el odio y la agresividad solo engendran mal. Todos somos uno y lo hemos olvidado. Y la única forma de que el mundo esté en armonía es volviendo a vernos como uno mismo, algo así como la Teoría del Huevo, pero con perreo hasta el piso.

  • Vans Warped Tour vuelve a México: fechas, sede y primeras bandas confirmadas

    Vans Warped Tour vuelve a México: fechas, sede y primeras bandas confirmadas

    Casi una década tras su cancelación en el país, el Vans Warped Tour por fin llegará a México. La edición 2026 incluirá a la Ciudad de México como una de sus paradas oficiales y ya se dieron a conocer las primeras bandas confirmadas.

    El festival se realizará dos días consecutivos, el 12 y 13 de septiembre, en el Autódromo Hermanos Rodríguez. La fecha coloca a México como penúltima parada de un recorrido internacional que también pasará por Washington, Long Beach, Montreal y Orlando.

    Además de su propuesta musical, el Warped Tour mantiene su identidad ligada al skate y al BMX, elementos que históricamente han acompañado al festival y que lo distinguen de otros eventos de rock y música alternativa.

    Bandas confirmadas para el Vans Warped Tour en CDMX

    El lineup anunciado hasta ahora incluye nombres clave del punk rock, emo, post-hardcore y rock alternativo. No todas las bandas tocarán en todas las ciudades, pero estas son las confirmadas hasta el momento para el tour:

    • All Time Low
    • Atreyu
    • Emery
    • Girlfriends
    • Glassjaw
    • Hawthorne Heights
    • Jimmy Eat World
    • Movements
    • New Found Glory
    • Papa Roach
    • San Venus
    • The All-American Rejects
    • The Starting Line
    • The Story So Far
    • Winona Fighter

    El cartel aún no está completo y se espera que en las próximas semanas se anuncien más artistas para la edición mexicana del festival.

    El regreso del Vans Warped Tour a la CDMX apunta a un público que creció con este circuito y a nuevas audiencias interesadas en una escena que mezcla música, cultura urbana y deportes extremos.

  • Por qué nos importa Power Snatch, el nuevo proyecto de Hayley Williams

    Por qué nos importa Power Snatch, el nuevo proyecto de Hayley Williams

    Hayley Williams no está lanzando música nueva solo por inercia creativa. Power Snatch importa porque confirma algo que su carrera viene diciendo desde hace años: Williams ya no está interesada en repetir fórmulas, ni siquiera las que ella misma ayudó a crear con Paramore.

    El proyecto, que firma junto a su colaborador habitual Daniel James, se presentó oficialmente tras el estreno del tema Assignment en Apple Music 1, aunque llevaba meses gestándose fuera del radar. Antes, los fans habían detectado pistas: un teaser publicado en Instagram en julio y la canción DMs subida a Bandcamp en diciembre. Nada accidental. Todo controlado.

    El momento profesional de Hayley Williams

    El lanzamiento de Power Snatch llega además en un punto simbólico de su carrera. Apenas un día después de quedarse sin premio en sus cuatro nominaciones a los Grammy Awards, Williams reaccionó con ironía al decir que “siempre es un honor perder contra The Cure”. La frase no es solo humor: es una toma de postura. Hayley ya no compite por validación institucional.

    Musicalmente, EP1 —disponible solo en Bandcamp y fuera de las grandes plataformas— recoge tres canciones: DMs, Duh y Hole In The Ceiling, piezas que continúan la línea introspectiva y cruda de su etapa solista. Assignment, curiosamente, quedó fuera del EP, aunque ya puede escucharse en servicios de streaming convencionales, reforzando la idea de que Power Snatch opera bajo sus propias reglas.

    Un proyecto que dialoga con su historia y sus polémicas

    Este proyecto también se lee a la luz de los momentos más tensos de su trayectoria. Tras años de conflictos internos en Paramore, rupturas personales muy públicas y debates abiertos sobre salud mental, Hayley Williams ha utilizado su música reciente como un espacio de control y autonomía creativa. Power Snatch no busca masividad ni narrativa épica: busca independencia.

    Por ahora no hay detalles sobre el futuro del proyecto ni sobre posibles lanzamientos adicionales. Pero equis, lo importante es que Hayley sigue moviéndose fuera de los carriles habituales y genéricos de la industria, y lo hace en sus propios términos.

    Y justo por eso, Power Snatch nos importa.