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  • SANTOS BRAVOS le pone sabor latino al K-pop con DUAL

    SANTOS BRAVOS le pone sabor latino al K-pop con DUAL

    El grupo SANTOS BRAVOS, el primer proyecto de pop latino impulsado por HYBE Latin America, anunció el lanzamiento de su EP debut DUAL, que llegará el 13 de marzo. Con este proyecto, la agrupación busca consolidar una propuesta que mezcla la energía del pop latino con la estética y coreográfica del K-pop.

    El anuncio del EP llega acompañado por una nueva docuserie titulada detrás de DUAL (Behind DUAL), que ofrecerá una mirada al proceso creativo del proyecto. La serie se estrenará el 15 de marzo en Spotify y al día siguiente en el canal oficial de YouTube del grupo, con episodios semanales que mostrarán momentos del trabajo en estudio y la evolución artística de los integrantes.

    Un concepto construido sobre la dualidad

    El EP DUAL se articula alrededor de una idea central: la coexistencia de dos energías dentro del grupo. Por un lado está el lado SANTO, que representa la espontaneidad, la fiesta y la conexión entre los integrantes. Por otro aparece el lado BRAVO, una faceta más intensa que canaliza el movimiento, el carácter y una expresión artística más fuerte.

    Santos Bravos

    La docuserie explora esa construcción, alternando escenas del pasado y del presente para mostrar cómo cada canción fue tomando forma dentro del estudio.

    Un grupo latino con estructura de K-pop

    SANTOS BRAVOS está integrado por Drew (Estados Unidos/México), Kauê (Brasil), Alejandro (Perú), Kenneth (México) y Gabi (Puerto Rico), una alineación que refleja la diversidad cultural que el proyecto busca representar.

    La agrupación se presentó por primera vez ante una audiencia masiva durante Premios Lo Nuestro 2026, donde interpretaron su sencillo “KAWASAKI”. La actuación fue destacada por su sincronía coreográfica, presencia escénica y propuesta visual, y medios como Billboard los señalaron como una de las promesas del pop latino emergente.

    Un proyecto latino con ambición global

    El proyecto SANTOS BRAVOS nació bajo el sello HYBE Latin America, división regional del conglomerado detrás de algunos de los proyectos más exitosos del K-pop. La idea es trasladar parte de esa estructura de producción, narrativa y construcción de fandom al universo del pop latino.

    Tras el lanzamiento de DUAL, SANTOS BRAVOS iniciará su primera ruta de festivales por Latinoamérica. El recorrido comenzará el 20 de marzo en el Festival Estéreo Picnic de Colombia, seguido por Tecate Pa’l Norte en Monterrey.

    Posteriormente el grupo se presentará en el Empire Music Festival en Guatemala y en Tecate Emblema en Ciudad de México, como parte de una estrategia que busca ampliar su presencia internacional.

  • No Te Va Gustar redefine su energía en “Florece en el Caos”

    No Te Va Gustar redefine su energía en “Florece en el Caos”

    Con Florece en el Caos, No Te Va Gustar abre una nueva etapa creativa en su trayectoria. El álbum, lanzado a sus 30 años de carrera, marca un giro en la energía de la banda: ahora más directa, áspera y concentrada, pero sin desprenderse de la raíz melódica y emocional que les da identidad.

    En este nuevo trabajo, el grupo uruguayo condensa su sonido en un formato más cohesionado. Las guitarras suenan mas filosas, la sección de vientos dialoga con más enfoque y la base rítmica sostiene un pulso firme que atraviesa todo el disco. Hay menos dispersión estilística y más intención conceptual.

    Madurez lírica y cohesión sonora

    Las letras de Florece en el Caos profundizan en preocupaciones universales desde un lugar más contemplativo. La banda aborda la incertidumbre, el desgaste, la resiliencia y la esperanza sin grandilocuencia, con una mirada que refleja madurez artística. El caos al que alude el título no funciona como derrota, sino como terreno fértil para reconstruir.

    Musicalmente, el disco conserva la esencia híbrida de NTVG, pero con una producción más enfocada y una unidad estética clara. Cada canción parece responder a un mismo clima emocional.

    Un nuevo ciclo en movimiento

    Florece en el Caos no se presenta como el punto de partida de un ciclo que continuará en una extensa gira internacional durante 2026. El recorrido incluirá fechas por Latinoamérica y Europa.

    En México, la banda visitará Guadalajara, Querétaro, Puebla, Monterrey, León y Ciudad de México en agosto. Así que si son fans del grupo compuesto por Emiliano Brancciari, Martín Gil, Denis Ramos, Mauricio Ortiz, Diego Bartaburu, Pablo Coniberti, Guzmán Silveira y Francisco Nasser, estén atentos para cuando se acerque su visita a México.

  • iza tkm debuta con “i Music Listen”, un álbum de introspección generacional

    iza tkm debuta con “i Music Listen”, un álbum de introspección generacional

    iza tkm presenta i Music Listen, su álbum debut, una obra que consolida un proyecto nacido desde la memoria emocional y la búsqueda personal.

    Grabado a lo largo de dos años, i Music Listen es un ejercicio de vulnerabilidad sonora. El álbum combina guitarras orgánicas registradas en notas de voz, guitarras eléctricas distorsionadas, sintetizadores , pianos, gritos y coros que construyen una atmósfera cruda y cercana.

    Entre las capas sonoras aparecen también audios de los mejores amigos de iza y varias canciones dedicadas a su mamá, reforzando el carácter profundamente personal del proyecto.

    Juventud y autodescubrimiento

    En su disco, iza tkm explora las vivencias de la juventud contemporánea: mudarse a nuevas ciudades, atravesar vínculos complejos y enfrentar el proceso constante de autodescubrimiento. El proyecto incluye colaboraciones con bandita emergente como AKRIILA, FaceBrooklyn, Méne y EMJAY,

    Musicalmente, iza tkm fusiona pop alternativo, drum n bass y electrónica con una sensibilidad dreampop que transita entre lo etéreo y lo visceral. El resultado es un sonido orgánico y honesto que canaliza la vulnerabilidad tanto de la artista como de quien la escucha.

    Una respuesta masiva desde el primer día

    Para celebrar el lanzamiento de i Music Listen, iza tkm realizó una listening party en la Glorieta de los Insurgentes que reunió a más de 1,500 personas. La convocatoria confirmó el alcance de un proyecto que ha crecido de manera orgánica desde redes y plataformas digitales.

    “Me siento muy tranquila y muy feliz de que por fin esté afuera el álbum, llevo mucho tiempo trabajando en esto y ver los frutos de mi trabajo me llena mucho,” expresó iza tras el evento. “No esperaba para nada la respuesta de la gente y estoy muy agradecida, es una experiencia irreal que siempre llevaré cerca de mi corazón.”

    @izatkmm aaaaaaagggggggghh una de mis canciones favoritas de la vida ya la van a poder escuchar full hd 4k el viernes ( o el miércoles en la glorieta ) 🎼🎼🎼🎼🎼🩵 #iML #imusiclisten ♬ sonido original – iza tkm
  • Emilia Borlone le canta al amor bonito en “Mil Veces”

    Emilia Borlone le canta al amor bonito en “Mil Veces”

    En “Mil Veces”, la cantautora chilena Emilia Borlone le canta al amor bonito: ese que permanece cuando todo se tambalea, que abraza en medio del caos y que convierte la rutina en refugio. El sencillo, cuarto adelanto de su próximo LP debut, revela el pulso íntimo y emocional que definirá este primer trabajo discográfico.

    “Mil Veces” es una balada indie pop íntima y luminosa que celebra el amor bonito, ese que no desaparece ante las crisis, sino que se fortalece en ellas. La canción habla de elegir a alguien incluso en los días difíciles, de encontrar refugio en la cotidianidad compartida y de agradecer la presencia que transforma el caos en calma.

    El sonido se mueve entre lo análogo y lo orgánico, con arreglos sobrios que permiten que la voz y la letra ocupen el centro. Hay sensibilidad, nostalgia y una calidez que sostiene el mensaje sin caer en dramatismos. La consigna es clara: el amor bonito sí existe y merece ser elegido mil veces.

    El concepto visual y narrativo que acompaña el sencillo gira en torno a la luz en medio del desorden, la naturaleza y la ternura cotidiana. Más que una declaración grandilocuente, la canción retrata pequeños gestos que sostienen vínculos reales.

    Una voz que apuesta por la honestidad emocional

    Emilia Borlone ha venido construyendo una propuesta marcada por la vulnerabilidad y la cercanía. En sus sencillos anteriores, como “Quisiera Borrar”, “Quédate Adentro” y “La Joya”, la compositora explora emociones íntimas desde una estética sencilla y directa.

    Recientemente se presentó en el Foro del Tejedor, en la CDMX, donde interpretó estos temas junto a “Mil Veces”, acompañada por tres músicos e invitados como Pehuenche y Madame Récamier. La atmósfera del concierto reforzó el tono que atraviesa su proyecto: honestidad, intimidad y conexión directa con el público.

    Con “Mil Veces”, Emilia Borlone reafirma esa línea creativa y anticipa un álbum debut que promete profundizar en las emociones que, lejos del espectáculo, sostienen la vida cotidiana.

  • Caloncho nos da una cátedra de chill con “Mangos”

    Caloncho nos da una cátedra de chill con “Mangos”

    Caloncho regresa con “Mangos”, un sencillo que mantiene su energía luminosa, pero la ligeramente la tensiona. Sigue estando el groove cálido que lo caracteriza, pero ahora hay una intención más marcada de empujar el ritmo y meterle músculo sin perder la sonrisa.

    Musicalmente, “Mangos” avanza sobre una base rítmica viva, bajo protagonista y melodías que fluyen con naturalidad. Suena muy reggae. Los versos tienen una cadencia relajada que lo ha hecho reconocible dentro del indie mexicano, pero, cuando entra el coro aparece una guitarra con distorsión que lo cambia todo (insert meme here) que le un toque rockerón.

    Si sumas eso con la voz de Caloncho (ligera, amable y casi despreocupada) obtienes una rolita muy rica para ecahr el coto con los panas de la oficina los viernes de azulitos y tarot.

    El videoclip, dirigido por Bernardo de Anda, aunque en una primera lectura podría parecer muy random, ya que disfrutas de la música agarra sentido.

    Literal es Caloncho en un paisaje desértico junto al mar: cactus, arena, cielo abierto. O está comiendo mangos, o está de chill en una moto en el desierto, andando o pasando el rato.

    El tránsito visual de la inmovilidad al movimiento refleja el corazón del track. “Mangos” no es solo una canción veraniega temprana (o de Semana Santa) con vibra tropical. Habla de reactivarse, de sentir la adrenalina después de una pausa larga. Esa sensación de volver a encenderse conecta con el momento exacto en que el coro se abre y la guitarra empuja todo hacia adelante.

    Con “Mangos” , Caloncho nos entrega un pequeño himno (dura menos de tres minutos nomms) perfecto para pasarla bien y disfrutar de las pequeñas cosas de la vida, como una paseo, el arte de deambular y, obviamente, comerte un mango… gran plan dominguero.

  • Alysa Liu: la prodigio que cambió las Olimpiadas con alegría, pasión y Donna Summer

    Alysa Liu: la prodigio que cambió las Olimpiadas con alegría, pasión y Donna Summer

    Cuando Alysa Liu subió al podio olímpico en los Juegos de Invierno Milano-Cortina 2026, garcias a su épica una rutina al ritmo de la legendaria “MacArthur Park Suite” en la versión de Donna Summer, no solo rompió una sequía de 24 años sin oro estadounidense en patinaje artístico femenino; también redefinió cómo se puede alcanzar la excelencia (no sólo en el deporte) con una filosofía distinta: disfrutar del proceso en vez de vivir presionado por un resultado.

    Liu, de solo 20 años, se coronó como una heroína mundial, pues se ha convertido en un símbolo de cómo vivir bajo tus propios términos, teniendo dos mantras potentes: divertirse y hacer las cosas a tu manera.

    La expresión personal como estandarte

    Alysa Liu se ha ganado los corazones de todos no solo por su récord o la técnica impecable, sino por la forma en que aborda el patinaje como expresión personal y disfrute, lejos de la idea de perfección absoluta que domina el deporte. Al verla patinar uno (al menos yo) siente su energía de placer genuino, algo que rara vez se ve en el deporte… y en cualquier cosa creativa en general, pues se nos ha enseñado que hay que sufrir para merecer y lograr la “excelencia”.

    Alysa se retiró en 2022 por el desgaste mental y la presión competitiva, pero volvió con otra mentalidad: competir porque quería, por amor al arte (deporte). Esa ligereza se tradujo en mayor fluidez técnica, mejor manejo de la tensión y una conexión más orgánica con el público y el todo.

    “MacArthur Park”: el himno disco que convirtió el hielo en épica

    Verla patinar al ritmo de “MacArthur Park Suite” literal le cambió la vida a muchos y nos ha ayudado a reconectar con lo lúdico, lo hermoso y los procesos de la vida. La versión de la canción que uso es una pieza expansiva, dramática y cargada de crescendos… absoluto cine que plasmo con su sonrisa, energía y pasión.

    La vimos volver bajo sus propias reglas, con una mentalidad orientada al disfrute y al arte. Y, honestamente, alguien que se divierte nunca será vencido porque ya ganó. Como ella lo dijo, el oro fue algo casi secundario, porque ella fue a las olimpiadas a pasársela bien y compartir su arte con todos.

    Como dicen en los memes, literalmente Alysa Liu es el “Ubermensch” de Nietzche: ganó siguiendo sus propios valores, supero el resentimiento que llegó a desallar por el deporte, transformó la disciplina en disfrute y, lo más importante, vive con completa autenticidad.

    Grande Alysa.

  • Bad Bunny y el Super Bowl como territorio cultural

    Bad Bunny y el Super Bowl como territorio cultural

    El show de medio tiempo del Super Bowl 2026 no fue un simple espectáculo aislado ni una vitrina de hits de perreo, sino que fue un relato condensado lleno de significados. En poco más de trece minutos, Bad Bunny convirtió el escenario más visto del mundo en un archivo vivo de identidad latina: territorio, idioma, migración, memoria y afectos.

    Nada estuvo ahí de manera aleatoria, sino que estuvo para decir algo, en una coyuntura repleta de racismo, discursos de derecha y Trump… gran amigo de Epstein, aunque lo quiera negar.

    ‘Tití Me Preguntó’ y el regreso al origen

    El arranque recreó un paisaje cotidiano de Puerto Rico: puestos, mercado, campo, trabajo manual. La vida ordinaria de la gente boricua.

    Benito apareció vestido de blanco, un color asociado a lo ceremonial y lo espiritual en muchas culturas. Boxeadores entrenando, joyería de plata, cocos, comerciantes. El mensaje inicial fue claro: esta historia empieza antes del éxito y fuera del centro.

    La pava y el jíbaro: el campo como símbolo político

    La presencia de la pava, el sombrero tradicional del campesinado puertorriqueño, no fue pornomiseria. La figura del jíbaro ha sido históricamente un símbolo de identidad, resistencia y arraigo frente a los procesos de urbanización, colonialismo y borrado cultural, el cual tristemente es muy visible actualmente por la gentrificación y las prácticas políticas y de negocio que la perpetúan.

    Llevar ese imaginario al Super Bowl —un espacio creado meramente para vender (muy turbio el comercial de Serena Williams, alch)— fue una forma de invertir jerarquías: el campo, tantas veces invisibilizado, ocupó el centro del mundo.

    La casita: hogar como estructura cultural

    La casita, ya presente en el universo visual de Bad Bunny, volvió a aparecer aquí como estructura narrativa, representando al hogar latino entendido como espacio donde se comparte.

    Ahí salieron Pedro Pascal, Karol G, Cardi B, Jessica Alba y Young Miko, etc. como una extensión de una comunidad que ha cruzado fronteras sin borrar origen.

    Lady Gaga y la colaboración sin traducción

    La aparición de Lady Gaga no respondió al gesto típico de “estrella invitada”. Funcionó como alianza simbólica. Interpretaron juntos Die With a Smile y Baile Inolvidable sin forzar idioma. Ya lo había dicho el Benito meses antes; “que aprendan español”.

    Ricky Martin y el diálogo generacional

    Ricky Martin apareció sentado en las sillas blancas asociadas al universo visual de Debí Tirar Más Fotos. La imagen no apeló a la nostalgia, sino al relevo: dos generaciones de la música masiva latina compartiendo escenario y celebrándose.

    La interpretación de Lo que le pasó a Hawái llevó al Super Bowl una de las letras más explícitas de Benito sobre desplazamiento, gentrificación y pérdida de territorio.

    La boda latina y la intimidad colectiva

    La boda simbólica incluyó códigos reconocibles para cualquier familia latina: música, celebración, exceso… hasta y un niño dormido en las sillas. Todos fuimos él, alch.

    Esto no solo era algo “estético”, sino la vida cotidiana puesta en escena. Un recordatorio de que la identidad también se construye en lo aparentemente insignificante e intrascendente.

    La Marqueta y la diáspora

    La aparición de La Marqueta remitió al mercado hispano de Nueva York, uno de los espacios donde la comunidad migrante ha sostenido idioma y costumbres lejos de casa. Fue un guiño preciso a la diáspora latina en Estados Unidos, como una red viva que jamás podrá ser silenciada por Trump, ICE o quien venga después.

    Que aprendan español

    La mayoría del show fue en español. En el contexto actual de Estados Unidos —marcado por discursos antiinmigrantes, redadas y criminalización del idioma— esa elección fue 100% política y muestra de que las voces hispanas jamás serán silenciadas, aunque el sistema gringo trate de invisibilizarlas.

    God Bless America, pero la real

    Cuando Bad Bunny dijo “God Bless America” y luego nombró países de América Latina (menos Belice LOL), el cantante sentenció a los gringos que América no es su nación, sino todo el continente y las diversas naciones que lo conforman.

    Amor, la fuerza universal

    El mensaje final, “La única cosa más poderosa que el odio es el amor”, remarca algo que Benito ha demostrado en sus conciertos y en esta etapa de su carrera: el odio y la agresividad solo engendran mal. Todos somos uno y lo hemos olvidado. Y la única forma de que el mundo esté en armonía es volviendo a vernos como uno mismo, algo así como la Teoría del Huevo, pero con perreo hasta el piso.

  • Top canciones para celebrar el Día de la Madre moderna

    Top canciones para celebrar el Día de la Madre moderna

    Ser una mamá contemporánea hace que entiendas que el Día de la Madre no siempre se vive como postal perfecta, bailables o festivales escolares (a los que honestamente no quieres ir).

    A veces estás cansada, a veces feliz, a veces las dos cosas al mismo tiempo. Cuando te sientes así el Día de las Madres, seguro sólo quieres relajarte con música y qué mejor si es con canciones que celebran tu condición como progenitora y lo que significa.

    Por eso, te recomendamos estas canciones; no van de la madre intocable ni del sacrificio eterno. Van de vínculos reales, de amor cotidiano, de maternidades que también dudan, aprenden y crecen.

    Este playlist está pensado para ti: canciones con las que te deberían celebrar, las que puedes dedicarte o las que ponen palabras a lo que no siempre dices.

    Canciones que hablan de tu relación con tus hijos

    • Cazzu – “Inti”
      Es una canción breve, íntima y directa. No habla de ser perfecta, habla de arrullar, de cuidar, de estar. Muchas conectan con ella porque no idealiza la maternidad: la muestra como algo cercano y real.
    • Mon Laferte – “Niña”
      Aquí la maternidad se siente suave, protectora, casi como una conversación al oído. Funciona para esos momentos en los que sabes que amar también es aprender a soltar poco a poco.

    Canciones que te pueden dedicar

    • Carlos Rivera – “Eres tú (mamá)”
      No es una canción antigua ni solemne. Es una dedicatoria clara y actual, de esas que sí se sienten honestas cuando vienen de alguien que reconoce tu esfuerzo sin ponerte en un pedestal irreal.
    • Camilo & Evaluna – “Índigo”
      Habla de la espera, de la familia que se construye y del amor antes incluso de conocer a tu hijo. Muchas mamás jóvenes la sienten cercana porque conecta con ese primer momento donde todo cambia.

    Canciones que reconocen que no todo es perfecto

    • Andrea Echeverri – “A eme o”
      Esta canción no romantiza la maternidad. Juega con el lenguaje y habla del amor desde un lugar creativo y honesto. Ideal si no te identificas con el discurso de la mamá abnegada de siempre.
    • Denise Rosenthal – “Amor de madre”
      Reconoce que hay diferencias, choques y cansancio, pero también un vínculo que se sostiene. Muchas mamás jóvenes conectan con esta idea porque la maternidad también es negociación y aprendizaje mutuo.

    Canciones que tú puedes ponerte para celebrarte

    • Xavi – “No me queda más”
      Parte de un proyecto dedicado a su mamá y lanzado alrededor del 10 de mayo en México. Funciona como recordatorio de algo simple: alguien pensó en ti, en lo que escuchabas y en lo que te gusta.

  • De Rauw Alejandro a J.Lo: los cantantes latinos que han dado el salto a Hollywood

    De Rauw Alejandro a J.Lo: los cantantes latinos que han dado el salto a Hollywood

    El cruce entre la música latina y Hollywood dejó de ser un accidente para convertirse en una ruta cada vez más clara para los artistas que han alcanzado impacto global. El caso más reciente es el de Rauw Alejandro, quien se prepara para debutar en la pantalla grande.

    Rauw Alejandro hará su debut cinematográfico en Viva La Madness, película dirigida por Guy Ritchie, cineasta reconocido por su estilo directo, narrativas de crimen y humor ácido. El filme está basado en la novela homónima de J.J. Connolly y será una producción independiente que mezcla acción e intriga.

    En el reparto figuran Jason Statham, Jason Isaacs, Vinnie Jones, Camila Mendes y Ben Foster, lo que coloca a Rauw dentro de un proyecto de alto perfil desde su primera incursión actoral.

    El salto al cine llega en un momento clave para el artista. Ganador del Latin Grammy y nominado al Grammy 2026 por su álbum Cosa Nuestra, Rauw ha dejado claro que su ambición creativa no se limita a la música. En declaraciones recientes adelantó que este año participará en más proyectos audiovisuales, confirmando que su incursión en Hollywood forma parte de una expansión deliberada de su carrera.

    Cantantes latinos que han logrado consolidarse en Hollywood

    El debut de Rauw Alejandro no ocurre en el vacío. En las últimas décadas, varios cantantes latinos han logrado romper la barrera entre la música y el cine estadounidense, construyendo trayectorias que van más allá del cameo o la curiosidad mediática. Algunos lo hicieron desde el drama, otros desde el cine comercial o las grandes franquicias, pero todos contribuyeron a normalizar la presencia latina en la industria cinematográfica global.

    Jennifer Lopez

    El caso de Jennifer Lopez es uno de los más sólidos y duraderos. Tras consolidarse como estrella pop en los años noventa, su interpretación de Selena Quintanilla en Selena marcó un punto de quiebre para la representación latina en Hollywood. A partir de ahí, Lopez construyó una filmografía constante que incluye comedias románticas como The Wedding Planner y Maid in Manhattan, así como dramas más recientes como Hustlers. Su carrera demostró que una figura musical latina podía sostener protagonismos comerciales sin diluir su identidad.

    Bad Bunny

    Bad Bunny ha seguido un camino distinto, pero igual de contundente. Su incursión en Hollywood comenzó dentro de grandes franquicias como F9 y Bullet Train, donde compartió pantalla con figuras como Brad Pitt. Más adelante, su participación en Cassandro mostró una faceta más dramática y fue reconocida por la crítica. Su presencia reciente en Happy Gilmore 2 confirma que su paso al cine no es anecdótico, sino una extensión natural de su peso cultural.

    Shakira

    Aunque su carrera se ha mantenido principalmente en la música, Shakira también ha tenido incursiones relevantes en el cine internacional. Prestó su voz al personaje de Gazelle en Zootopia, una de las películas animadas más exitosas de Disney, ampliando su alcance a nuevas audiencias y demostrando cómo una figura musical latina puede integrarse a productos culturales globales sin perder reconocimiento.

  • Rosalía debuta en los BRIT Awards y confirma que ‘Lux’ es un hit global

    Rosalía debuta en los BRIT Awards y confirma que ‘Lux’ es un hit global

    El debut de Rosalía en los BRIT Awards marca un punto simbólico en su carrera. La artista fue confirmada como parte del cartel de actuaciones de la ceremonia que se celebrará el próximo 28 de febrero, en Manchester, una sede histórica por tratarse de la primera vez que los BRITs salen de Londres en casi cinco décadas.

    La noticia llega en un momento particularmente sólido para Rosalía, que por primera vez compite en la categoría de artista internacional del año, enfrentándose a figuras como Bad Bunny, Lady Gaga, Taylor Swift, SZA y Tyler, The Creator. Su presencia ya no es periférica ni exótica: es central.

    Unos BRIT Awards que también cambian de escenario

    Que los BRIT Awards 2026 se celebren en el Co-op Live de Manchester no es un simple cambio logístico. Es una señal de apertura, de descentralización, y de una industria que empieza a reflejar mejor el mapa real de la música actual. En ese contexto, la inclusión de Rosalía cobra todavía más sentido.

    Compartirá escenario con figuras como Harry Styles, Olivia Dean, Mark Ronson y Wolf Alice, en una edición que mezcla generaciones, escenas y lenguajes musicales. Además, Noel Gallagher ya fue anunciado como compositor del año, mientras que Ronson recibirá el premio a la contribución destacada a la música, reforzando la idea de un evento que dialoga entre legado y presente.

    Lux, el disco que selló su salto definitivo

    El debut en los BRITs llega respaldado por Lux, su álbum de 2025, que debutó en el No. 4 del Billboard 200 y alcanzó el No. 4 en la lista oficial de álbumes del Reino Unido, convirtiendo a Rosalía en la artista femenina española mejor posicionada en la historia de ese ranking.

    Más allá de los números, Lux fue celebrado por su ambición artística: 13 idiomas, una narrativa sonora expansiva y una identidad pop que no busca encajar, sino redefinir el centro. La crítica respondió de forma unánime, incluida una historia de portada en Billboard.

    Ese impulso continuará con el Lux Tour, su gira más grande como solista hasta ahora, que recorrerá Europa, América del Norte y América del Sur hasta septiembre de 2026, con 42 conciertos en 17 países. Rosalía no está probando suerte en el pop global. Está reclamando espacio.