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  • Lyria 3 de Google y la erosión del oficio musical

    Lyria 3 de Google y la erosión del oficio musical

    Google presentó Lyria 3, el nuevo modelo de música generativa desarrollado por Google DeepMind, capaz de crear canciones completas (con letra, voz e instrumental) a partir de un prompt o incluso de una imagen subida por el usuario. La herramienta está integrada en Gemini y marca un paso más en la carrera por automatizar la creatividad (turbio).

    Según ha explicado Google, Lyria 3 no solo “mejora” la calidad del audio respecto a versiones anteriores, sino que introduce capacidades multimodales: puede “interpretar” imágenes y convertirlas en piezas musicales coherentes con la atmósfera visual. El salto no es técnico únicamente. Es conceptual.

    O sea, muy chido y todo, pero la IA está haciendo aquello que, en teoría, íbamos a hacer nosotros tras poner a chambear a los robots: el trabajo creativo. Y eso no nos gusta a muchos por las implicaciones éticas y artísticas que y tendrá.

    En 2023 y 2024, más de 200 artistas, como Billie Eilish y Stevie Wonder, firmaron una carta pública impulsada por la Artist Rights Alliance exigiendo regulaciones claras sobre el uso de IA en la música y denunciando el entrenamiento de modelos con obras protegidas sin consentimiento explícito.

    La preocupación no es hipotética: varias investigaciones de medios como Rolling Stone y The Guardian han documentado cómo modelos generativos han sido entrenados con grandes volúmenes de música existente, lo que ha desatado litigios en Estados Unidos y Europa.

    Además, el caso de canciones generadas por IA que imitaban voces de artistas, como FlowGPT que hizo llorar a Bad Bunny (aunque sí tenía unos temazos, la verdad) evidenció que la tecnología ya te puede reemplazar, sorta. Bueno, y si lo sumas con los deep fakes, las posibilidades son muuuuy turbias.

    Lyria 3 sí va a ser una herramienta divertida que te permita crear una balada sobre tu perro cojo o un perreito bien marrano basado en una de tus fotos familiares. Incluso le va a brindar posibilidades de creación a quienes no tienen conocimientos ni educación musical. Pero a qué costo.

    ¿Desaparecerán los músicos? claro que no, pero lo que sí sucederá es una erosión gradual del valor del oficio. La música hecha por humanos (al igual que cualquier expresión artística) implica tiempo, aprendizaje, error, vida y contexto. La música generada por IA implica velocidad, eficiencia y predicción estadística basada en patrones previos.

    Cuando cualquiera puede generar una “canción profesional” en segundos sin saber armonía, sin tocar un instrumento y sin escribir una línea, la experiencia artística se transforma en producción de contenido. El proceso deja de importar. Solo importa el resultado inmediato. Pero, seamos honestos, disfrutar del proceso es lo que le da sabor a la vida misma.

    No obstante, da curiosidad ver qué será el nuevo Tralalero Tralalá en versión auditiva. ¿Nos acercamos cada día más a una distopía tecnológica? Ya estamos ahí, viejx. Pero, al menos queda un consuelo: la IA jamás superará lo random de la mente mexicana, alv viejones.

  • Carpenter Brut acelera con “Speed or Perish”: synthwave cyberpunk bien caótico

    Carpenter Brut acelera con “Speed or Perish”: synthwave cyberpunk bien caótico

    Carpenter Brut no hace canciones, construye escenas caóticas de acción e historias en formato sonoro. Y en “Speed or Perish”, el tercer sencillo de Leather Temple, lo deja claro: esto es nuevo cyberpunk que le mundo necesitaba: colores neón, explosiones, sintos durísimos y resistencia ante el sistema.

    Franck Hueso, el Carpenter Brut, lleva más de una década construyendo un universo donde el synthwave no es estética retro que solo suena bonito, sino que plasma la tensión, el metal, distopía en fusión con el terror, el slasher y la ciencia ficción, en especial el cyberpunk: ciudades arrasadas, máquinas dominando el espectáculo y humanos convertidos en combustible del entretenimiento.

    “Speed or Perish” no tiene letra porque no la necesita. Es instrumental y se te instala directo en el cerebro: sintetizadores propulsivos, golpes electrónicos, guitarras distorsionadas y un ritmo acelerado que no baja la velocidad… el sueño de todo tdahero.

    El videoclip es dirigido por Seth Ickerman y es una joya: muestra una masacre a alta velocidad: cuchillas, disparos, choques y el consumo de la vida humana como insumo del entretenimiento y el control de masas. La cámara vertiginosa no se detiene y la sangre no se estiliza. Es una distopía donde la adrenalina es la narrativa y el caos es la única constante.

    La canción forma parte de Leather Temple, disco que sale el 27 de febrero y cierra la trilogía conformada por Leather Teeth y Leather Terror.

    Musicalmente, Leather Temple promete un sonido más rítmico, más directo y más saturado, con una atmósfera noventera electro-industrial que conecta con el ADN cyberpunk clásico: beats afilados, capas distorsionadas y una sensación permanente de colapso inminente. Cada track funciona como una secuencia dentro de un mundo que ya está cayendo.

    Carpenter Brut no redefine el synthwave: él es el synthwave. Además, lo empuja hacia el metal industrial y lo instala en un paisaje cyberpunk donde la velocidad es la única droga que necesitamos.

    100/10 alch.

  • Budaya apuesta por el amor no posesivo en “Querer (Sin Querer Tener)”

    Budaya apuesta por el amor no posesivo en “Querer (Sin Querer Tener)”

    Budaya, el proyecto conformado Maya Piña y Tulio Almaraz, presenta “Querer (Sin Querer Tener)”, una colaboración con Wet Baes (Andrés Jaime) en la que explora el acto de amar sin convertir al otro en propiedad, a través de una fusión de electrónica rica, melódica y popera.

    Musicalmente, la canción cuenta con bases electrónicas limpias, capas atmosféricas y un enfoque emocional fiestero que no cae en dramatismo. La producción de Wet Baes aporta pulso y textura, pero sin desplazar la identidad del dúo. “Querer (Sin Querer Tener) se mantiene en ese punto medio entre electropop y house suave perfecto para toda ocasión.

    Líricamente, el tema gira en torno a una idea concreta: amar sin intentar poseer, no desde el cliché del desapego frío, sino desde la aceptación de que las relaciones cambian y que el crecimiento personal no siempre coincide con la permanencia. El concepto es simple: querer sin convertir el afecto en propiedad o autoridad.

    “Querer (Sin Querer Tener)” no busca romper moldes ni marcar época, sino que pretende dar un mensaje sumamente relevante en un contexto en el que las ideologías tóxicas de derecha van al alza, al mismo tiempo que te pone a bailar suavecito con su feeling lleno de groove.

  • ¿Qué es PLUR y por qué define al EDC?

    ¿Qué es PLUR y por qué define al EDC?

    En el Electric Daisy Carnival (o EDC para los compas) hay algo que no aparece en el lineup ni en los horarios. No está en los flyers ni se anuncia en pantallas gigantes, pero atraviesa todo el festival y es parte primordial de la fiesta. Es eso que hace que un desconocido te abrace, que alguien te pase agua sin preguntarte nada, que no tengas que explicar quién eres ni cómo te ves… que tires cotorreo como si los demás fueran familia. Esa lógica tiene nombre: PLUR.

    No es solo un lema kawaii. Es un código de convivencia que viene de mucho antes de que el EDC fuera un fenómeno global y que sigue marcando la diferencia entre un festival masivo cualquiera y una experiencia que se vive como comunidad.

    PLUR: más que siglas, una forma de estar

    PLUR viene de Peace, Love, Unity, Respect (paz, amor, unidad y respeto, para los que no hablan inglés). Cuatro palabras simples que, juntas, explican por qué en un EDC las reglas no siempre están escritas, pero casi todos las entienden.

    La idea nace en la escena rave underground de Estados Unidos en los años noventa, cuando las fiestas electrónicas todavía eran espacios autogestionados y frágiles. Ahí, figuras como Frankie Bones empezaron a insistir en algo básico: si el espacio es de todos, hay que cuidarlo entre todos.

    Primero fue paz, amor y unidad. El respeto llegó después, cuando la escena creció y fue necesario dejar claro que nadie estaba por encima de nadie.

    PLUR no se pensó como discurso. Se pensó como práctica.

    Cómo se vive PLUR en el EDC

    En el EDC, PLUR no se explica: se vive. Aparece en gestos pequeños que, sumados, cambian la experiencia completa del festival.

    El intercambio de kandi —pulseras hechas a mano— no es folclor ni algo salido del k-pop. Es una forma de romper el hielo entre extraños. Ofrecer agua, espacio o ayuda no es heroicidad: es parte del ambiente. Vestirte, bailar o expresarte como quieras no es provocación: es normalidad que no entiende la gente presa del qué dirán y temerosa de ser sí misma.

    Por eso, incluso con cientos de miles de personas, el EDC suele sentirse menos agresivo que otros eventos masivos. Hay una idea compartida: si alguien no está bien, no se le ignora.

    Por qué PLUR sigue siendo central en el EDC

    Desde Pasquale Rotella, creador de Insomniac Events, PLUR no se ha tratado como un adorno cultural. Es parte estructural del festival. El EDC no se plantea solo como un lugar para ver DJs, sino como un espacio donde la experiencia colectiva importa tanto como la música.

    Eso explica por qué, aun con producciones gigantes, fuegos artificiales y escenarios monumentales, el discurso interno del festival sigue apuntando a lo mismo: conexión, cuidado y comunidad. No como promesa, sino como expectativa compartida.

    ¿Cuándo es el EDC México 2026?

    El EDC México 2026 será los días 20, 21 y 22 de febrero en el Autódromo Hermanos Rodríguez, en la Ciudad de México.

    Serán tres días de música electrónica, múltiples escenarios y una producción diseñada para sostener algo más grande que un cartel de artistas. Porque en el EDC, PLUR no es nostalgia rave: es la razón por la que, año con año, miles de personas vuelven al mismo lugar a encontrarse con desconocidos que, por unas horas, dejan de serlo.