Autor: Raúl Campos

  • TOP 5 canciones para ir a grafitear colonias fresas con tus panas

    TOP 5 canciones para ir a grafitear colonias fresas con tus panas

    Una de mis mejores y más queridas amigas tiene un hobby muy particular: dibujar cosas en paredes de colonias fresas con spray y/o pintura acrílica a altas horas de la noche, cuidándose de que alguna entidad porcina y/u otra autoridad se acerque a importunar el proceso creativo y solicite una cooperación no voluntaria.

    He ido con ella en varias ocasiones porque why not? y porque una de las maneras más efectivas de reforzar lazos afectivos y sociales es acompañar a la amistad en sus intereses especiales y sumarte a ellos. Y uno de los rituales más importantes previo a rayar paredes es dar el rol en la unidad automotriz buscando el spot perfecto para dejar una bomba (con acento yuca).

    Por ello, hoy les comparto una pequeña selección de las rolitas que solemos escuchar en su carro antes de hacer arte y llenarnos las manos de aerosol negro. Dato curisos: nunca nos han agarrado los puercos, pero sí nos han subido a la patrulla hahah, pero por una anécdota muy curiosa que involucra mi auto, una grúa e ir a hacerla de pedo al MP.

    Fallen Angel (El Poco Maro Drum’n’Bass Remix) – Mitsunorio Ikeda

    No hay mejor forma que iniciar una noche de arte que ir a eso de las 11:00 de la noche en Periférico con este rolón a todo volumen, mientras te chingas tu café de dudosa higiene del Jarocho y vas agitando las latas al ritmo de los beats acelerados y atrabancados de este remix de “Fallen Angel”. ¿Alguna vez vieron Panty & Stocking with Garterbelt? Recomiendo.

    八方来财·因果 – SKAI ISYOURGOD

    Este valedor chino se hizo viral en occidente hace un año porque alguien comenzó a usar sus canciones en TikTok. Ah, pero que joya resultó ser: rimas sobre el budismo y taoísmo. Además, sus canciones tienen un bajo que suena bien tremendo en el estéreo de mi pana.

    Trapstorno – Redimi2

    Pasamos de las rimas filosóficas a las cristianas hahah. Más allá de las connotaciones religiosas que puedan tener estos bros temerosos del dios judeocristiano (o acaso es en realidad Yaldabaoth, el Demiurgo…?), sí están duras sus rolas. Aunque eso sí (y les toca soportar, triponas), tienen en ocasiones severos delirios de persecución.

    Candy – Plan B

    Es un clásico del bellakeo, el perreo y toda actividad no apta para señoras panistas. “Candy” es un himno transgeneracional perfecto para cada ocasión. No hay nada más que decir, excepto: “luny-luny-tuuunes”.

    Supreme – Gost

    No hay mejor manera para cerrar la noche y huir a toda velocidad de la zona donde se dejó el lienzo fresco que con esta canción del recién fallecido Gost. Potente, con un beat acelerado y una voz suave que se funde a la perfección, “Supreme” es una de las mejores canciones que nos lega James Lollar.

  • Saramalacara lleva el trap su barrio “Mataderos” al flow mundial

    Saramalacara lleva el trap su barrio “Mataderos” al flow mundial

    La trapera argentina Saramalacara presentó Mataderos, su segundo álbum, un disco donde el barrio en el que creció se convierte en punto de partida para una etapa más amplia en lo sonoro y en lo artístico.

    El proyecto reúne 17 canciones que son un cruce entre origen y expansión entre la escena under de donde viene y el circuito global en el que ahora se mueve.

    El álbum cuenta con una red de productores y colaboradores de peso dentro del cloud rap, el rage y la electrónica experimental. Entre ellos aparecen Evilgiane y Eera, de Surf Gang, además de nombres vinculados al entorno de Opium como F1lthy, Lucian, Lukrative y Ojivolta. También participan Dylan Brady, Casey MQ y Aaron Shadrow. Aun con ese marco internacional, el disco mantiene una conexión muy marcada con la historia personal de Sara Azul Froján y con el territorio que le da nombre.

    Un disco atravesado por el barrio y la nostalgia

    Mataderos toma su nombre del barrio porteño donde creció Saramalacara y desde ahí construye buena parte de su identidad. La propia artista explicó por qué ese punto era importante dentro del proyecto: “Me parecía importante irme tan lejos de casa, hacer un disco con una major y aun así ponerle el nombre de mi barrio”.

    “Se llama Mataderos porque las letras están muy atravesadas por la nostalgia, por el barrio en el que crecí toda mi vida. Es un lugar que está como en el medio, entre capital y provincia, y siento que mi música también habita ese intermedio, entre lo under y lo mainstream”, añadió.

    Esa idea atraviesa todo el disco. En lo sonoro, mantiene parte de las atmósferas etéreas y las melodías suaves que ya venían apareciendo en su música, pero ahora les suma una energía más filosa, más cercana al rage. El resultado no se mueve hacia un solo lado, sino que sostiene esa dualidad entre lo íntimo y lo expansivo.

    En esta etapa sigue conectando con lo digital, pero de forma más directa: volvió a usar Facebook como canal principal y mantiene activo el vlog @saraonline333. Su proyecto crece, pero también se vuelve más claro en cómo se presenta y se organiza.

  • Metal Gear Solid V: tremendas canciones con sabor a conflicto

    Metal Gear Solid V: tremendas canciones con sabor a conflicto

    Hace años hubo una temporada en la que me obsesioné durísimo con la saga de Metal Gear del Hideo KojimaGOD, la cual, lastimosamente se murió en el incompleto Metal Gear Solid V: The Phantom Pain.

    Para no tratar de explicar el lore iré directo al grano: el juego tiene una selección de canciones que están durísimas, que además tienen una construcción muy ligadas a los temas centrales de la historia y la saga. So, métanse a una caja, échense un puro frente a algún reloj y escuchen con presencia.

    “Sins of the Father”

    “Sins of the Father” es el tema principal y está tremendísimo. La primera vez que lo escuché en el tráiler de cuando lo anunciaron… absoluta música 🚬.

    Los temas que aborda técnicamente explican el lore de la saga: legado transgeneracional, culpa que se hereda, identidad y la forma en la que alguien se corrompe con tal de cumplir sus objetivos. Y luego

    Durísima, de veras.

    “Quiet’s Theme”

    Quiet es un personaje construido alrededor del silencio, de la distancia y de una presencia que primero desconcierta, pero luego se vuelve clave. Y su canción es una forma de verbalizar todo aquello que no puede pronunciar (no habla, pues).

    Tiene la voz Stefanie Joosten, la actriz que la interpreta, y, narrativamente, acompaña la transformación del vínculo entre Quiet y Venom Snake. Verdaderamente una muy bella canción.

    “A Phantom Pain”

    Tremendo temón. “A Phantom Pain” a diferencia del resto del OST, esta canción te da la impresión de que la escuchaste con anterioridad en algún punto de tu vida; suena a rock chido ochentero, muy Duran Duran.

    La canción juega con el concepto del dolor fantasma (el fenómeno de sentir dolor en una parte del cuerpo que ya no existe {el Snake es manco}) y el de una identidad rota, construida y resquebrajada.

    Bonus: “Invisible” de Duran Duran

    Quien le sabe a TikTok y es de la comunidad fan de Kojima ya conoce los motivos de que la ponga aquí: memes.

    Por algún motivo, alguien empezó a hacer en 2023 edits de Venom Snake con esta canción y mucha gente fue gaslighteada a creer que forma parte del soundtrack. Imposible, porque el juego es de 2015 y la rola de 2021.

    Lo curioso es que la canción queda muy bien con el este producto cultural digital, no solo porque su estructura musical es muy parecida a “The Phantom Pain”, sino porque los temas que aborda son los mismos: manipulación, despersonalización, control, presencia fantasma, imposibilidad de afirmarse por completo como un yo estable. Como anillo al dedo.

  • Siete artistas de Japón y Tailandia se unen en el proyecto “CLOUD DREAM”

    Siete artistas de Japón y Tailandia se unen en el proyecto “CLOUD DREAM”

    Siete artistas emergentes de Japón y Tailandia participarán en “CLOUD DREAM project by G&LDH”, una nueva iniciativa que reunirá a talentos de ambos países en un proceso de formación y convivencia artística.

    El proyecto nace de la colaboración entre GMM Music, una de las compañías musicales más importantes de Tailandia, y LDH JAPAN, empresa japonesa de entretenimiento y música.

    Por parte de Tailandia participan LOUIS, FORD y FLUKE, integrantes de FLIO. Por parte de Japón se suman RYOJI, SUZUKI, GHEE y HIROTO, miembros de WOLF HOWL HARMONY from EXILE TRIBE.

    La idea de “CLOUD DREAM” es seguir a estos siete artistas mientras trabajan juntos en Japón, enfrentándose a entrenamientos intensivos, diferencias culturales y nuevos retos personales. El proyecto documentará cómo conviven, cómo se adaptan y cómo intentan crecer dentro de una experiencia compartida con la meta de abrirse paso a nivel internacional.

    Un documental de ocho episodios

    Como parte del lanzamiento, “CLOUD DREAM project by G&LDH” tendrá un documental de ocho episodios con el mismo nombre. La serie mostrará el desarrollo del proyecto y el proceso que vivirán los participantes durante esta colaboración.

    El documental está dirigido por Piyakan Bootprasert, cineasta y director con experiencia en publicidad y cine.

    El primer episodio de “CLOUD DREAM project by G&LDH” se estrenará a mediados de mayo de 2026 en el canal de YouTube GMMTV Official.

    Con este proyecto, GMM Music y LDH JAPAN apuestan por una colaboración entre Tailandia y Japón centrada en nuevos talentos y en el intercambio artístico entre ambas escenas.

  • La interesante pero extraña música hecha por plantas y hongos

    La interesante pero extraña música hecha por plantas y hongos

    Tengo amistades que son musicxs expertos que tocan con maestría instrumentos como la guitarra, el piano, la flauta e incluso cosas muy exóticas como el arpa de pedales (la cual ni me dejan agarrar porque son carísimas). Pero son contadas las personas que optan por aprender a ejecutar cosas que van más allá de lo que “encaja en sociedad”, como plantas y hongos.

    Y no me refiero a veganxs que echan sus bombastic side eyes cuando les dices de unos tacos o gente que se mete sustancias, sino a personas que verdaderamente han decidido explorar las posibilidades creativas que estos organismos vivos permiten (con o sin su consentimiento… no sé, no hablo vegetaliano)

    ¿Qué es la biosonificación?

    Varios artistas y colectivos al rededor del mundo han comenzado a trabajar con sus impulsos bioeléctricos de plantas y hongos como materia prima sonora. Lo que hacen es capturan esas microvariaciones provocadas cambios en la luz, humedad, contacto, etc., y las traducen en señales digitales que después se convierten en sonido.

    Ese proceso se llama biosonificación y básicamente consiste en tomar datos eléctricos de organismos vivos y transformarlos en notas, ritmos o texturas. A continuación, voy a hablar de algunos de esas interesantes, pero extrañas (Pati Chapoy referencia) creaciones artísticas poco convencionales.

    Data Garden y PlantWave

    Quién quizá podría tomarse como pionero en esto es el colectivo Data Garden. Estos panas sacaron un dispositivo llamado PlantWave. Es un sistema se conecta a hojas, tejidos vegetales y/o hongos mediante sensores que registran cambios en la conductividad eléctrica del organismo.

    Los datos obtenidos se convierten en señales MIDI y luego en sonido. Par ano entrar en detalles muy técnicos, con sus algoritmos y demás cosos de artistas formaron Data Garden Quartet, un performance musical en el que hacen composiciones musicales tomando de base la información obtenida de plantas tropicales.

    Mileece

    Otra experta en el tema es la artista británica Mileece, quien se fue a algo más inmersivo. Su trabajo usa señales de plantas para generar paisajes sonoros que evolucionan según la actividad biológica y las condiciones del espacio.

    Su take en la la biosonificación se enfoca más en la textura, la duración, la densidad y la forma en la que un organismo altera una atmósfera sonora.

    Scenocosme

    Por otro lado, el colectivo francés Scenocosme empuja esta práctica hacia la interacción directa, o sea, manosean a las plantas para ver cómo esto afecta el sonido generado. Su sistema registra la variación eléctrica provocada por el contacto y la convierte en respuesta sonora en tiempo real.

    Estos individuos, más que hacer música, hacen como instalaciones artísticas y los sonidos que hacen sus plantas remiten a llamados de animalitos. Muy interesante la netflix.

    Modern Biology

    El proyecto Modern Biology, de Tarun Nayar, tiene unas rolas bien chiditas. Su propuesta ofrece piezas de ambient y electrónica que fácilmente podrían ser la banda sonora de cualquier videojuego. Me imagino que, en hongos, sus canciones te pueden hacer tener un trip peculiar, por así decirlo.

    Yuma Project

    Buscando quién en México hacía algo por el estilo me encontré con los duranguenses Yuma Project. este colectivo trabaja directamente con plantas y hongos para generar música en vivo. Lo hacen conectando sensores a organismos para captar sus impulsos eléctricos y traducirlos en sonido.

    Además, le suman a esto bajo, batería, saxofón y voz. Lit es una banda en la que parte de la orquesta podrían ser las suculentas y los cactus que dejaste morir en tu casa por exceso de cuidado.

  • THEKOIWAY convierte la migración y la distancia en el centro de “Cauce”

    THEKOIWAY convierte la migración y la distancia en el centro de “Cauce”

    THEKOIWAY, el proyecto encabezado por el multiinstrumentista y productor chileno Víctor Vildósola, presenta “Cauce”, un sencillo que se construye desde la experiencia de la migración, la paternidad a distancia y la marca emocional que deja una partida.

    La canción forma parte del próximo EP I-RÜPÜ y aparece como el segundo adelanto de un material que gira alrededor del origen, el desplazamiento y lo que permanece incluso cuando todo cambia de lugar.

    En “Cauce”, Vildósola parte de una imagen muy concreta: no el río, sino el surco que el agua deja a su paso. Desde ahí, la canción desarrolla una reflexión sobre lo que se transmite, lo que se arrastra y lo que sigue vivo a pesar de la distancia.

    THEKOIWAY

    Una carta marcada por la distancia

    La canción está dirigida en buena parte a su hijo y se mueve alrededor de esa relación atravesada por el tiempo, el crecimiento y la ausencia física. En ese espacio aparece una de las ideas centrales del tema: el duelo de un padre que sigue construyendo su camino mientras su hijo deja de ser un niño.

    Más que una canción sobre la nostalgia, “Cauce” funciona como una carta donde la migración no se presenta solo como cambio geográfico, sino también como una experiencia que altera vínculos, formas de acompañar y maneras de amar.

    El propio Víctor Vildósola lo resume así: “Cauce es una carta a mi hijo sobre la migración, el crecimiento y la herencia emocional. El camino del río se convierte en metáfora de lo que llevamos hacia adelante: memoria, amor y el coraje de seguir fluyendo aunque el viaje nos lleve lejos el uno del otro”.

    En lo musical, “Cauce” reúne cuerdas, batería, guitarras acústicas y voces femeninas y masculinas para construir una atmósfera contenida, con un peso importante en la letra y en el desarrollo emocional del arreglo. La canción se integra al universo de I-RÜPÜ, EP que ya había comenzado a tomar forma con “Cordillera”, el primer sencillo del proyecto, donde participó el actor chileno Héctor Noguera interpretando poesía de Raúl Zurita.

    *Nota redactada por la bbkaria sicaria #1 de la oficina.

  • Top 5 canciones para que te ganen los pensamientos intrusivos y choques en el tráfico

    Top 5 canciones para que te ganen los pensamientos intrusivos y choques en el tráfico

    A nadie le gusta perder ni siquiera 10 minutos en el tráfico. Pero, lastimosamente, la movilidad en la ciudad nació muerta. Uno ha aprendido a ser zen y disfrutar incluso del proceso que implica trasladarse de su casa a la oficina a las 8:00 am y en la noche de regreso, aunque el trayecto, que pudo haber sido de 25 minutos, se infle a una hora por la gran cantidad de carros que van a la misma zona que tú (ya dennos home office alv).

    Hay momentos en los que se te bota la canica y empiezas a tener pensamientos intrusivos, como los del meme del pato Lucas fachero de “todos ustedes contra mi solo”. Entre ellos, las ganas de perrearle intensamente al carro de enfrente para que se apure. Por fortuna, uno logra controlarse, porque pues que cringe ser de esos panas que apenas y se rosan y ya hicieron un desmadre por nada.

    Si tú eres de esas personas (y de las que cuando apenas cae una par de gotas de llovizna y sienten la necesidad de chocar), aquí te dejo mi top de canciones con las que me les dejaría ir a todos los carros de enfrente si tuviera un monster truck o un tanque.

    *Btw amix, si te enoja el tráfico: ve a terapia, hay cosillas ahí que tienes que chambear. O usa el metro.

    “Speed or Perish” – Carpenter Brut

    Bueno, esta canción del carpintero bruto literalmente se llama “velocidad o perece”, so creo que no tengo que explicarla demasiado. Además, el video, absoluto cine 🚬 dirigido por Seth Ickerman, es literal sobre carreras mortales.

    “Don’t Stop the Music” – Lou Grant

    Honestamente, cualquier canción de eurobeat que haya sido parte de la banda sonora de Initial D es perfecta para pisar el acelerador hasta el fondo y tratar de derrapar en las curvas de Río Churubusco (haya otros carros o no). Pero esta en específico es una de mis favs.

    “Public Enemy No. 1” – Megadeth

    El video de esta canción muestra a unos chimpancés robando, baleando gente y comiendo plátanos. Y literalmente en el coro dice “un carro robado, ando en fuga”, y qué mejor frase para fingir que eres un monki malandro que se acaba de chacalear un auto y dejártele ir al wey que está enfrente todo estresado porque si llega 10 minutos tarde le descuentan el día.

    “Blue (Da Ba Dee)” – Eiffel 65

    Dato curioso #1: una vez choqué mientras esta canción sonaba en el estéreo por ir en la p3nd3ja. Solo por eso la meto hahaha.

    Dato curioso #2: esta canción habla acerca de la depresión.

    “Slave 2 the Grind” – BEX

    Esta canción lit habla acerca del grindeo diario en un trabajo que te tiene hasta la coronilla y en el que te sientes atrapado, cual el Sísifo subiendo su piedra diario para que se le resbale al wey al terminar su jornada laboral y al otro día tenga que hacer exactamente lo mismo… 5 días a la semana, menos feriados. Es probable que, si estás en un jale que odias y no encuentras algo más decente, te den ganas de chocar nomás para variarle un poco a tu triste rutina. Date.

  • 54 Ultra arranca 2026 con “Turnaround” e “I’m Hooked”

    54 Ultra arranca 2026 con “Turnaround” e “I’m Hooked”

    54 Ultra, proyecto musical del compositor y productor JohnAnthony Rodriguez, originario de Nueva Jersey, presentó dos canciones nuevas: “Turnaround” e “I’m Hooked”, un lanzamiento doble que llega acompañado por un video dirigido por Jesse Saunders y grabado en los históricos Valentine Recording Studios de Los Ángeles.

    Detrás de 54 Ultra está un proyecto que mezcla indie rock, sintetizadores y una base soul atravesada por raíces puertorriqueñas y dominicanas. En estos nuevos temas mantiene esa línea, pero la empuja hacia un terreno más definido dentro de su propia identidad.

    54 Ultra

    “Turnaround” e “I’m Hooked” llegan después de su participación en “Talk To You”, colaboración con ANOTR en la que 54 Ultra llevó su sonido hacia un registro más bailable. Ahora, con este lanzamiento, vuelve a poner el foco en su propio proyecto y al mismo tiempo marca otro movimiento importante en su carrera: su firma oficial con Interscope Records.

    Un nuevo paso después de First Works

    54 Ultra empezó a ganar atención con “Where Are You” y más tarde consolidó esa primera etapa con First Works, EP debut de seis canciones que le abrió espacio dentro del circuito independiente. Ese material fue bien recibido y terminó funcionando como base para los sencillos posteriores “I Won’t Go” y “Find Your Love”.

    54 Ultra

    Con “Turnaround” e “I’m Hooked”, el proyecto entra en una nueva fase. Las dos canciones funcionan como su primer lanzamiento en solitario de 2026 y llegan en un momento donde su perfil ya no está solo en crecimiento digital, sino también en expansión dentro del circuito en vivo.

    El lanzamiento coincide con una gira de 11 fechas por Norteamérica, en la que 54 Ultra ha venido documentando su recorrido a través de un diario de tour apoyado por Orca. Esa serie ha mostrado distintas partes de su primera gira como headliner, siguiendo el proceso desde la carretera hasta los conciertos.


    *La bbkaria sikaria se rifó con este texto

  • Top 5 canciones para desconectarse en la carnita asada del jale

    Top 5 canciones para desconectarse en la carnita asada del jale

    A veces, hay visionarios en tu equipo de trabajo que sacan ideas tan locochonas que no queda más que hacerles segunda, como organizar una carnita asada a media semana y a medio día en la oficina, nomás por el hecho de convivir y disfrutar de bebidas espirituosas, buena comida y descontrol con aquellas personas que seguramente ves más que a tu familia.

    Por eso, acá les dejo mi Top 5 de canciones para desconectarse bastardamente a media jornada laboral (con autorización del jefe, claro) y dejar a medias los pendientes para un día en el que la cruda no te deje ni pensar si irás por un tamal de verde o unos chilaquiles todos aguados a los puestos de afuera de las oficinas de gobierno cercanas a la agencia.

    “Crayola” – Danny Ocean

    Sugerida por Fer, la niña bien de la oficina, esta canción del Daniel océanos es ideal para arrancar la velada godín con una vibe como de playa (aunque el cuerpo de agua más cercano sea Insurgentes cuando se inunda). Fresca, alegre e iniciadora de una buena tarde.

    “Mi historia entre tus dedos” – Andikiru

    Honestamente, no tengo ni la más mínima idea de cómo se llama el wey que canta la versión original (será Nicho Hinojosa o uno de esos poperos bohemios, qué se yo, no lo voy a googlear), pero la versión de grupo Andikiru es GOD por una simple razón: es fokin cumbia andina. Perfecta para comenzar a abrir la pista (el comedor o pasillo) de manera deliciosa y tranquila.

    “La carencia” – Panteón Rococó

    Eventualmente, la mayoría va a estar ya con varios tragos encima y este clásico de la lucha proletaria es una manera, digamos, sutil, de decirle a tu jefe que les de a todos un aumento de sueldo, saque la patona de Bacardashian o que, al que esté desprevenido, le va a tocar un b3rgaz0 con todo el afán de ofender.

    “Nunca es suficiente” – Los Ángeles Azules

    Ya más tardecito va a haber dos grupos: los que ya están bien enfiestados y los que andan ahí desahogándose. Anyways, este clásico sirve tanto pa’ bailar, como para cantar con despecho y dolor.

    “El diablo anda suelto” – Santa Grifa

    Antes de que llegue el jefe y corra a los vagos que aún están en la oficina a eso de las 11:00, algún cabróne va andar de castrose con que se la sigan en otro lado o que, en su defecto, alguien saque sustancias de procedencia ilícita. El caso es que si ocurre lo segundo, este individuo se va a colar a la playlist y va a poner sus rolas de mariwane malandre, like this one.

  • LESEL presenta un himno a la resiliencia con “Inmenso”

    LESEL presenta un himno a la resiliencia con “Inmenso”

    El cantante y compositor uruguayo LESEL presenta “Inmenso”, el primer adelanto de su nueva etapa artística, Alquimia, con una canción centrada en la resiliencia, la libertad y la fuerza interior.

    “Inmenso” marca un cambio hacia un sonido más rockero y directo dentro de su proyecto. La canción está impulsada por guitarras eléctricas, una batería más dinámica y un ritmo pensado para sostener su energía de principio a fin. A eso se suman armonías vocales que refuerzan el tono emocional del tema.

    La letra gira alrededor de la idea de crecer al soltar cargas internas y externas, convirtiendo esa experiencia en una canción de impulso y reconstrucción. Desde ahí, “Inmenso” se plantea como un tema sobre volver a levantarse, recuperar movimiento y seguir adelante.

    LESEL

    En esa línea, el sencillo funciona también como una carta de intención sobre el momento que atraviesa el artista. Más que presentar solo un nuevo sonido, la canción busca dejar claro el tipo de mensaje que acompañará esta etapa: una búsqueda de transformación personal llevada a un terreno más frontal y más energético.

    El peso del tema también está en cómo cruza fondo y forma. La idea de resiliencia no se queda únicamente en la letra, sino que aparece reforzada por una instrumentación más potente y una estructura que apuesta por el avance constante.

    Con este lanzamiento, LESEL abre formalmente la etapa Alquimia, un ciclo que funcionará como base de su próximo álbum. El sencillo sirve también como primera muestra del sonido que trabajará en esta fase, ahora con una orientación más enérgica y expansiva.

    ¿Quién es este men?

    LESEL inició su trayectoria en 2021 con “When You Are Gone” y desde entonces ha desarrollado distintas etapas y lanzamientos, entre ellos New Era, Fusión, el concierto “Símbolos”, el álbum Mi Mensaje, la etapa Frecuencias y un cuarto disco presentado en 2025. Con Alquimia, el proyecto entra en una nueva fase enfocada en la transformación sonora, nuevas colaboraciones y una expansión hacia otros mercados, incluido México.